Editor’s Choise

HENRI CARTIER-BRESSON | B&E Goulandris Foundation


03 July – 27 Oct. 2024 Basil & Elise Goulandris Foundation Athens, Greece Sifnos, Greece, 1961 –  ©Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos ENG GR Basil & Elise Goulandris Foundation joins forces with the Henri Cartier-Bresson Foundation to honour the extraordinary artist couple Henri Cartier-Bresson (1908-2004) and Martine Franck (1938-2012), with an extensive tribute that will go on display in both its museums, in Athens and in Andros, from July 3 to October 27, 2024. The B&E Goulandris Foundation in Athens will present a detailed tribute to Cartier-Bresson that will consist of two exhibitions. Henri Cartier-Bresson – Images à la sauvette (The Decisive Moment) The first exhibition will feature the 74 photographs that make up the book Images à la sauvette (The Decisive Moment), that was published upon the initiative of Tériade (Stratis Eleftheriades) with the help of Matisse by publishers Simon & Schuster. This unique book was published in 1952 and its photographs travel audiences to different parts of the world such as France, Italy, Spain, the United Kingdom, Germany, the United States, Mexico, Morocco, Egypt, India, Pakistan, Burma, Indonesia and China. It has been described by Robert Capa as “A Bible for photographers”, a quote that remains to this day the most famous reference to Cartier-Bresson’s work. Henri Cartier-Bresson – Greece The second exhibition will present, for the first time, all the photographs taken by Cartier-Bresson during his travels in Greece in 1937, 1953 and 1961. Through these photographs visitors will have the opportunity to travel to Athens, the Cycladic islands, the most important Greek archaeological sites as well as the most remote parts of the Peloponnese, Thessaly and Epirus in the 1930s, 1950s and 1960s. Approximately 80% of the exhibition will feature works that will go on display for the first time globally, accompanied by rich and previously unpublished archive material such as letters, contact sheets and more. Henri Cartier-Bresson and his wife Martine Franck were dear friends of Basil and Elise Goulandris. Cartier-Bresson inaugurated the new wing of the Goulandris Foundation’s Museum of Contemporary Art in Andros in 1987, exhibiting 150 photographs that he had selected. Franck is credited with one of the most striking portraits of Elise Goulandris, taken in Gstaad in 1999, one year before Elise’s passing. With their photographic lens and their special technique, both Cartier-Bresson and Franck have each left their own indelible mark on art. The exhibitions are under the auspices of the French Ministry of Culture. Tο Ίδρυμα Βασίλη & Ελίζας Γουλανδρή ενώνει τις δυνάμεις του με το Ίδρυμα Henri Cartier-Bresson για να αποτίσει φόρο τιμής στο μοναδικό ζευγάρι καλλιτεχνών Henri Cartier-Bresson (1908-2004) και Martine Franck (1938-2012), με ένα διπλό φωτογραφικό αφιέρωμα που θα παρουσιάζεται παράλληλα και στα δυο του μουσεία, στην Αθήνα και στην Άνδρο, από τις 3 Ιουλίου έως τις 27 Οκτωβρίου 2024. Το Ίδρυμα Β&Ε Γουλανδρή στην Αθήνα θα παρουσιάσει ένα μεγάλο αφιέρωμα στον Cartier-Bresson, το οποίο θα αποτελείται από δύο ξεχωριστές ενότητες. Henri Cartier-Bresson – Images à la sauvette (The Decisive Moment) Στην πρώτη ενότητα θα παρουσιαστούν οι 74 φωτογραφίες που απαρτίζουν το λεύκωμα Images à la sauvette (The Decisive Moment), το οποίο εκδόθηκε με πρωτοβουλία του Tériade (Στρατή Ελευθεριάδη) και με τη βοήθεια του Matisse από τους εκδότες Simon & Schuster. Το μοναδικό αυτό λεύκωμα δημοσιεύτηκε το 1952 και οι φωτογραφίες του ταξιδεύουν το κοινό σε διαφορετικές γωνιές του κόσμου όπως η Γαλλία, η Ίταλία, η Ίσπανία, το Ηνωμένο Βασίλειο, η Γερμανία, οι Ηνωμένες Πολιτείες, το Μεξικό, το Μαρόκο, η Αίγυπτος, η Ίνδία, το Πακιστάν, η Βιρμανία, η Ίνδονησία και η Κίνα. Έχει χαρακτηριστεί από τον Robert Capa ως «Βίβλος για φωτογράφους» και παραμένει ακόμα και σήμερα η πιο διάσημη αναφορά στο έργο του Cartier-Bresson. Henri Cartier-Bresson – Ελλάδα Στην δεύτερη ενότητα, για πρώτη φορά συγκεντρώνονται και παρουσιάζονται οι φωτογραφίες που τράβηξε ο Cartier-Bresson στην Ελλάδα κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του το 1937, το 1953 και το 1961. Μέσα από τις φωτογραφίες ο επισκέπτης ταξιδεύει στην Αθήνα, στις Κυκλάδες, στους σημαντικότερους ελληνικούς αρχαιολογικούς χώρους, καθώς και στις πιο απόμακρες πλευρές της Πελοποννήσου, της Θεσσαλίας και της Ηπείρου των δεκαετιών του ’30, του ’50 και του ‘60. Περίπου το 80% της έκθεσης θα αποτελείται από έργα που παρουσιάζονται για πρώτη φορά παγκοσμίως, τα οποία θα πλαισιώνονται με πλούσιο και ανέκδοτο αρχειακό υλικό όπως επιστολές, contact sheets κ.ά. Ο Henri Cartier-Bresson και η σύζυγός του Martine Franck ήταν αγαπημένοι φίλοι του Βασίλη και της Ελίζας Γουλανδρή. Ο Cartier-Bresson ήταν ο πρώτος που εγκαινίασε τη νέα πτέρυγα του Μουσείου Σύγχρονης Τέχνης του Ιδρύματος Β&Ε Γουλανδρή στην Άνδρο το 1987, εκθέτοντας 150 φωτογραφίες που επέλεξε ο ίδιος. Στην Franck οφείλουμε ένα από τα ωραιότερα πορτραίτα της Ελίζας Γουλανδρή, φωτογραφημένο στο Γκστάαντ το 1999, μόλις έναν χρόνο πριν από τον θάνατό της. Μέσα από τον φωτογραφικό φακό και την ιδιαίτερη τεχνική τους, οι δύο καλλιτέχνες άφησαν ο καθένας το δικό τους ανεξίτηλο αποτύπωμα στην τέχνη. Οι εκθέσεις είναι υπό την αιγίδα του Γαλλικού Υπουργείου Πολιτισμού. B&E Goulandris Foundation 13 Eratosthenous str., Athens 116 35, Greece 03 July – 27 Oct. 2024 Admission to the Exhibition: 12€ Concession Ticket:9€ visit B&E Goulandris Foundation Share the love

HENRI CARTIER-BRESSON | B&E Goulandris Foundation Read More »

CLOSE ENOUGH | New Perspectives from 13 Women Photographers of Magnum.

24 Apr – 21 Jul 2024 KunstfoyerMünchen, Germany Mara, Almeria, Spain, 2022 – from the series “Agony in the Garden” © Lua Ribeira/Magnum Photos ENG GR “If your pictures aren’t good enough, you’re not close enough.” Robert Capa Close Enough explores the practices of thirteen emerging and established women photographers and the relationality they create within global situations, local communities, and interactions with individual subjects. Each contributing photographer openly narrates their creative journey, ranging from reflections upon long-term personal projects to work in progress and new pivots in their image-making practices. They give highly personal accounts of their visual vantage points and create a constellation of photographic relativity in this exhibition. Set in the context of the seventy-fifth anniversary of the founding of the Magnum agency (1947), Close Enough focuses on women photographers whose distinct visions are currently shaping photographic perspectives within Magnum. Together, they move and challenge the photography collective’s boundaries, deepening Magnum’s anchoring of the photographic quest to take account of human experience and survival. In uniquely personal ways, the contributing photographers negotiate gaining access, holding their bearings, and moving deeper in relation to human subjects and experiences—the challenge to photographers to get “close enough” called forth by the cofounder of Magnum, Robert Capa. With determination, urgency, and resourcefulness, each photographer takes account of their practice, inviting us to get close enough. Charlotte Cotton, Curator of the inaugural Close Enough exhibition, International Center of Photography, New York, 2022 The Photographers Alessandra SanguinettiMyriam BoulosSabiha ÇimenOlivia ArthurNanna HeitmannLúa RibeiraCarolyn DrakeBieke DepoorterHannah PriceCristina García RoderoCristina de MiddelNewsha TavakolianSusan Meiselas «Αν οι φωτογραφίες σας δεν είναι καλές, δεν είστε αρκετά κοντά». Robert Capa Το Close Enough διερευνά τις πρακτικές δεκατριών ανερχόμενων και καταξιωμένων γυναικών φωτογράφων και τη συνάφεια που δημιουργούν στα πλαίσια παγκόσμιων καταστάσεων, τοπικών κοινοτήτων και αλληλεπιδράσεων με μεμονωμένα θέματα. Κάθε συμμετέχουσα φωτογράφος αφηγείται ανοιχτά το δημιουργικό της ταξίδι, που κυμαίνεται από προβληματισμούς σχετικά με μακροπρόθεσμα προσωπικά έργα μέχρι έργα σε εξέλιξη και νέες στροφές στις πρακτικές τους για τη δημιουργία εικόνων. Παρουσιάζουν άκρως προσωπικές αφηγήσεις για τα οπτικά τους σημεία και δημιουργούν έναν αστερισμό φωτογραφικής σχετικότητας σε αυτή την έκθεση. Στο πλαίσιο της εβδομηκοστής πέμπτης επετείου από την ίδρυση του πρακτορείου Magnum (1947), η έκθεση Close Enough εστιάζει σε γυναίκες φωτογράφους των οποίων τα ξεχωριστά οράματα διαμορφώνουν σήμερα τις φωτογραφικές προοπτικές εντός του Magnum. Μαζί, μετακινούν και προκαλούν τα όρια της φωτογραφικής συλλογικότητας, εμβαθύνοντας στην εδραίωση της φωτογραφικής αναζήτησης του Magnum σχετικά με την ανθρώπινη εμπειρία και επιβίωση. Με μοναδικά προσωπικούς τρόπους, οι συμμετέχουσες φωτογράφοι διαπραγματεύονται την απόκτηση πρόσβασης, τη διατήρηση του προσανατολισμού τους και την εμβάθυνση σε σχέση με τα ανθρώπινα θέματα και τις εμπειρίες – την πρόκληση προς τους φωτογράφους να πλησιάσουν «αρκετά», την οποία ζήτησε ο συνιδρυτής του Magnum, Robert Capa. Με αποφασιστικότητα, επιτακτικότητα και επινοητικότητα, κάθε φωτογράφος κάνει απολογισμό της πρακτικής της, καλώντας μας να πλησιάσουμε αρκετά. Charlotte Cotton, επιμελήτρια της εναρκτήριας έκθεσης Close Enough, Διεθνές Κέντρο Φωτογραφίας, Νέα Υόρκη, 2022 Οι Φωτογράφοι Alessandra SanguinettiMyriam BoulosSabiha ÇimenOlivia ArthurNanna HeitmannLúa RibeiraCarolyn DrakeBieke DepoorterHannah PriceCristina García RoderoCristina de MiddelNewsha TavakolianSusan Meiselas Some works KunstfoyerMaximilianstr. 5380530 München, Germany24 Apr – 21 Jul 2024 visit Kunstfoyer Share the love

CLOSE ENOUGH | New Perspectives from 13 Women Photographers of Magnum. Read More »

Thomas Hoepker | Italia

eng Italy of the late 1950s comes to life again in the neorealist as well as humanist street photographs of Magnum legend Thomas Hoepker. The beginning of a unique photographic career is now being published for the first time in a photo book by the Buchkunst Berlin publishing house! The then 19-year-old Thomas Hoepker traveled to Italy in 1956 and regularly in the following years to take photographs there with a Leica MP. His view is not that of a tourist, but that of an explorer. Clear, often cinematographic-looking compositions are created, which tell self-contained stories of encounters with people and their everyday rituals – with elements of compassion and humor. Hoepker photographed in the big cities, in Rome, Florence, Siena, Venice and Naples. He travels the south of Italy, Calabria and Sicily just as intensively. In these photographs, Hoepker finds a social perspective that will accompany and shape his work. His humanistic perspective and the cinematic-looking image compositions bring the photographs close to the neo-realist cinema of the time. And everything is entirely the Italy of those years, of the onset of mass tourism in the big cities accompanied by a certain modernization and the Italy of simplicity and poverty of the south, which he documented in detail on several trips. An attitude to life between awakening and tradition, an everyday kaleidoscope full of street scenes, religious processions or political demonstrations – everything becomes part of the narrative. During his trips to Italy between 1956 and 1959, he created a collection of more than 10,000 negatives, from which the book ITALIA presents an extensive selection of 124 photographs. In the photographs, which were taken in Italy between 1956 and 1959, Thomas Hoepker develops his photographic language and creates individual memory images. It is the beginning of a photographic career that lasts more than 6 decades, which allows him to travel the world and, via the magazines Stern and Geo, leads to full membership in the photo agency Magnum Photos in 1989. From 2003 to 2007 he is its president. The focus of all his images and reportages is man and his life in social communities. The photo book is accompanied by an insightful essay by author and director Raúl Morales Barcia, and an afterword by publisher and editor Thomas Gust. gr Η Ιταλία των τελών της δεκαετίας του 1950 ζωντανεύει ξανά στις νεορεαλιστικές αλλά και ανθρωπιστικές φωτογραφίες δρόμου του θρύλου του Magnum Thomas Hoepker. Η αρχή μιας μοναδικής φωτογραφικής καριέρας δημοσιεύεται τώρα για πρώτη φορά σε φωτογραφικό βιβλίο από τον εκδοτικό οίκο Buchkunst Berlin! Ο 19χρονος τότε Thomas Hoepker ταξίδεψε στην Ιταλία το 1956 και συχνά τα επόμενα χρόνια, φωτογραφίζοντας με μια Leica MP. Η ματιά του δεν είναι αυτή ενός τουρίστα, αλλά αυτή ενός εξερευνητή. Δημιουργεί καθαρές, συχνά κινηματογραφικής υφής συνθέσεις, οι οποίες αφηγούνται αυτοτελείς ιστορίες από τις συναντήσεις με τους ανθρώπους και τις καθημερινές τους τελετουργίες – με στοιχεία συμπόνιας και χιούμορ. Ο Hoepker φωτογράφισε στις μεγάλες πόλεις, στη Ρώμη, τη Φλωρεντία, τη Σιένα, τη Βενετία και τη Νάπολη. Ταξιδεύει εξίσου τακτικά στη νότια Ιταλία, την Καλαβρία και τη Σικελία. Σε αυτές τις φωτογραφίες, ο Hoepker βρίσκει μια κοινωνική προοπτική που θα συνοδεύει και θα διαμορφώνει το έργο του. Η ανθρωπιστική άποψη και οι συνθέσεις εικόνων του, που μοιάζουν κινηματογραφικές, φέρνουν τις φωτογραφίες κοντά στον νεορεαλιστικό κινηματογράφο της εποχής. Και όλα είναι απολύτως η Ιταλία εκείνων των χρόνων. Της έναρξης του μαζικού τουρισμού στις μεγάλες πόλεις, που συνοδεύεται από έναν ορισμένο εκσυγχρονισμό, και την Ιταλία της απλότητας και της φτώχειας του νότου, την οποία κατέγραψε λεπτομερώς σε πολλά ταξίδια. Μια στάση ζωής μεταξύ αφύπνισης και παράδοσης, ένα καθημερινό καλειδοσκόπιο γεμάτο σκηνές δρόμου, θρησκευτικές πομπές ή πολιτικές διαδηλώσεις – όλα γίνονται μέρος της αφήγησης. Κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του στην Ιταλία μεταξύ 1956 και 1959, δημιούργησε μια συλλογή από περισσότερα από 10.000 αρνητικά, από τα οποία το βιβλίο ITALIA παρουσιάζει μια εκτενή επιλογή 124 φωτογραφιών. Στις φωτογραφίες, που τράβηξε στην Ιταλία μεταξύ 1956 και 1959, ο Thomas Hoepker αναπτύσσει τη φωτογραφική του γλώσσα και δημιουργεί μοναδικές εικόνες μνήμης. Είναι η αρχή μιας φωτογραφικής καριέρας που διαρκεί περισσότερες από 6 δεκαετίες, η οποία του επιτρέπει να ταξιδέψει σε όλο τον κόσμο και, μέσω των περιοδικών Stern και Geo, τον οδηγεί στην πλήρη ένταξη στο φωτογραφικό πρακτορείο Magnum Photos το 1989. Από το 2003 έως το 2007 είναι πρόεδρός του. Στο επίκεντρο όλων των εικόνων και των ρεπορτάζ του βρίσκεται ο άνθρωπος και η ζωή του στις κοινωνικές κοινότητες. Το φωτογραφικό βιβλίο συνοδεύεται από ένα εμπεριστατωμένο δοκίμιο του συγγραφέα και σκηνοθέτη Raúl Morales Barcia και επίλογο του εκδότη και επιμελητή Thomas Gust. Thomas Hoepker – Italia Publisher: Buchkunst Berlin Language: ‎English Cover: Hard cover, linen binding ‏ 200 pages 124 black and white photos ISBN: ‎ 978-3-9819805-7-8 Dimensions ‏ : ‎ 16,5 x 23,5 cm Purchase from: Buchkunst Berlin Share the love      

Thomas Hoepker | Italia Read More »

MARY ELLEN MARK | ‘Encounters’

16 Sept. 2023 – 18 Jan. 2024 C|O Berlin Berlin, Germany Kissing in a bar, New York, 1977 © Mary Ellen Mark, Courtesy of The Mary Ellen Mark Foundation and Howard Greenberg Gallery ENG GR Mary Ellen Mark (1940-2015) explored social belonging, otherness, and diverse lives in her photography. Whether in portraits or reportages, in the USA, in Mexico or in India. The everyday lives of people on the margins of society, remarkable personalities, social challenges and moments of hope make her work sensitive and insightful. Highs and lows, directness and masquerade, vibrant life and death are defining elements in her work. In her commissions and personal projects, she dealt intensely with themes both current and timeless. Her gaze was humanistic, intimate, and thematic. The exhibition Mary Ellen Mark “Encounters” features five iconic projects created by the photographer in the 1970s and 1980s, later publishing them in a series of photobooks that played a crucial role in cementing her reputation. Ward 81 collects her documentation of women in a state mental institution in Oregon over a period of weeks, Falkland Road is a reportage on sex workers in Mumbai, Mother Teresa’s Missions of Charity is an eponymous exploration both of the woman and her mission, Indian Circus reproduces a series depicting traveling circus families, while Mark’s award-winning Streetwise project and subsequent, Tiny: Streetwise Revisited show her ongoing commitment to telling the story of Erin Charles, who was thirteen when they first met, and known as Tiny. Mark began the project when Tiny was living on the streets and continued photographing her (and eventually her ten children) over the next thirty years. The retrospective includes her portraits of actors and notable people. It also shows her series Twins (2001–02) and Prom (2006–09) in order to reveal the full spectrum of her photographic oeuvre as a documentary and portrait photographer whose one-of-a-kind images gravitated from magazine pages into photobooks and finally onto exhibition walls. Mary Ellen Mark “Encounters” is the first major retrospective of this renowned photographer’s work worldwide. Melissa Harris and Sophia Greiff (C/O Berlin Foundation) have curated the exhibition, conceived in cooperation with The Mary Ellen Mark Foundation—the New York-based archive of the photographer’s work. The show brings together well-known and obscure prints and also presents rare archival materials including contact sheets, letters, and notebooks. An exhibition catalogue is published by Steidl. Η Mary Ellen Mark (1940-2015) διερεύνησε το κοινωνικό ανήκειν, την ετερότητα και τις διαφορετικές ζωές στη φωτογραφία της. Είτε πρόκειται για πορτραίτα είτε για ρεπορτάζ, στις ΗΠΑ, στο Μεξικό ή στην Ινδία. Η καθημερινή ζωή των ανθρώπων στο περιθώριο της κοινωνίας, οι αξιοσημείωτες προσωπικότητες, οι κοινωνικές προκλήσεις και οι στιγμές ελπίδας καθιστούν το έργο της ευαίσθητο και διορατικό. Τα υψηλά και τα χαμηλά, η αμεσότητα και η μεταμφίεση, η έντονη ζωή και ο θάνατος είναι καθοριστικά στοιχεία της δουλειάς της. Στις αναθέσεις και τα προσωπικά της έργα, ασχολήθηκε έντονα με θέματα τόσο επίκαιρα όσο και διαχρονικά. Η ματιά της ήταν ανθρωπιστική, οικεία και θεματική. Η έκθεση Mary Ellen Mark “Encounters” περιλαμβάνει πέντε εμβληματικά projects που δημιούργησε η φωτογράφος τις δεκαετίες του 1970 και 1980, τα οποία αργότερα δημοσίευσε σε μια σειρά από φωτογραφικά βιβλία που έπαιξαν καθοριστικό ρόλο στην εδραίωση της φήμης της. Το Ward 81 συγκεντρώνει την καταγραφή των γυναικών σε ένα κρατικό ψυχιατρικό ίδρυμα στο Όρεγκον για μια περίοδο εβδομάδων, το Falkland Road είναι ιμα ιστορία για τις εργάτριες του σεξ στη Βομβάη, το Mother Teresa’s Missions of Charity είναι μια ομώνυμη εξερεύνηση τόσο της γυναίκας όσο και της αποστολής της, το Indian Circus αναπαράγει μια σειρά που απεικονίζει οικογένειες περιοδεύοντος τσίρκου, ενώ το βραβευμένο πρότζεκτ της Mark Streetwise και το μετέπειτα, Tiny: Streetwise Revisited δείχνουν τη συνεχή δέσμευσή της να αφηγείται την ιστορία της Erin Charles, η οποία ήταν δεκατριών ετών όταν συναντήθηκαν για πρώτη φορά και ήταν γνωστή ως Tiny. Η Mark ξεκίνησε το πρότζεκτ όταν η Tiny ζούσε στους δρόμους και συνέχισε να τη φωτογραφίζει (και τελικά τα δέκα παιδιά της) τα επόμενα τριάντα χρόνια. Η αναδρομική έκθεση περιλαμβάνει επίσης πορτρέτα ηθοποιών και σημαντικών ανθρώπων. Παρουσιάζει επίσης τις σειρές Twins (2001-02) και Prom (2006-09), προκειμένου να αποκαλύψει το πλήρες φάσμα του φωτογραφικού της έργου ως φωτογράφου ντοκουμέντου και πορτρέτου, της οποίας οι μοναδικές εικόνες πέρασαν από τις σελίδες των περιοδικών σε φωτογραφικά βιβλία και, τέλος, σε τοίχους εκθέσεων. Η έκθεση Mary Ellen Mark “Encounters” είναι η πρώτη μεγάλη αναδρομική έκθεση του έργου αυτής της διάσημης φωτογράφου παγκοσμίως. Η Melissa Harris και η Sophia Greiff (C/O Berlin Foundation) επιμελήθηκαν την έκθεση, η οποία σχεδιάστηκε σε συνεργασία με το The Mary Ellen Mark Foundation – το αρχείο του έργου της φωτογράφου που εδρεύει στη Νέα Υόρκη. Η έκθεση συγκεντρώνει γνωστές και άγνωστες φωτογραφίες και παρουσιάζει επίσης σπάνιο αρχειακό υλικό, όπως contacts, επιστολές και σημειωματάρια. Ο κατάλογος της έκθεσης εκδίδεται από την Steidl. Some works Mary Ellen Mark “Encounters” © Mary Ellen Mark, Courtesy of The Mary Ellen Mark Foundation and Howard Greenberg C/O Berlin Foundation Hardenbergstraße 22–24 10623 Berlin 16 Sept. 2023 – 18 Jan. 2024 visit C|O Berlin Share the love      

MARY ELLEN MARK | ‘Encounters’ Read More »


Gabriele Basilico milan

13 Oct. 2023 – 11 Feb. 2024 Palazzo Reale and Triennale MilanoMilano, Italy ENG GR Ten years after his death, Milan is devoting a major exhibition to Gabriele Basilico (1944-2013), divided between two exhibition venues: Palazzo Reale and Triennale Milano. This is the first great tribute that the city in which Basilico was born and lived has paid to the photographer and his cosmopolitan gaze, capable of capturing the essence of all cities. The exhibition will present some 500 works, starting from his survey of Milan at the Triennale and then looking and arriving at the World at Palazzo Reale. The exhibition “Gabriele Basilico. Le mie città”, which opens to the public on 13 October 2023, is promoted and produced by the Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale and Triennale Milano, together with Electa, and created with the scientific collaboration of the Archivio Gabriele Basilico. At Palazzo Reale the exhibition is curated by Giovanna Calvenzi and Filippo Maggia and presents a selection of works on Basilico’s major international commissions; at the Triennale, where the curatorship is entrusted to Giovanna Calvenzi and Matteo Balduzzi, a broad selection of images of Milan and its outer suburbs is exhibited. Δέκα χρόνια μετά το θάνατό του, το Μιλάνο αφιερώνει μια μεγάλη έκθεση στον Gabriele Basilico (1944-2013), η οποία θα μοιραστεί σε δύο εκθεσιακούς χώρους: Palazzo Reale και Triennale Milano. Πρόκειται για τον πρώτο μεγάλο φόρο τιμής που αποτίει η πόλη στην οποία γεννήθηκε και έζησε ο Basilico στον φωτογράφο και στην κοσμοπολίτικη ματιά του, ικανή να αποτυπώσει την ουσία όλων των πόλεων. Στην έκθεση θα παρουσιαστούν περίπου 500 έργα, ξεκινώντας από την φωτογραφική του έρευνα στο Μιλάνου, στην Triennale και στη συνέχεια η πορεία του και το βλέμμα του στον Κόσμο, στο Palazzo Reale. Η έκθεση “Gabriele Basilico. Le mie città”, η οποία ανοίγει για το κοινό στις 13 Οκτωβρίου 2023, προωθείται και παράγεται από την Comune di Milano-Cultura, το Palazzo Reale και την Triennale Milano, μαζί με την Electa, και δημιουργήθηκε με την επιστημονική συνεργασία του Archivio Gabriele Basilico. Στο Palazzo Reale την έκθεση επιμελούνται οι Giovanna Calvenzi και Filippo Maggia και παρουσιάζει μια επιλογή έργων σχετικά με τις μεγάλες διεθνείς παραγγελίες του Basilico – στην Triennale, όπου η επιμέλεια έχει ανατεθεί στους Giovanna Calvenzi και Matteo Balduzzi, εκτίθεται μια ευρεία επιλογή εικόνων του Μιλάνου και των εξωτερικών προαστίων του. Some works Gabriele Basilico. Le mie città © Gabriele Basilico Palazzo RealePiazza del Duomo, 12 Milan13 Oct. 2023 – 11 Feb. 2024 Closed on MondayTuesday – Sunday 10.00 – 19.30Thursday 10.00 – 22.30 visit Palazzo Reale Triennale MilanoViale Alemagna, 6 20121, Milan13 Oct. 2023 – 07 Jan. 2024  visit triennale milano Share the love

GABRIELE BASILICO | Le mie città Read More »

Paul Graham | A1 – The Great North Road

A1 - The Great North Road Paul Graham

eng ‘Graham uses the camera to expose the things we overlook. They are right there in front of all of us, yet we carry on with our own lives trying to make the world conform to our idea of it. Graham’s pictures force us to open our eyes. He slashes through the everyday and in doing so lets in a little metaphorical ray of light to illuminate the subject.‘ BBC ‘Soc­ial document­ary in new colours, with sublime light effects, Vermeer-like precis­ion and a submerged sense of loss‘ London Review of Books A1 – The Great North Road was Paul Graham’s first book, published in 1983. Despite the UK having a vibrant photographic scene at the time, there were only handful of monographic books – Chris Killip and Martin Parr had one each – and no dedicated publishers or distributors. Graham had to self-publish A1, but as the first colour book, it had a startling impact on British photography. Uniting the tradition of social documentary with the fresh approach of new colour, A1 – The Great North Road was transformative on photography in the UK and paved the way for a new generation of British colour photographers to emerge, from Nick Waplington to Anna Fox, Richard Billingham to Tom Wood. Spanning the full length of England and into Edinburgh, Graham travelled repeatedly along the ‘Great North Road’ with a large format camera, to record the people, buildings, and landscape of early 1980’s Britain. Now 40 years old, this book is as much art as it is a historical document of the years of Margaret Thatcher’s government and the UK’s declining industrial base. Graham went on to complete Beyond Caring (1985) and Troubled Land (1986), both of which became iconic bodies of work. Originally self-published and now rare, Graham’s 1980’s trilogy of books will be re-published over the coming years by MACK. gr “Ο Graham χρησιμοποιεί την κάμερα για να εκθέσει τα πράγματα που παραβλέπουμε. Βρίσκονται ακριβώς μπροστά μας, αλλά εμείς συνεχίζουμε τη ζωή μας προσπαθώντας να κάνουμε τον κόσμο να συμμορφωθεί με τη δική μας ιδέα γι’ αυτόν. Οι εικόνες του Γκράχαμ μας αναγκάζουν να ανοίξουμε τα μάτια μας. Κόβει το καθημερινό και με αυτόν τον τρόπο αφήνει μια μικρή μεταφορική ακτίνα φωτός να φωτίσει το θέμα”. BBC ‘Κοινωνικό ντοκουμέντο με νέα χρώματα, με μεγαλειώδες φως, ακρίβεια σαν του Vermeer και μια υποβόσκουσα αίσθηση απώλειας’ London Review of Books Το “A1 – The Great North Road” ήταν το πρώτο βιβλίο του Paul Graham, που εκδόθηκε το 1983. Παρά το γεγονός ότι το Ηνωμένο Βασίλειο διέθετε μια ζωντανή φωτογραφική σκηνή εκείνη την εποχή, δεν υπήρχαν παρά ελάχιστες μονογραφίες – ο Chris Killip και ο Martin Parr είχαν από μια – και δεν υπήρχαν εξειδικευμένοι εκδότες ή διανομείς. Ο Graham αναγκάστηκε να εκδώσει μόνος του το “Α1”, αλλά ως το πρώτο έγχρωμο βιβλίο, είχε εκπληκτικό αντίκτυπο στη βρετανική φωτογραφία. Ενώνοντας την παράδοση του κοινωνικού ντοκουμεντου με τη φρέσκια προσέγγιση του χρώματος, το “A1 – The Great North Road” ήταν ανατροπή για τη φωτογραφία στο Ηνωμένο Βασίλειο και άνοιξε το δρόμο για την εμφάνιση μιας νέας γενιάς Βρετανών έγχρωμων φωτογράφων, από τον Nick Waplington μέχρι την Anna Fox, τον Richard Billingham και τον Tom Wood. Διατρέχοντας όλο το μήκος της Αγγλίας και φτάνοντας μέχρι το Εδιμβούργο, ο Graham ταξίδεψε επανειλημμένα κατά μήκος του “Great North Road” με μια φωτογραφική μηχανή μεγάλου φορμά, καταγράφοντας τους ανθρώπους, τα κτίρια και το τοπίο της Βρετανίας των αρχών της δεκαετίας του 1980. Σήμερα, 40 χρόνια μετά, το βιβλίο αυτό είναι τόσο τέχνη όσο και ιστορικό ντοκουμέντο των χρόνων της κυβέρνησης της Μάργκαρετ Θάτσερ και της φθίνουσας βιομηχανικής βάσης του Ηνωμένου Βασιλείου. Ο Graham συνέχισε ολοκληρώνοντας τα έργα Beyond Caring (1985) και Troubled Land (1986), τα οποία έγιναν εμβληματικά έργα. Η τριλογία βιβλίων του Γκράχαμ του 1980, που αρχικά είχε εκδοθεί από τον ίδιο και σήμερα είναι σπάνια, θα επανεκδοθεί τα επόμενα χρόνια από την MACK. Paul Graham: A1 – The Great North Road Publisher: MACK Books Language: ‎English Linen hardcover with inserted image ‏ 96 pages ISBN: ‎ 978-1-912339-94-5 Dimensions ‏ : ‎ 32.2 x 24.3cm Purchase from: MACK Share the love      

Paul Graham | A1 – The Great North Road Read More »

HARRY GRUYAERT | La part des choses

Harry Gruyaert photo

15 Jun – 24 Sep 2023 LE BAL Paris, France Bruxelles, Gare de Bruxelles-Midi, 1981 © Harry Gruyaert / Magnum Photos ENG GR From June 15 to September 24, LE BAL presents the work of the Belgian photographer Harry Gruyaert through a wide selection of vintage cibachrome prints, drawing an unprecedented path in the work of this leading figure of contemporary photography. Born in Antwerp in 1941, the photographer Harry Gruyaert is one of the pioneers of colour photography, like the great Americans he discovered and fell in love with at an early age: Joel Meyerowitz, William Eggleston, and Stephen Shore. Far from the nar­row confines of his native Belgium, New York in the early 1970s exposed him to pop art and taught him ”to cast a different eye on the ordinary, to accept a form of ugli­ness in the world and to do something with that!” His friendships with the avant-garde (Gordon Matta-Clark, Richard Nanas) reinforced what Antonioni’s Red Desert –”seen a thousand times’‘- had already instilled in him: the need to explore the world, to throw himself into it headlong, not in order to describe it or to inform us about it, but rather to shape it, to model it. To render his perception of things instead of the things them­selves. To become a seer, not a witness. Harry Gruyaert describes this physical struggle, this hand-to-hand combat with things and beings: ”I throw myself into things to experience this mystery, this alchemy: things attract me and I attract things”. In the flow of life, when everything escapes our grasp, and for ”everything to fall into place”, one must be bath present and absent, forgetting oneself in order to seize the matter, the texture, everything that makes up the here and now; while cultivating a sense of prescience, surrendering to an instinctive arrange­ment of forms, colours, symbols, light, and motifs. In Correspondance New Yorkaise Alain Bergala distinguishes between two types of photographers: those who believe in reality and make photography an art of presence, and those who experience reality as impossible and only capture absence. According to this reading, Harry Gruyaert would be an anomaly, a photographer whose visceral pres­ence in the world above all aims to capture its fleeting, intangible character. lsolated trajectories, disjointed spaces, bodies in the margins-the patterns in his images contributes to rendering the absurdity of the world, the surreal collage of life and its individual fragments. What if photography could be about communing with a state of solitude and telling a lie that is truer than truth itself. – Diane Dufour The exhibition gathers for the first time 80 vintage prints made between 1974 and 1996 using the cibachrome process characterized by the sharpness of the image, the intensity of colours and the saturation of the surface. lnvented by Bela Gaspar, a Hungarian chemist, in 1933 and first trade­marked in 1963, it is used to obtain a print from a slide (a positive-to-positive process) by destroying the dyes incorporated in the exposed and developed paper1s emulsion. These rare prints have been brought together exceptionally at the BAL thanks to loans from several collectors and from Gallery FIFTY ONE in Antwerp. Από τις 15 Ιουνίου έως τις 24 Σεπτεμβρίου, το LE BAL παρουσιάζει το έργο του Βέλγου φωτογράφου Harry Gruyaert μέσα από μια μεγάλη ποικιλία vintage εκτυπώσεων cibachrome, χαράσσοντας μια πρωτοφανή διαδρομή του έργου αυτής της κορυφαίας φυσιογνωμίας της σύγχρονης φωτογραφίας. Γεννημένος στην Αμβέρσα το 1941, ο Harry Gruyaert είναι ένας από τους πρωτοπόρους της έγχρωμης φωτογραφίας, όπως οι μεγάλοι Αμερικανοί που ανακάλυψε και ερωτεύτηκε σε νεαρή ηλικία: Joel Meyerowitz, William Eggleston και Stephen Shore. Μακριά από τα στενά όρια της πατρίδας του, του Βελγίου, η Νέα Υόρκη στις αρχές της δεκαετίας του 1970 τον εξέθεσε στην ποπ αρτ και του έμαθε «να ρίχνει μια διαφορετική ματιά στο συνηθισμένο, να αποδέχεται μια μορφή ασχήμιας στον κόσμο και να κάνει κάτι με αυτό!» Οι φιλίες του με την πρωτοπορία (Gordon Matta-Clark, Richard Nanas) ενίσχυσαν αυτό που του είχε ήδη ενσταλάξει η Κόκκινη Έρημος του Αντονιόνι – «που είδα χίλιες φορές»: την ανάγκη να εξερευνήσει τον κόσμο, να ριχτεί με τα μούτρα σε αυτόν, όχι για να τον περιγράψει ή να μας ενημερώσει γι’ αυτόν, αλλά για να τον διαμορφώσει. Να αποδώσει την αντίληψή του για τα πράγματα αντί να περιγράφει τα ίδια τα πράγματα. Να γίνει προφήτης, όχι μάρτυρας. Ο Harry Gruyaert περιγράφει αυτόν τον σωματικό αγώνα, αυτή τη μάχη σώμα με σώμα με πράγματα και όντα: «Ορμώ σε πράγματα για να ζήσω αυτό το μυστήριο, αυτή την αλχημεία: τα πράγματα με ελκύουν και τα προσελκύω κι εγώ». Στη ροή της ζωής, όταν όλα ξεφεύγουν από την αντίληψή μας, για να «μπουν όλα στη θέση τους», πρέπει κανείς να είναι παρών και απών, να ξεχνάει τον εαυτό του για να καταλάβει το θέμα, την υφή, όλα όσα συνθέτουν το εδώ και τώρα, ενώ καλλιεργεί παράλληλα μια αίσθηση πρόγνωσης, παραδιδόμενος σε μια ενστικτώδη διάταξη μορφών, χρωμάτων, συμβόλων, φωτός και μοτίβων. Στο Correspondance New Yorkaise, ο Alain Bergala διακρίνει δύο τύπους φωτογράφων: αυτούς που πιστεύουν στην πραγματικότητα και κάνουν τη φωτογραφία τέχνη της παρουσίας και αυτούς που βιώνουν την πραγματικότητα ως αδύνατη και αποτυπώνουν μόνο την απουσία. Σύμφωνα με αυτή την ανάγνωση, ο Harry Gruyaert θα ήταν μια ανωμαλία, ένας φωτογράφος του οποίου η σπλαχνική παρουσία στον κόσμο στοχεύει πάνω από όλα να συλλάβει τον φευγαλέο, άυλο χαρακτήρα του. Οι απομονωμένες τροχιές, οι ασύνδετοι χώροι, τα σώματα στο περιθώριο – τα μοτίβα στις εικόνες του συμβάλλουν στην απόδοση του παραλογισμού του κόσμου, του σουρεαλιστικού κολάζ της ζωής και των επιμέρους θραυσμάτων της. Τι θα γινόταν αν η φωτογραφία θα μπορούσε να έχει να κάνει με την επικοινωνία με μια κατάσταση μοναξιάς και και την αφήγηση ενός ψέματος που είναι πιο αληθινό από την ίδια την αλήθεια. – Diane Dufour Η έκθεση συγκεντρώνει για πρώτη φορά 80 vintage εκτυπώσεις που έγιναν μεταξύ 1974 και 1996 με τη διαδικασία cibachrome που χαρακτηρίζεται από την ευκρίνεια της εικόνας, την ένταση και τον κορεσμό των χρωμάτων. Εφευρέθηκε από τον Bela Gaspar,

HARRY GRUYAERT | La part des choses Read More »

“Broken Shadow” by Øyvind Hjelmen

broken shadow book cover

eng For over thirty years, Øyvind Hjelmen has worked as a photographer on the Norwegian island of Stord. His work is characterized by poetic images seeking to show the passage of time in an often enigmatic way. ‘Broken Shadow’ is a collection of fragmented memories. Aiming for timelessness, the images reflect on how we relate to ourselves and our surroundings as human beings. How our adult lives are based upon our childhood, and how we relate to our memories, hopes and fears, sexuality and dreams. The images evoke a feeling of contrast between the weight of the shadows and the lightness of flight. In the shadows we are grounded, connected. Breaking open the shadow can reveal the beauty that hides there. Hiding in the depths, there may be good things, but also uncertainty and fear. ‘Broken Shadow’ is the third part of a trilogy, following ‘Elsewhere’ (2010) and ‘Moments Reflected’ (2020). gr Για πάνω από τριάντα χρόνια, ο Øyvind Hjelmen εργάζεται ως φωτογράφος στο νησί της Νορβηγίας, Stord. Το έργο του χαρακτηρίζεται από ποιητικές εικόνες που επιδιώκουν να δείξουν το πέρασμα του χρόνου με έναν συχνά αινιγματικό τρόπο. Το ‘Broken Shadow’ είναι μια συλλογή κατακερματισμένων αναμνήσεων. Στοχεύοντας στη διαχρονικότητα, οι εικόνες αντικατοπτρίζουν τον τρόπο με τον οποίο σχετιζόμαστε με τον εαυτό μας και το περιβάλλον μας ως ανθρώπινα όντα. Πώς η ενήλικη ζωή μας βασίζεται στην παιδική μας ηλικία και πώς σχετιζόμαστε με τις αναμνήσεις, τις ελπίδες και τους φόβους μας, τη σεξουαλικότητα και τα όνειρά μας. Οι εικόνες προκαλούν μια αίσθηση αντίθεσης μεταξύ του βάρους των σκιών και της ελαφρότητας της πτήσης. Το ‘Broken Shadow’ είναι το τρίτο μέρος μιας τριλογίας, μετά το Elsewhere (2010) και το Moments Reflect (2020). Øyvind Hjelmen | Broken Shadow Publisher: Kehrer Verlag, 2022 104 Pages 52 Duotone Photographs Text by Gunnar Danbolt Language: English, Norwegian Hardback, clothbound with title shield 24 x 28,8 cm ISBN: 978-3-96900-095-3 Purchase from: Kehrer Verlag Setanta Book Store

“Broken Shadow” by Øyvind Hjelmen Read More »

DAIDO MORIYAMA | Retrospective

May 13 – Sep 7, 2023 C|O Berlin Berlin, Germany ‘Stray Dog’, Misawa, 1971, from ‘A Hunter’ © Daido Moriyama/ Daido Moriyama Photo Foundation ENG GR A dog drops its head and turns to us, its gaze both challenging and sullen. One can practically hear it snarl and pant. Its scruffy fur is half-lit by the sun, but its snout is in shadow. Could this creature have guessed that its black-and-white portrait would become an iconic photograph? Over the course of his sixty-year career, Daido Moriyama (b. 1938, Osaka) decisively altered how we view photographs. He used his camera to document his immediate surroundings and to visually explore post-war Japanese society. But he also questioned the very nature of photography itself. His unmistakable visual language is as lauded as his countless publications, which are central to his work. Fittingly, the C/O Berlin retrospective will be the first to exhibit dozens of Moriyama’s rare photobooks and magazines alongside some 250 works and large-scale installations. Taken together, this exhibition presents one of the most innovative and influential artists and street photographers of our day. Moriyama’s photographic subjects captivated viewers from the start, whether he was working with mass media and advertisements, societal taboos, or the theatricality of everyday life. He captured the clash of Japanese tradition and accelerated Westernization following the US military occupation of Japan after the end of World War II. Inspired by US artists such as Andy Warhol and William Klein, the photographer vivisected burgeoning consumer society in Japan. He explored the reproducibility of images, their dissemination, and consumption. Over and again, Moriyama placed his archive of images in new contexts, playing with enlargements, crops, and image resolution. Even today, his pioneering artistic spirit and visual intensity remain groundbreaking. The retrospective focuses on two phases of Moriyama’s work. It begins with his early series for Japanese magazines such as Camera Mainichi and Asahi Camera, and presents his engagement with photorealism, his experiments in Provoke magazine, and his years of travel. During this avant-garde period of work, the photographer established his unique aesthetic, typified by unusually cropped, out-of-focus, and grainy black-and-white photographs known by the Japanese catchphrase are, bure, boke (grainy, blurry, out of focus). These images went on to define the style of an entire generation. The second part picks up after the creative crisis Moriyama underwent for almost a decade. Since the 1980s, he has explored the essence of photography and of his own self, developing a visual lyricism with which he reflected on reality, memory, and cities. The conceptual depth of his work contributes to its power. Daido Moriyama | Retrospective is the product of a three-year research period, and is one of the most comprehensive exhibitions ever mounted of this artist’s work. It is organized by Instituto Moreira Salles in cooperation with the Daido Moriyama Photo Foundation. C/O Berlin is the second institution in the world, and the first in Europe, to host this exhibition. Curated by Thyago Nogueira, Instituto Moreira Salles, in collaboration with Sophia Greiff, C/O Berlin Foundation. A monograph accompanying the exhibition is published by Prestel. Artist biography Daido Moriyama was born in Ikeda, Osaka, in 1938. He moved to Tokyo in 1961 where he worked as a freelance photographer for various Japanese magazines such as Asahi Camera, Camera Mainichi, and later Shashin Jidai. Moriyama joined the influential magazine Provoke in 1969. In subsequent decades, he went on to publish over 100 books, including the widely acclaimed A Hunter (1972), the experimental Farewell Photography (1972), the reflective Light and Shadow (1982), as well as monographs dedicated to unique places such as Shinjuku (2002) and Hokkaido (2008). He achieved international acclaim with his retrospective Stray Dog at SFMoMA in 1999. In addition, he has received various awards, including the Hasselblad Award (2018). The Instituto Moreira Salles (IMS) is a Brazilian non-profit art institution with venues in São Paulo, Rio de Janeiro, and Poços de Caldas. IMS was founded in 1992 and holds important collections in visual art, photography, music, literature, and prints and drawings. It is renowned for its exhibitions, highlighting artists and themes from Brazil and abroad. IMS also publishes exhibition catalogues and books on photography, literature, and music, in addition to the print magazines ZUM, dedicated to contemporary photography in Brazil and around the world, and serrote, a quarterly publication of essays and ideas. Ένας σκύλος ρίχνει το κεφάλι του και στρέφεται προς εμας, με το βλέμμα του προκλητικό και σκυθρωπό. Πρακτικά μπορεί κανείς να τον ακούσει να γρυλίζει και να λαχανιάζει. Το ατημέλητο τρίχωμά του είναι μισοφωτισμένο από τον ήλιο, αλλά το ρύγχος του είναι στη σκιά. Θα μπορούσε αυτό το πλάσμα να μαντέψει ότι το ασπρόμαυρο πορτρέτο του θα γινόταν μια εμβληματική φωτογραφία; Κατά τη διάρκεια της εξηντάχρονης καριέρας του, ο Daido Moriyama (γ. 1938, Οσάκα) άλλαξε αποφασιστικά τον τρόπο με τον οποίο βλέπουμε τις φωτογραφίες. Χρησιμοποίησε την κάμερά του για να καταγράψει το άμεσο περιβάλλον του και να εξερευνήσει οπτικά την μεταπολεμική ιαπωνική κοινωνία. Αλλά αμφισβήτησε επίσης την ίδια τη φύση της φωτογραφίας. Ο έπαινος της αδιαμφισβήτητης οπτικής του γλώσσας συμπληρώνεται με τις αμέτρητες δημοσιεύσεις του, οι οποίες έχουν κεντρική θέση στο έργο του. Η αναδρομική έκθεση στο C/O Berlin θα είναι η πρώτη που θα παρουσιάσει δεκάδες σπάνια φωτογραφικά βιβλία και περιοδικά του Moriyama μαζί με περίπου 250 έργα και εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας. Συνολικά, αυτή η έκθεση παρουσιάζει έναν από τους πιο καινοτόμους και επιδραστικούς καλλιτέχνες και φωτογράφους δρόμου της εποχής μας. Τα φωτογραφικά θέματα του Moriyama γοήτευσαν τους θεατές από την αρχή. Συνέλαβε τη σύγκρουση της ιαπωνικής παράδοσης και επιτάχυνε τον δυτικοποίηση μετά την αμερικανική στρατιωτική κατοχή της Ιαπωνίας μετά το τέλος του Β ‘Παγκοσμίου Πολέμου. Εμπνευσμένος από Αμερικανούς καλλιτέχνες όπως ο Andy Warhol και ο William Klein, ο φωτογράφος ζωντάνεψε την αναπτυσσόμενη καταναλωτική κοινωνία στην Ιαπωνία. Διερεύνησε την αναπαραγωγιμότητα των εικόνων, τη διάδοσή τους και την κατανάλωσή τους. Επανειλημμένα, ο Moriyama τοποθέτησε το αρχείο εικόνων του σε νέα πλαίσια, παίζοντας με τις μεγεθύνσεις, το cropping και την ανάλυση εικόνας. Ακόμα και σήμερα, το πρωτοποριακό καλλιτεχνικό του πνεύμα και η οπτική του ένταση παραμένουν πρωτοποριακά. Η αναδρομική έκθεση επικεντρώνεται σε δύο φάσεις του έργου του Moriyama. Ξεκινά με τις πρώτες

DAIDO MORIYAMA | Retrospective Read More »

Fred Herzog | Modern Color

eng The most comprehensive book yet published on the Canadian color-photography pioneer Fred Herzog is best known for his unusual use of color photography in the 1950s and 1960s, a time when art photography was almost exclusively associated with black-and-white imagery. In this respect, his photographs can be seen as prefiguring the New Color photographers of the 1970s. The Canadian photographer worked largely with Kodachrome slide film for over 50 years, and only in the past decade has technology allowed him to make archival pigment prints that match the exceptional color and intensity of the Kodachrome slide, making this an excellent time to reevaluate and reexamine his work. Herzog didn’t consider himself an artist for a long time. He shot his pictures in his free time, after work, supporting his family as the head of the photography and film department at the University of British Columbia (UBC). Claudius Seidl, feuilleton editor at the Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung, described the pioneer of color photography “as a photographer, a professional; as an artist, an amateur.” It wasn’t until the late 1960s that Herzog drew the first media attention for his work. Today, with his body of more than one hundred thousand color photographs, he’s considered a trailblazer for New Color Photograpy. This book brings together over 230 images, many never before reproduced, and features essays by acclaimed authors David Campany, Hans-Michael Koetzle and artist Jeff Wall. Fred Herzog is the most comprehensive publication on this important photographer to date. Fred Herzog (born 1930 in Germany) arrived in Vancouver in 1953. Professionally employed as a medical photographer, he spent his evenings and weekends photographing the city and its inhabitants in vibrant color. Though he has been working prolifically since the 1950s, Herzog was relatively unknown until a major retrospective at the Vancouver Art Gallery in 2007 brought his work to a wider public. Digital inkjet printing has enabled Herzog to finally satisfactorily make prints from his slides and exhibit his important early color street photography. gr Το πιο ολοκληρωμένο βιβλίο που έχει εκδοθεί ακόμη για τον Καναδό πρωτοπόρο της έγχρωμης φωτογραφίας Fred Herzog, ο οποίος είναι περισσότερο γνωστός για την ασυνήθιστη χρήση της έγχρωμης φωτογραφίας στις δεκαετίες του 1950 και του 1960, μια εποχή που η καλλιτεχνική φωτογραφία συνδέθηκε σχεδόν αποκλειστικά με ασπρόμαυρες εικόνες. Από αυτή την άποψη, μπορεί να θεωρηθεί ότι οι φωτογραφίες του προετοιμάζουν το έδαφος για τους φωτογράφους New Color της δεκαετίας του 1970. Ο Καναδός φωτογράφος εργάστηκε σε μεγάλο βαθμό με το φιλμ Kodachrome για περισσότερα από 50 χρόνια και μόνο την τελευταία δεκαετία η τεχνολογία του επέτρεψε να κάνει έγχρωμες αρχειακές εκτυπώσεις, που ταιριάζουν με το εξαιρετικό χρώμα και την ένταση που έιχαν τα slides Kodachrome, καθιστώντας αυτήν μια εξαιρετική στιγμή για επανεκτίμηση και επανεξέταση η δουλειά του. Ο Herzog δεν θεωρούσε τον εαυτό του καλλιτέχνη. Τραβούσε φωτογραφίες στον ελεύθερο χρόνο του, μετά τη δουλειά, συντηρώντας την οικογένειά του ως επικεφαλής του τμήματος φωτογραφίας και κινηματογράφου στο Πανεπιστήμιο της Βρετανικής Κολομβίας (UBC). Ο Claudius Seidl, συντάκτης στο Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung, περιέγραψε τον πρωτοπόρο της έγχρωμης φωτογραφίας «επαγγελματία ως φωτογράφο, ερασιτέχνη ως καλλιτέχνη». Μόλις στα τέλη της δεκαετίας του 1960, ο Herzog τράβηξε την πρώτη προσοχή των μέσων ενημέρωσης για τη δουλειά του. Σήμερα, με το έργο του να αριθμεί περισσότερες από εκατό χιλιάδες έγχρωμες φωτογραφίες, θεωρείται πρωτοπόρος για τη New Color Photography. Αυτό το βιβλίο συγκεντρώνει πάνω από 230 εικόνες, πολλές από τις οποίες δεν έχουν δημοσιευτεί στο παρελθόν, και περιλαμβάνει δοκίμια από τους αναγνωρισμένους συγγραφείς David Campany, Hans-Michael Koetzle και τον καλλιτέχνη Jeff Wall. Είναι η πιο ολοκληρωμένη έκδοση για αυτόν τον σημαντικό φωτογράφο μέχρι σήμερα. Ο Fred Herzog (γ. 1930, Γερμανία) έφτασε στο Βανκούβερ το 1953. Δούλεψε επαγγελματικά ως ιατρικός φωτογράφος, και περνούσε τα βράδια και τα σαββατοκύριακα φωτογραφίζοντας την πόλη και τους κατοίκους. Αν και εργάζεται συνεχώς από τη δεκαετία του 1950, ο Herzog ήταν σχετικά άγνωστος μέχρι που μια μεγάλη αναδρομική έκθεση στην Πινακοθήκη του Βανκούβερ το 2007 έκανε το έργο του γνωστό στο ευρύτερο κοινό. Η ψηφιακή εκτύπωση inkjet επέτρεψε στον Herzog να κάνει επιτέλους ικανοποιητικες εκτυπώσεις από τις διαφάνειές του και να παρουσιάσει τη σημαντική έγχρωμη φωτογραφία του δρόμου. Fred Herzog: Modern Color Publisher: Hatje Cantz, November 2016 Language: ‎ German/English Hardcover ‏ 320 pages / 264 images Texts by: David Campany, Hans-Michael Koetzle, Jeff Wall ISBN: ‎ 978-3-7757-4181-1 Dimensions ‏ : ‎ 273mm x 270mm Purchase from: Hatje Cantz Verlag Bildband Berlin

Fred Herzog | Modern Color Read More »