HENRI CARTIER-BRESSON | B&E Goulandris Foundation


03 July – 27 Oct. 2024 Basil & Elise Goulandris Foundation Athens, Greece Sifnos, Greece, 1961 –  ©Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos ENG GR Basil & Elise Goulandris Foundation joins forces with the Henri Cartier-Bresson Foundation to honour the extraordinary artist couple Henri Cartier-Bresson (1908-2004) and Martine Franck (1938-2012), with an extensive tribute that will go on display in both its museums, in Athens and in Andros, from July 3 to October 27, 2024. The B&E Goulandris Foundation in Athens will present a detailed tribute to Cartier-Bresson that will consist of two exhibitions. Henri Cartier-Bresson – Images à la sauvette (The Decisive Moment) The first exhibition will feature the 74 photographs that make up the book Images à la sauvette (The Decisive Moment), that was published upon the initiative of Tériade (Stratis Eleftheriades) with the help of Matisse by publishers Simon & Schuster. This unique book was published in 1952 and its photographs travel audiences to different parts of the world such as France, Italy, Spain, the United Kingdom, Germany, the United States, Mexico, Morocco, Egypt, India, Pakistan, Burma, Indonesia and China. It has been described by Robert Capa as “A Bible for photographers”, a quote that remains to this day the most famous reference to Cartier-Bresson’s work. Henri Cartier-Bresson – Greece The second exhibition will present, for the first time, all the photographs taken by Cartier-Bresson during his travels in Greece in 1937, 1953 and 1961. Through these photographs visitors will have the opportunity to travel to Athens, the Cycladic islands, the most important Greek archaeological sites as well as the most remote parts of the Peloponnese, Thessaly and Epirus in the 1930s, 1950s and 1960s. Approximately 80% of the exhibition will feature works that will go on display for the first time globally, accompanied by rich and previously unpublished archive material such as letters, contact sheets and more. Henri Cartier-Bresson and his wife Martine Franck were dear friends of Basil and Elise Goulandris. Cartier-Bresson inaugurated the new wing of the Goulandris Foundation’s Museum of Contemporary Art in Andros in 1987, exhibiting 150 photographs that he had selected. Franck is credited with one of the most striking portraits of Elise Goulandris, taken in Gstaad in 1999, one year before Elise’s passing. With their photographic lens and their special technique, both Cartier-Bresson and Franck have each left their own indelible mark on art. The exhibitions are under the auspices of the French Ministry of Culture. Tο Ίδρυμα Βασίλη & Ελίζας Γουλανδρή ενώνει τις δυνάμεις του με το Ίδρυμα Henri Cartier-Bresson για να αποτίσει φόρο τιμής στο μοναδικό ζευγάρι καλλιτεχνών Henri Cartier-Bresson (1908-2004) και Martine Franck (1938-2012), με ένα διπλό φωτογραφικό αφιέρωμα που θα παρουσιάζεται παράλληλα και στα δυο του μουσεία, στην Αθήνα και στην Άνδρο, από τις 3 Ιουλίου έως τις 27 Οκτωβρίου 2024. Το Ίδρυμα Β&Ε Γουλανδρή στην Αθήνα θα παρουσιάσει ένα μεγάλο αφιέρωμα στον Cartier-Bresson, το οποίο θα αποτελείται από δύο ξεχωριστές ενότητες. Henri Cartier-Bresson – Images à la sauvette (The Decisive Moment) Στην πρώτη ενότητα θα παρουσιαστούν οι 74 φωτογραφίες που απαρτίζουν το λεύκωμα Images à la sauvette (The Decisive Moment), το οποίο εκδόθηκε με πρωτοβουλία του Tériade (Στρατή Ελευθεριάδη) και με τη βοήθεια του Matisse από τους εκδότες Simon & Schuster. Το μοναδικό αυτό λεύκωμα δημοσιεύτηκε το 1952 και οι φωτογραφίες του ταξιδεύουν το κοινό σε διαφορετικές γωνιές του κόσμου όπως η Γαλλία, η Ίταλία, η Ίσπανία, το Ηνωμένο Βασίλειο, η Γερμανία, οι Ηνωμένες Πολιτείες, το Μεξικό, το Μαρόκο, η Αίγυπτος, η Ίνδία, το Πακιστάν, η Βιρμανία, η Ίνδονησία και η Κίνα. Έχει χαρακτηριστεί από τον Robert Capa ως «Βίβλος για φωτογράφους» και παραμένει ακόμα και σήμερα η πιο διάσημη αναφορά στο έργο του Cartier-Bresson. Henri Cartier-Bresson – Ελλάδα Στην δεύτερη ενότητα, για πρώτη φορά συγκεντρώνονται και παρουσιάζονται οι φωτογραφίες που τράβηξε ο Cartier-Bresson στην Ελλάδα κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του το 1937, το 1953 και το 1961. Μέσα από τις φωτογραφίες ο επισκέπτης ταξιδεύει στην Αθήνα, στις Κυκλάδες, στους σημαντικότερους ελληνικούς αρχαιολογικούς χώρους, καθώς και στις πιο απόμακρες πλευρές της Πελοποννήσου, της Θεσσαλίας και της Ηπείρου των δεκαετιών του ’30, του ’50 και του ‘60. Περίπου το 80% της έκθεσης θα αποτελείται από έργα που παρουσιάζονται για πρώτη φορά παγκοσμίως, τα οποία θα πλαισιώνονται με πλούσιο και ανέκδοτο αρχειακό υλικό όπως επιστολές, contact sheets κ.ά. Ο Henri Cartier-Bresson και η σύζυγός του Martine Franck ήταν αγαπημένοι φίλοι του Βασίλη και της Ελίζας Γουλανδρή. Ο Cartier-Bresson ήταν ο πρώτος που εγκαινίασε τη νέα πτέρυγα του Μουσείου Σύγχρονης Τέχνης του Ιδρύματος Β&Ε Γουλανδρή στην Άνδρο το 1987, εκθέτοντας 150 φωτογραφίες που επέλεξε ο ίδιος. Στην Franck οφείλουμε ένα από τα ωραιότερα πορτραίτα της Ελίζας Γουλανδρή, φωτογραφημένο στο Γκστάαντ το 1999, μόλις έναν χρόνο πριν από τον θάνατό της. Μέσα από τον φωτογραφικό φακό και την ιδιαίτερη τεχνική τους, οι δύο καλλιτέχνες άφησαν ο καθένας το δικό τους ανεξίτηλο αποτύπωμα στην τέχνη. Οι εκθέσεις είναι υπό την αιγίδα του Γαλλικού Υπουργείου Πολιτισμού. B&E Goulandris Foundation 13 Eratosthenous str., Athens 116 35, Greece 03 July – 27 Oct. 2024 Admission to the Exhibition: 12€ Concession Ticket:9€ visit B&E Goulandris Foundation Share the love

HENRI CARTIER-BRESSON | B&E Goulandris Foundation Read More »

STEPHEN SHORE | ‘Vehicular & Vernacular’

1st June – 15 Sept. 2024 Fondation Henri Cartier-Bresson Paris, France Second Street, Ashland, Wisconsin, July 9, 1973, from Uncommon Places, 1973-1986 © Stephen Shore. Courtesy 303 Gallery, New York and Sprüth Magersy ENG GR Since the 1960’s, mobility has been central to Stephen Shore’s practice. In 1969, while on a trip to Los Angeles with his father, he took photographs from the car window. During the 1970s and 1980s, he went on several road trips across the United States, resulting in his two most famous series: American Surfaces and Uncommon Places. As the new millennium began, he resumed photographing from different means of transportation: from car windows, trains and planes. For his most recent project, which began in 2020, he used a camera-equipped drone to photograph changes in the American landscape. For over half a century, he developed a form of “vehicular photography”. The vernacular has been an ever-present interest in North American photography: the culture of the useful, the local and the popular, so typical of the United States. Shore’s work is permeated by multiple aesthetic and cultural issues. The vernacular is one of them. Shore’s mobility allows him to multiply perspectives and encounters with this “Americanness”. In the works selected for this exhibition, the vehicular is, in fact, placed at the service of the vernacular. Exhibition curator Clément Chéroux Director, Fondation Henri Cartier-Bresson Exhibition With over a hundred images shot between 1969 and 2021 across the United States, Vehicular & Vernacular is the first retrospective of Stephen Shore’s work in Paris in nineteen years. On view at the Fondation Henri Cartier-Bresson until September 15, the exhibition shows the photographer’s renowned series — Uncommon Places and American Surfaces — alongside lesser-known projects never shown in France. A fragment of the Signs of Life exhibition in which Shore participated in 1976 is exceptionally recreated for the occasion. Finally, the photographer’s most recent series, shot using drones, is exhibited for the first time in Europe. Biography Born in New York in 1947, Stephen Shore began photographing at the age of nine. At the age of fourteen, Edward Steichen bought him three photographs for the MoMA collections. In 1971, he became the first living photographer to have his work exhibited at the Metropolitan Museum. Shore was one of eight photographers included in the legendary 1975 New Topographics exhibition at Rochester’s George Eastman House, which redefined the American approach to landscape. He is part of the generation that led to the recognition of color photography as an art form. Rich, diverse and complex, his work transforms everyday scenes into opportunities for meditation. Από τη δεκαετία του 1960, η κινητικότητα αποτελεί κεντρικό στοιχείο της πρακτικής του Stephen Shore. Το 1969, σε ένα ταξίδι στο Λος Άντζελες με τον πατέρα του, τράβηξε φωτογραφίες από το παράθυρο του αυτοκινήτου. Κατά τη διάρκεια των δεκαετιών του 1970 και 1980, πραγματοποίησε πολλά οδικά ταξίδια στις Ηνωμένες Πολιτείες, με αποτέλεσμα να δημιουργήσει τις δύο πιο διάσημες σειρές του: American Surfaces και Uncommon Places. Με την έναρξη της νέας χιλιετίας, συνέχισε να φωτογραφίζει από διαφορετικά μέσα μεταφοράς: από τα παράθυρα αυτοκινήτων, τρένων και αεροπλάνων. Για το πιο πρόσφατο πρότζεκτ του, το οποίο ξεκίνησε το 2020, χρησιμοποίησε ένα drone εξοπλισμένο με κάμερα για να φωτογραφίσει τις αλλαγές στο αμερικανικό τοπίο. Για περισσότερο από μισό αιώνα, ανέπτυξε μια μορφή «οχηματικής φωτογραφίας». Η λαϊκή γλώσσα ήταν πάντα παρούσα στο ενδιαφέρον της βορειοαμερικανικής φωτογραφίας: η κουλτούρα του χρήσιμου, του τοπικού και του λαϊκού, που είναι τόσο χαρακτηριστική για τις ΗΠΑ. Το έργο του Shore διαπνέεται από πολλαπλά αισθητικά και πολιτιστικά ζητήματα. Το κοινότυπο είναι ένα από αυτά. Η μετακίνηση του Shore του επιτρέπει να πολλαπλασιάζει τις προοπτικές και τις συναντήσεις με αυτή την «αμερικανικότητα». Στα έργα που επιλέχθηκαν για την παρούσα έκθεση, το όχημα τίθεται, στην πραγματικότητα, στην υπηρεσία της κοινοτοπίας. Επιμέλεια έκθεσης Clément Chéroux Director, Fondation Henri Cartier-Bresson Η έκθεση Με περισσότερες από εκατό εικόνες που τραβήχτηκαν μεταξύ 1969 και 2021 σε όλες τις Ηνωμένες Πολιτείες, το Vehicular & Vernacular είναι η πρώτη αναδρομική έκθεση του έργου του Stephen Shore στο Παρίσι εδώ και δεκαεννέα χρόνια. Η έκθεση θα φιλοξενείται στο Fondation Henri Cartier-Bresson έως τις 15 Σεπτεμβρίου, παρουσιάζει τις διάσημες σειρές του φωτογράφου – Uncommon Places και American Surfaces – μαζί με λιγότερο γνωστά έργα που δεν έχουν παρουσιαστεί ποτέ στη Γαλλία. Ένα απόσπασμα της έκθεσης Signs of Life στην οποία συμμετείχε ο Shore το 1976 αναδημιουργείται κατ’ εξαίρεση για την περίσταση. Τέλος, η πιο πρόσφατη σειρά του φωτογράφου, η οποία τραβήχτηκε με τη χρήση drones, εκτίθεται για πρώτη φορά στην Ευρώπη. Βιογραφικό Γεννημένος στη Νέα Υόρκη το 1947, ο Stephen Shore άρχισε να φωτογραφίζει σε ηλικία εννέα ετών. Σε ηλικία δεκατεσσάρων ετών, ο Edward Steichen του αγόρασε τρεις φωτογραφίες για τις συλλογές του MoMA. Το 1971, έγινε ο πρώτος εν ζωή φωτογράφος που το έργο του εκτέθηκε στο Μητροπολιτικό Μουσείο. Ο Shore ήταν ένας από τους οκτώ φωτογράφους που συμπεριλήφθηκαν στη θρυλική έκθεση New Topographics του 1975 στο George Eastman House στο Rochester, η οποία επαναπροσδιόρισε την αμερικανική προσέγγιση του τοπίου. Είναι μέλος της γενιάς που οδήγησε στην αναγνώριση της έγχρωμης φωτογραφίας ως μορφή τέχνης. Πλούσιο, ποικιλόμορφο και σύνθετο, το έργο του μετατρέπει τις καθημερινές σκηνές σε ευκαιρίες για στοχασμό. Some works Stephen Shore “Vehicular & Vernacular” © Stephen Shore Fondation Henri Cartier-Bresson 79 rue des Archives 75003 Paris 1 June – 15 Sept. 2024 Admission: Full rate: €10 – Concessions: €6 visit Fondation Henri Cartier-Bresson Share the love

STEPHEN SHORE | ‘Vehicular & Vernacular’ Read More »

CLOSE ENOUGH | New Perspectives from 13 Women Photographers of Magnum.

24 Apr – 21 Jul 2024 KunstfoyerMünchen, Germany Mara, Almeria, Spain, 2022 – from the series “Agony in the Garden” © Lua Ribeira/Magnum Photos ENG GR “If your pictures aren’t good enough, you’re not close enough.” Robert Capa Close Enough explores the practices of thirteen emerging and established women photographers and the relationality they create within global situations, local communities, and interactions with individual subjects. Each contributing photographer openly narrates their creative journey, ranging from reflections upon long-term personal projects to work in progress and new pivots in their image-making practices. They give highly personal accounts of their visual vantage points and create a constellation of photographic relativity in this exhibition. Set in the context of the seventy-fifth anniversary of the founding of the Magnum agency (1947), Close Enough focuses on women photographers whose distinct visions are currently shaping photographic perspectives within Magnum. Together, they move and challenge the photography collective’s boundaries, deepening Magnum’s anchoring of the photographic quest to take account of human experience and survival. In uniquely personal ways, the contributing photographers negotiate gaining access, holding their bearings, and moving deeper in relation to human subjects and experiences—the challenge to photographers to get “close enough” called forth by the cofounder of Magnum, Robert Capa. With determination, urgency, and resourcefulness, each photographer takes account of their practice, inviting us to get close enough. Charlotte Cotton, Curator of the inaugural Close Enough exhibition, International Center of Photography, New York, 2022 The Photographers Alessandra SanguinettiMyriam BoulosSabiha ÇimenOlivia ArthurNanna HeitmannLúa RibeiraCarolyn DrakeBieke DepoorterHannah PriceCristina García RoderoCristina de MiddelNewsha TavakolianSusan Meiselas «Αν οι φωτογραφίες σας δεν είναι καλές, δεν είστε αρκετά κοντά». Robert Capa Το Close Enough διερευνά τις πρακτικές δεκατριών ανερχόμενων και καταξιωμένων γυναικών φωτογράφων και τη συνάφεια που δημιουργούν στα πλαίσια παγκόσμιων καταστάσεων, τοπικών κοινοτήτων και αλληλεπιδράσεων με μεμονωμένα θέματα. Κάθε συμμετέχουσα φωτογράφος αφηγείται ανοιχτά το δημιουργικό της ταξίδι, που κυμαίνεται από προβληματισμούς σχετικά με μακροπρόθεσμα προσωπικά έργα μέχρι έργα σε εξέλιξη και νέες στροφές στις πρακτικές τους για τη δημιουργία εικόνων. Παρουσιάζουν άκρως προσωπικές αφηγήσεις για τα οπτικά τους σημεία και δημιουργούν έναν αστερισμό φωτογραφικής σχετικότητας σε αυτή την έκθεση. Στο πλαίσιο της εβδομηκοστής πέμπτης επετείου από την ίδρυση του πρακτορείου Magnum (1947), η έκθεση Close Enough εστιάζει σε γυναίκες φωτογράφους των οποίων τα ξεχωριστά οράματα διαμορφώνουν σήμερα τις φωτογραφικές προοπτικές εντός του Magnum. Μαζί, μετακινούν και προκαλούν τα όρια της φωτογραφικής συλλογικότητας, εμβαθύνοντας στην εδραίωση της φωτογραφικής αναζήτησης του Magnum σχετικά με την ανθρώπινη εμπειρία και επιβίωση. Με μοναδικά προσωπικούς τρόπους, οι συμμετέχουσες φωτογράφοι διαπραγματεύονται την απόκτηση πρόσβασης, τη διατήρηση του προσανατολισμού τους και την εμβάθυνση σε σχέση με τα ανθρώπινα θέματα και τις εμπειρίες – την πρόκληση προς τους φωτογράφους να πλησιάσουν «αρκετά», την οποία ζήτησε ο συνιδρυτής του Magnum, Robert Capa. Με αποφασιστικότητα, επιτακτικότητα και επινοητικότητα, κάθε φωτογράφος κάνει απολογισμό της πρακτικής της, καλώντας μας να πλησιάσουμε αρκετά. Charlotte Cotton, επιμελήτρια της εναρκτήριας έκθεσης Close Enough, Διεθνές Κέντρο Φωτογραφίας, Νέα Υόρκη, 2022 Οι Φωτογράφοι Alessandra SanguinettiMyriam BoulosSabiha ÇimenOlivia ArthurNanna HeitmannLúa RibeiraCarolyn DrakeBieke DepoorterHannah PriceCristina García RoderoCristina de MiddelNewsha TavakolianSusan Meiselas Some works KunstfoyerMaximilianstr. 5380530 München, Germany24 Apr – 21 Jul 2024 visit Kunstfoyer Share the love

CLOSE ENOUGH | New Perspectives from 13 Women Photographers of Magnum. Read More »

MARY ELLEN MARK | ‘Encounters’

16 Sept. 2023 – 18 Jan. 2024 C|O Berlin Berlin, Germany Kissing in a bar, New York, 1977 © Mary Ellen Mark, Courtesy of The Mary Ellen Mark Foundation and Howard Greenberg Gallery ENG GR Mary Ellen Mark (1940-2015) explored social belonging, otherness, and diverse lives in her photography. Whether in portraits or reportages, in the USA, in Mexico or in India. The everyday lives of people on the margins of society, remarkable personalities, social challenges and moments of hope make her work sensitive and insightful. Highs and lows, directness and masquerade, vibrant life and death are defining elements in her work. In her commissions and personal projects, she dealt intensely with themes both current and timeless. Her gaze was humanistic, intimate, and thematic. The exhibition Mary Ellen Mark “Encounters” features five iconic projects created by the photographer in the 1970s and 1980s, later publishing them in a series of photobooks that played a crucial role in cementing her reputation. Ward 81 collects her documentation of women in a state mental institution in Oregon over a period of weeks, Falkland Road is a reportage on sex workers in Mumbai, Mother Teresa’s Missions of Charity is an eponymous exploration both of the woman and her mission, Indian Circus reproduces a series depicting traveling circus families, while Mark’s award-winning Streetwise project and subsequent, Tiny: Streetwise Revisited show her ongoing commitment to telling the story of Erin Charles, who was thirteen when they first met, and known as Tiny. Mark began the project when Tiny was living on the streets and continued photographing her (and eventually her ten children) over the next thirty years. The retrospective includes her portraits of actors and notable people. It also shows her series Twins (2001–02) and Prom (2006–09) in order to reveal the full spectrum of her photographic oeuvre as a documentary and portrait photographer whose one-of-a-kind images gravitated from magazine pages into photobooks and finally onto exhibition walls. Mary Ellen Mark “Encounters” is the first major retrospective of this renowned photographer’s work worldwide. Melissa Harris and Sophia Greiff (C/O Berlin Foundation) have curated the exhibition, conceived in cooperation with The Mary Ellen Mark Foundation—the New York-based archive of the photographer’s work. The show brings together well-known and obscure prints and also presents rare archival materials including contact sheets, letters, and notebooks. An exhibition catalogue is published by Steidl. Η Mary Ellen Mark (1940-2015) διερεύνησε το κοινωνικό ανήκειν, την ετερότητα και τις διαφορετικές ζωές στη φωτογραφία της. Είτε πρόκειται για πορτραίτα είτε για ρεπορτάζ, στις ΗΠΑ, στο Μεξικό ή στην Ινδία. Η καθημερινή ζωή των ανθρώπων στο περιθώριο της κοινωνίας, οι αξιοσημείωτες προσωπικότητες, οι κοινωνικές προκλήσεις και οι στιγμές ελπίδας καθιστούν το έργο της ευαίσθητο και διορατικό. Τα υψηλά και τα χαμηλά, η αμεσότητα και η μεταμφίεση, η έντονη ζωή και ο θάνατος είναι καθοριστικά στοιχεία της δουλειάς της. Στις αναθέσεις και τα προσωπικά της έργα, ασχολήθηκε έντονα με θέματα τόσο επίκαιρα όσο και διαχρονικά. Η ματιά της ήταν ανθρωπιστική, οικεία και θεματική. Η έκθεση Mary Ellen Mark “Encounters” περιλαμβάνει πέντε εμβληματικά projects που δημιούργησε η φωτογράφος τις δεκαετίες του 1970 και 1980, τα οποία αργότερα δημοσίευσε σε μια σειρά από φωτογραφικά βιβλία που έπαιξαν καθοριστικό ρόλο στην εδραίωση της φήμης της. Το Ward 81 συγκεντρώνει την καταγραφή των γυναικών σε ένα κρατικό ψυχιατρικό ίδρυμα στο Όρεγκον για μια περίοδο εβδομάδων, το Falkland Road είναι ιμα ιστορία για τις εργάτριες του σεξ στη Βομβάη, το Mother Teresa’s Missions of Charity είναι μια ομώνυμη εξερεύνηση τόσο της γυναίκας όσο και της αποστολής της, το Indian Circus αναπαράγει μια σειρά που απεικονίζει οικογένειες περιοδεύοντος τσίρκου, ενώ το βραβευμένο πρότζεκτ της Mark Streetwise και το μετέπειτα, Tiny: Streetwise Revisited δείχνουν τη συνεχή δέσμευσή της να αφηγείται την ιστορία της Erin Charles, η οποία ήταν δεκατριών ετών όταν συναντήθηκαν για πρώτη φορά και ήταν γνωστή ως Tiny. Η Mark ξεκίνησε το πρότζεκτ όταν η Tiny ζούσε στους δρόμους και συνέχισε να τη φωτογραφίζει (και τελικά τα δέκα παιδιά της) τα επόμενα τριάντα χρόνια. Η αναδρομική έκθεση περιλαμβάνει επίσης πορτρέτα ηθοποιών και σημαντικών ανθρώπων. Παρουσιάζει επίσης τις σειρές Twins (2001-02) και Prom (2006-09), προκειμένου να αποκαλύψει το πλήρες φάσμα του φωτογραφικού της έργου ως φωτογράφου ντοκουμέντου και πορτρέτου, της οποίας οι μοναδικές εικόνες πέρασαν από τις σελίδες των περιοδικών σε φωτογραφικά βιβλία και, τέλος, σε τοίχους εκθέσεων. Η έκθεση Mary Ellen Mark “Encounters” είναι η πρώτη μεγάλη αναδρομική έκθεση του έργου αυτής της διάσημης φωτογράφου παγκοσμίως. Η Melissa Harris και η Sophia Greiff (C/O Berlin Foundation) επιμελήθηκαν την έκθεση, η οποία σχεδιάστηκε σε συνεργασία με το The Mary Ellen Mark Foundation – το αρχείο του έργου της φωτογράφου που εδρεύει στη Νέα Υόρκη. Η έκθεση συγκεντρώνει γνωστές και άγνωστες φωτογραφίες και παρουσιάζει επίσης σπάνιο αρχειακό υλικό, όπως contacts, επιστολές και σημειωματάρια. Ο κατάλογος της έκθεσης εκδίδεται από την Steidl. Some works Mary Ellen Mark “Encounters” © Mary Ellen Mark, Courtesy of The Mary Ellen Mark Foundation and Howard Greenberg C/O Berlin Foundation Hardenbergstraße 22–24 10623 Berlin 16 Sept. 2023 – 18 Jan. 2024 visit C|O Berlin Share the love      

MARY ELLEN MARK | ‘Encounters’ Read More »


Gabriele Basilico milan

13 Oct. 2023 – 11 Feb. 2024 Palazzo Reale and Triennale MilanoMilano, Italy ENG GR Ten years after his death, Milan is devoting a major exhibition to Gabriele Basilico (1944-2013), divided between two exhibition venues: Palazzo Reale and Triennale Milano. This is the first great tribute that the city in which Basilico was born and lived has paid to the photographer and his cosmopolitan gaze, capable of capturing the essence of all cities. The exhibition will present some 500 works, starting from his survey of Milan at the Triennale and then looking and arriving at the World at Palazzo Reale. The exhibition “Gabriele Basilico. Le mie città”, which opens to the public on 13 October 2023, is promoted and produced by the Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale and Triennale Milano, together with Electa, and created with the scientific collaboration of the Archivio Gabriele Basilico. At Palazzo Reale the exhibition is curated by Giovanna Calvenzi and Filippo Maggia and presents a selection of works on Basilico’s major international commissions; at the Triennale, where the curatorship is entrusted to Giovanna Calvenzi and Matteo Balduzzi, a broad selection of images of Milan and its outer suburbs is exhibited. Δέκα χρόνια μετά το θάνατό του, το Μιλάνο αφιερώνει μια μεγάλη έκθεση στον Gabriele Basilico (1944-2013), η οποία θα μοιραστεί σε δύο εκθεσιακούς χώρους: Palazzo Reale και Triennale Milano. Πρόκειται για τον πρώτο μεγάλο φόρο τιμής που αποτίει η πόλη στην οποία γεννήθηκε και έζησε ο Basilico στον φωτογράφο και στην κοσμοπολίτικη ματιά του, ικανή να αποτυπώσει την ουσία όλων των πόλεων. Στην έκθεση θα παρουσιαστούν περίπου 500 έργα, ξεκινώντας από την φωτογραφική του έρευνα στο Μιλάνου, στην Triennale και στη συνέχεια η πορεία του και το βλέμμα του στον Κόσμο, στο Palazzo Reale. Η έκθεση “Gabriele Basilico. Le mie città”, η οποία ανοίγει για το κοινό στις 13 Οκτωβρίου 2023, προωθείται και παράγεται από την Comune di Milano-Cultura, το Palazzo Reale και την Triennale Milano, μαζί με την Electa, και δημιουργήθηκε με την επιστημονική συνεργασία του Archivio Gabriele Basilico. Στο Palazzo Reale την έκθεση επιμελούνται οι Giovanna Calvenzi και Filippo Maggia και παρουσιάζει μια επιλογή έργων σχετικά με τις μεγάλες διεθνείς παραγγελίες του Basilico – στην Triennale, όπου η επιμέλεια έχει ανατεθεί στους Giovanna Calvenzi και Matteo Balduzzi, εκτίθεται μια ευρεία επιλογή εικόνων του Μιλάνου και των εξωτερικών προαστίων του. Some works Gabriele Basilico. Le mie città © Gabriele Basilico Palazzo RealePiazza del Duomo, 12 Milan13 Oct. 2023 – 11 Feb. 2024 Closed on MondayTuesday – Sunday 10.00 – 19.30Thursday 10.00 – 22.30 visit Palazzo Reale Triennale MilanoViale Alemagna, 6 20121, Milan13 Oct. 2023 – 07 Jan. 2024  visit triennale milano Share the love

GABRIELE BASILICO | Le mie città Read More »

RALPH GIBSON | Secret of Light

Lightreadings mag RalphGibson_The_Somnambulist_1970_1968

13 Sep – 26 Nov 2023 Kunstfoyer München, Germany Ralph Gibson, from the series The Somnambulist, 1970 © Ralph Gibson ENG GR Ralph Gibson is one of the most interesting American photographers of our time. His great international reputation is based on his exceptional work, which is shown and collected by leading museums around the world: He is represented with works in the collections of the Museum of Modern Art in New York and the J.P. Getty Museum in Los Angeles as well as in the John Simon Guggenheim Memorial Foundation, the Creative Center for Photography in Tucson, the Museum of Fine Arts in Houston, the Maison Européenne de la Photographie and the Bibliothèque Nationale de France in Paris or the Fotomuseum Winterthur in Switzerland. Gibson’s works, dating back to the early 1960s, completely defy the conventional purpose of the medium of photography – the meticulous recording of so-called reality: Gibson is not interested in the photographic documentation of reality; he perceives photography itself as an aesthetic reality. A central motif in his works arises from the original meaning of the term “photography” – drawing with light. Gibson regards light not only as a material requirement for the creation of each of his photographs but also as the subject of examination and a tool for composition. Equally significant is his play with its counterpart, shadow. Thus, Gibson elevates light itself to the theme of his oeuvre. The comprehensive retrospective of the photographer Ralph Gibson (* 1939) presents the development of his work from the 1960s to the immediate present through selected series. The exhibition and the accompanying book were developed in direct cooperation with the artist and draw from approximately 300 black and white and color, analog and digital works from the artist’s private collection, as well as works acquired by collector F.C. Gundlach during his collaboration with Ralph Gibson in the early 1980s for his private photographic collection, which is now housed as a permanent loan at the House of Photography in the Deichtorhallen in Hamburg. The exhibition “RALPH GIBSON – SECRET OF LIGHT” was curated by Sabine Schnakenberg in collaboration with Ralph Gibson. The exhibition will be on view at the Deichtorhallen Hamburg, Halle für aktuelle Kunst, until August 20, 2023. From September 13, it will be hosted at the Kunstfoyer of the Versicherungskammer Kulturstiftung in Munich. Ο Ralph Gibson είναι ένας από τους πιο ενδιαφέροντες Αμερικανούς φωτογράφους της εποχής μας. Η διεθνής φήμη του βασίζεται στο εξαιρετικό έργο του, το οποίο παρουσιάζεται και βρίσκεται στις συλλογές κορυφαίων μουσείων όπως του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη και του Μουσείου J.P. Getty στο Λος Άντζελες, καθώς και στο Ίδρυμα John Simon Guggenheim Memorial Foundation, στο Creative Center for Photography στο Tucson, στο Μουσείο Καλών Τεχνών στο Χιούστον, στο Maison Européenne de la Photographie και στη Bibliothèque Nationale de France στο Παρίσι ή στο Fotomuseum Winterthur στην Ελβετία. Τα έργα του Gibson, που χρονολογούνται από τις αρχές της δεκαετίας του 1960, αψηφούν πλήρως τον συμβατικό σκοπό του μέσου της φωτογραφίας – τη σχολαστική καταγραφή της λεγόμενης πραγματικότητας: Ο Gibson δεν ενδιαφέρεται για τη φωτογραφική τεκμηρίωση της πραγματικότητας- αντιλαμβάνεται την ίδια τη φωτογραφία ως αισθητική πραγματικότητα. Ένα κεντρικό μοτίβο στα έργα του προκύπτει από την αρχική έννοια του όρου “φωτογραφία” – σχεδίαση με φως. Ο Gibson θεωρεί το φως όχι μόνο ως υλική προϋπόθεση για τη δημιουργία κάθε φωτογραφίας του, αλλά και ως αντικείμενο εξέτασης και εργαλείο σύνθεσης. Εξίσου σημαντικό είναι το παιχνίδι του με το αντίστοιχό του, τη σκιά. Έτσι, ο Gibson αναγάγει το ίδιο το φως σε θέμα του έργου του. Η αναδρομική έκθεση του Ralph Gibson παρουσιάζει την εξέλιξη της δουλειάς του από τη δεκαετία του 1960 έως σήμρε μέσα από επιλεγμένες σειρές. Η έκθεση και το συνοδευτικό βιβλίο εκπονήθηκαν σε άμεση συνεργασία με τον καλλιτέχνη και παρουσιάζουν περίπου 300 ασπρόμαυρα και έγχρωμα, αναλογικά και ψηφιακά έργα από την ιδιωτική συλλογή του καλλιτέχνη, καθώς και από έργα που απέκτησε ο συλλέκτης F.C. Gundlach κατά τη διάρκεια της συνεργασίας του με τον Ralph Gibson στις αρχές της δεκαετίας του 1980 για την ιδιωτική του συλλογή, η οποία σήμερα στεγάζεται ως μόνιμα στο House of Photography in the Deichtorhallen του Αμβούργου. Την έκθεση “RALPH GIBSON – SECRET OF LIGHT” επιμελήθηκε η Sabine Schnakenberg σε συνεργασία με τον Ralph Gibson. Η έκθεση θα φιλοξενηθεί στο Kunstfoyer του Versicherungskammer Kulturstiftung στο Μόναχο. Some works Ralph Gibson “Secret of Light” © Ralph Gibson Kunstfoyer Maximilianstr. 53 80530 München 13 Sep – 26 Nov 2023  visit Kunstfoyer

RALPH GIBSON | Secret of Light Read More »

HARRY GRUYAERT | La part des choses

Harry Gruyaert photo

15 Jun – 24 Sep 2023 LE BAL Paris, France Bruxelles, Gare de Bruxelles-Midi, 1981 © Harry Gruyaert / Magnum Photos ENG GR From June 15 to September 24, LE BAL presents the work of the Belgian photographer Harry Gruyaert through a wide selection of vintage cibachrome prints, drawing an unprecedented path in the work of this leading figure of contemporary photography. Born in Antwerp in 1941, the photographer Harry Gruyaert is one of the pioneers of colour photography, like the great Americans he discovered and fell in love with at an early age: Joel Meyerowitz, William Eggleston, and Stephen Shore. Far from the nar­row confines of his native Belgium, New York in the early 1970s exposed him to pop art and taught him ”to cast a different eye on the ordinary, to accept a form of ugli­ness in the world and to do something with that!” His friendships with the avant-garde (Gordon Matta-Clark, Richard Nanas) reinforced what Antonioni’s Red Desert –”seen a thousand times’‘- had already instilled in him: the need to explore the world, to throw himself into it headlong, not in order to describe it or to inform us about it, but rather to shape it, to model it. To render his perception of things instead of the things them­selves. To become a seer, not a witness. Harry Gruyaert describes this physical struggle, this hand-to-hand combat with things and beings: ”I throw myself into things to experience this mystery, this alchemy: things attract me and I attract things”. In the flow of life, when everything escapes our grasp, and for ”everything to fall into place”, one must be bath present and absent, forgetting oneself in order to seize the matter, the texture, everything that makes up the here and now; while cultivating a sense of prescience, surrendering to an instinctive arrange­ment of forms, colours, symbols, light, and motifs. In Correspondance New Yorkaise Alain Bergala distinguishes between two types of photographers: those who believe in reality and make photography an art of presence, and those who experience reality as impossible and only capture absence. According to this reading, Harry Gruyaert would be an anomaly, a photographer whose visceral pres­ence in the world above all aims to capture its fleeting, intangible character. lsolated trajectories, disjointed spaces, bodies in the margins-the patterns in his images contributes to rendering the absurdity of the world, the surreal collage of life and its individual fragments. What if photography could be about communing with a state of solitude and telling a lie that is truer than truth itself. – Diane Dufour The exhibition gathers for the first time 80 vintage prints made between 1974 and 1996 using the cibachrome process characterized by the sharpness of the image, the intensity of colours and the saturation of the surface. lnvented by Bela Gaspar, a Hungarian chemist, in 1933 and first trade­marked in 1963, it is used to obtain a print from a slide (a positive-to-positive process) by destroying the dyes incorporated in the exposed and developed paper1s emulsion. These rare prints have been brought together exceptionally at the BAL thanks to loans from several collectors and from Gallery FIFTY ONE in Antwerp. Από τις 15 Ιουνίου έως τις 24 Σεπτεμβρίου, το LE BAL παρουσιάζει το έργο του Βέλγου φωτογράφου Harry Gruyaert μέσα από μια μεγάλη ποικιλία vintage εκτυπώσεων cibachrome, χαράσσοντας μια πρωτοφανή διαδρομή του έργου αυτής της κορυφαίας φυσιογνωμίας της σύγχρονης φωτογραφίας. Γεννημένος στην Αμβέρσα το 1941, ο Harry Gruyaert είναι ένας από τους πρωτοπόρους της έγχρωμης φωτογραφίας, όπως οι μεγάλοι Αμερικανοί που ανακάλυψε και ερωτεύτηκε σε νεαρή ηλικία: Joel Meyerowitz, William Eggleston και Stephen Shore. Μακριά από τα στενά όρια της πατρίδας του, του Βελγίου, η Νέα Υόρκη στις αρχές της δεκαετίας του 1970 τον εξέθεσε στην ποπ αρτ και του έμαθε «να ρίχνει μια διαφορετική ματιά στο συνηθισμένο, να αποδέχεται μια μορφή ασχήμιας στον κόσμο και να κάνει κάτι με αυτό!» Οι φιλίες του με την πρωτοπορία (Gordon Matta-Clark, Richard Nanas) ενίσχυσαν αυτό που του είχε ήδη ενσταλάξει η Κόκκινη Έρημος του Αντονιόνι – «που είδα χίλιες φορές»: την ανάγκη να εξερευνήσει τον κόσμο, να ριχτεί με τα μούτρα σε αυτόν, όχι για να τον περιγράψει ή να μας ενημερώσει γι’ αυτόν, αλλά για να τον διαμορφώσει. Να αποδώσει την αντίληψή του για τα πράγματα αντί να περιγράφει τα ίδια τα πράγματα. Να γίνει προφήτης, όχι μάρτυρας. Ο Harry Gruyaert περιγράφει αυτόν τον σωματικό αγώνα, αυτή τη μάχη σώμα με σώμα με πράγματα και όντα: «Ορμώ σε πράγματα για να ζήσω αυτό το μυστήριο, αυτή την αλχημεία: τα πράγματα με ελκύουν και τα προσελκύω κι εγώ». Στη ροή της ζωής, όταν όλα ξεφεύγουν από την αντίληψή μας, για να «μπουν όλα στη θέση τους», πρέπει κανείς να είναι παρών και απών, να ξεχνάει τον εαυτό του για να καταλάβει το θέμα, την υφή, όλα όσα συνθέτουν το εδώ και τώρα, ενώ καλλιεργεί παράλληλα μια αίσθηση πρόγνωσης, παραδιδόμενος σε μια ενστικτώδη διάταξη μορφών, χρωμάτων, συμβόλων, φωτός και μοτίβων. Στο Correspondance New Yorkaise, ο Alain Bergala διακρίνει δύο τύπους φωτογράφων: αυτούς που πιστεύουν στην πραγματικότητα και κάνουν τη φωτογραφία τέχνη της παρουσίας και αυτούς που βιώνουν την πραγματικότητα ως αδύνατη και αποτυπώνουν μόνο την απουσία. Σύμφωνα με αυτή την ανάγνωση, ο Harry Gruyaert θα ήταν μια ανωμαλία, ένας φωτογράφος του οποίου η σπλαχνική παρουσία στον κόσμο στοχεύει πάνω από όλα να συλλάβει τον φευγαλέο, άυλο χαρακτήρα του. Οι απομονωμένες τροχιές, οι ασύνδετοι χώροι, τα σώματα στο περιθώριο – τα μοτίβα στις εικόνες του συμβάλλουν στην απόδοση του παραλογισμού του κόσμου, του σουρεαλιστικού κολάζ της ζωής και των επιμέρους θραυσμάτων της. Τι θα γινόταν αν η φωτογραφία θα μπορούσε να έχει να κάνει με την επικοινωνία με μια κατάσταση μοναξιάς και και την αφήγηση ενός ψέματος που είναι πιο αληθινό από την ίδια την αλήθεια. – Diane Dufour Η έκθεση συγκεντρώνει για πρώτη φορά 80 vintage εκτυπώσεις που έγιναν μεταξύ 1974 και 1996 με τη διαδικασία cibachrome που χαρακτηρίζεται από την ευκρίνεια της εικόνας, την ένταση και τον κορεσμό των χρωμάτων. Εφευρέθηκε από τον Bela Gaspar,

HARRY GRUYAERT | La part des choses Read More »

Ara Güler | A Play of Light and Shadow

Ara Güler A Play of Light and Shadow

23 Jun – 8 Nov. 2023  Foam Fotografiemuseum AmsterdamAmsterdam, Holland Galata Docks, Istanbul, 1962 – © Ara Güler / Ara Güler Museum. ENG GR This summer Foam is thrilled to unveil the exhibition “A Play of Light and Shadow”, a tribute to Ara Güler, one of Turkey’s most legendary photographers. His profound love for İstanbul and Turkey is evident from his evocative black and white photographs. The exhibition is a close collaboration between Foam, co-curator Ahmet Polat and the Ara Güler Museum. The exhibition provides the opportunity to explore iconic and unknown parts of Ara Güler’s oeuvre as a renowned photojournalist who captured the essence of Turkey and the world beyond. Through four sections, The Iconic, The Historic, The Ambassador, and The Personal, the visitor is immersed in Güler’s photographic practice from his iconic work as a photojournalist to his remarkable experimental work. Ara Güler A Play of Light and Shadow serves as a testament to Turkey’s rich history and offers a glimpse into the ever-evolving Turkish identity. Ara Güler (1928-2018) was a prominent photojournalist and a driving force in Turkish photography. Celebrated as ‘The Eye of İstanbul’, his poignant black and white images of this city’s inhabitants, streets and docks remain his most celebrated works. Ara Güler immortalized numerous famous artists and political figures throughout his illustrious career. Kısmet, an initiative created and developed in close collaboration between Studio Polat and Foam. The multi-year project is inspired by longstanding cultural, diplomatic and economic ties between Turkey and the Netherlands. Kısmet delves into the diverse and intricate facets of Turkish visual culture, as seen through the lens of different generations of image makers. PublicationThe exhibition will also be accompanied by the publication A Play of Light and Shadow, with contributions from several specialists in the field. Hannibal Books is the publisher of this publication, which will be available at Foam and several bookstores. The Ara Güler Museum and the Ara Güler Archives and Research CenterThe Ara Güler Museum and the Ara Güler Archives and Research Center were established as a result of a partnership between Ara Güler and Doğuş Group. The mission of the Ara Güler Museum is to share Güler’s versatile artistic identity, inspiring life and esteemed archives with the widest possible audience. The museum aims to highlight and promote the visual, emotional and social impacts of his photography through local and international exhibitions, publications, events and collaborations. The Center works towards preserving the artist’s archives in the structure it was created during his lifetime and passing on his legacy to future generations. In addition to his photographic archive, the collection comprises Güler’s cameras, dark room equipment, books, diaries, correspondence, personal items and art collection. The Ara Güler Archives and Research Center conducts the digitization, indexing, classification, conservation and restoration of the archives. Αυτό το καλοκαίρι η Foam παρουσιάζει την έκθεση “A Play of Light and Shadow”, ένα αφιέρωμα στον Ara Güler, έναν από τους πιο θρυλικούς φωτογράφους της Τουρκίας. Η βαθιά αγάπη του για την Κωνσταντινούπολη και την Τουρκία είναι εμφανής από τις υποβλητικές ασπρόμαυρες φωτογραφίες του. Η έκθεση είναι μια συνεργασία μεταξύ του Foam, του συν-επιμελητή Ahmet Polat και του Μουσείου Ara Güler. Η έκθεση παρέχει στον θεατή την ευκαιρία να εξερευνήσει άγνωστα μέρη του έργου του Ara Güler, του διάσημου φωτορεπόρτερ που συνέλαβε την ουσία της Τουρκίας και του κόσμου πέρα από αυτήν. Μέσα από τέσσερις ενότητες, The Iconic, The Historic, The Ambassador και The Personal, ο επισκέπτης βυθίζεται στη φωτογραφική πρακτική του Güler από το εμβληματικό έργο του ως φωτορεπόρτερ έως το αξιοσημείωτο πειραματικό του έργο. Το Ara Güler: A Play of Light and Shadow χρησιμεύει ως απόδειξη της πλούσιας ιστορίας της Τουρκίας και προσφέρει μια ματιά στη συνεχώς εξελισσόμενη τουρκική ταυτότητα. Ο AraGüler (1928-2018) ήταν εξέχων φωτορεπόρτερ και κινητήριος δύναμη της τουρκικής φωτογραφίας. Έχει χαρακτηριστεί ως «Το μάτι της Κωνσταντινούπολης», και οι συγκλονιστικές ασπρόμαυρες εικόνες των κατοίκων της Πόλης, οι δρόμοι και οι αποβάθρες παραμένουν τα πιο διάσημα έργα του. Ο Ara Güler απαθανάτισε πολλούς διάσημους καλλιτέχνες και πολιτικές προσωπικότητες σε όλη τη λαμπρή καριέρα του. Η Kısmet, είναι μια πρωτοβουλία που δημιουργήθηκε και αναπτύχθηκε σε στενή συνεργασία μεταξύ του Studio Polat και του Foam. Το πολυετές έργο εμπνέεται από τους μακροχρόνιους πολιτιστικούς, διπλωματικούς και οικονομικούς δεσμούς μεταξύ Τουρκίας και Ολλανδίας. Η Kısmet εμβαθύνει στις ποικίλες και περίπλοκες πτυχές της τουρκικής οπτικής κουλτούρας, όπως φαίνεται μέσα από το φακό διαφορετικών γενεών δημιουργών εικόνων. ΒιβλίοΗ έκθεση θα συνοδεύεται επίσης από την έκδοση «A Play of Light and Shadow», με συνεισφορές από διάφορους ειδικούς στον τομέα. Η Hannibal Books είναι ο εκδότης αυτής της έκδοσης, η οποία θα είναι διαθέσιμη στο Foam και σε πολλά βιβλιοπωλεία. Το Μουσείο Ara Güler και το Κέντρο Αρχείων και Ερευνών Ara Güler Το Μουσείο Ara Güler και το Κέντρο Αρχείων και Ερευνών Ara Güler ιδρύθηκαν ως αποτέλεσμα συνεργασίας μεταξύ του Ara Güler και του Ομίλου Doğuş. Η αποστολή του Μουσείου Ara Güler είναι να μοιραστεί την πολύπλευρη καλλιτεχνική ταυτότητα του Güler, την εμπνευσμένη ζωή και τα αξιόλογα αρχεία του με το ευρύτερο κοινό. Στόχος του μουσείου είναι να αναδείξει και να προωθήσει τις οπτικές, συναισθηματικές και κοινωνικές επιπτώσεις της φωτογραφίας του μέσα από τοπικές και διεθνείς εκθέσεις, εκδόσεις, εκδηλώσεις και συνεργασίες. Το Κέντρο εργάζεται για τη διατήρηση των αρχείων του καλλιτέχνη στη δομή που δημιουργήθηκε κατά τη διάρκεια της ζωής του, και τη μεταβίβαση της κληρονομιάς του στις μελλοντικές γενιές. Εκτός από το φωτογραφικό του αρχείο, η συλλογή περιλαμβάνει φωτογραφικές μηχανές του Güler, εξοπλισμό σκοτεινού θαλάμου, βιβλία, ημερολόγια, αλληλογραφία, προσωπικά αντικείμενα και συλλογή έργων τέχνης. Το Κέντρο Αρχείων και Ερευνών Ara Güler διεξάγει την ψηφιοποίηση, ταξινόμηση, συντήρηση και αποκατάσταση των αρχείων. Some works Ara Güler | A Play of Light and Shadow© Ara Güler / Ara Güler Museum. Foam Fotografiemuseum AmsterdamKeizersgracht 6091017 DS Amsterdam23 Jun – 8 Nov 2023 Opening: Thursday 22 June.  20.00 – 22.00 visit foam

Ara Güler | A Play of Light and Shadow Read More »

FRANK HORVAT | Paris, the World, Fashion

16 June – 17 Sept, 2023 Jeu de Paume Paris, France Givenchy hat for Jardin des Modes 1958, © Studio Frank Horvat, Boulogne-Billancourt ENG GR Jeu de Paume presents the largest exhibition devoted to photographer Frank Horvat since his death on 21 October 2020. Through one-hundred-and-seventy prints and seventy archival documents, “Frank Horvat. Paris, the World and Fashion” focuses on the first fifteen years of a remarkable career. Between 1950 and 1965, Horvat forged a unique identity as an author-reporter and fashion photographer. The exhibition affords a new perspective on the work of this leading figure of French and European photography. Created from the archives left by the photographer in his studio-home in Boulogne-Billancourt, the exhibition features one-hundred-and-seventy prints and seventy archival documents (publications, writings, books, contact sheets). Alongside his iconic images, it presents ensembles of lesser-known and unknown photographs. All the richness and singularity of a complex and multifaceted body of work are revealed here, positioned within the context of the history of the photographic image and the post-war illustrated press. Following the success of the exhibition Frank Horvat presented at the Château de Tours in the spring of 2022, Jeu de Paume wanted to offer an augmented version of the exhibition in Paris. A unique ensemble of photographs, as well as numerous fashion magazines will thus be presented, shedding light on the context in which these images were created, at a time when the rise of ready-to-wear and the evolution of women’s social status profoundly modified the canons of the genre. Curator : Virginie Chardin With the support and contribution of Studio Frank Horvat, Boulogne-Billancourt, and Fiammetta Horvat, daughter of Frank Horvat. Το Jeu de Paume παρουσιάζει τη μεγαλύτερη έκθεση αφιερωμένη στον φωτογράφο Frank Horvat από τον θάνατό του, στις 21 Οκτωβρίου 2020. Μέσα από εκατόν εβδομήντα εκτυπώσεις και εβδομήντα αρχειακά έγγραφα, η έκθεση «Frank Horvat. Paris, the World and Fashion» εστιάζει στα πρώτα δεκαπέντε χρόνια μιας αξιοσημείωτης καριέρας. Μεταξύ 1950 και 1965, ο Horvat δημιούργησε μια μοναδική ταυτότητα ως ρεπόρτερ και φωτογράφος μόδας. Η έκθεση προσφέρει μια νέα οπτική στη δουλειά αυτής της κορυφαίας φυσιογνωμίας της γαλλικής και ευρωπαϊκής φωτογραφίας. Δημιουργημένη από τα αρχεία που άφησε ο φωτογράφος στο στούντιο-σπίτι του στη Boulogne-Billancourt, η έκθεση περιλαμβάνει εκατόν εβδομήντα εκτυπώσεις και εβδομήντα αρχειακά έγγραφα (δημοσιεύσεις, γραπτά, βιβλία, κλπ). Παράλληλα με τις εμβληματικές του εικόνες, παρουσιάζονται λιγότερο γνωστές αλλά και άγνωστες φωτογραφίες του, και αποκαλύπτεται όλος ο πλούτος και η μοναδικότητα ενός πολύπλοκου και πολύπλευρου έργου, τοποθετημένου στο πλαίσιο της ιστορίας της φωτογραφικής εικόνας και του μεταπολεμικού εικονογραφημένου Τύπου. Μετά την επιτυχία της έκθεσης του Frank Horvat, που παρουσιάστηκε στο Château de Tours την άνοιξη του 2022, το Jeu de Paume προσφέρει μια εκτεταμένη έκδοση της έκθεσης στο Παρίσι. Έτσι, θα παρουσιάσει ένα μοναδικό σύνολο φωτογραφιών, καθώς και πολυάριθμα περιοδικά μόδας, ρίχνοντας φως στο πλαίσιο μέσα στο οποίο δημιουργήθηκαν αυτές οι εικόνες, σε μια εποχή που η άνοδος του ready-to-wear και η εξέλιξη της κοινωνικής θέσης των γυναικών τροποποίησαν βαθιά τους κανόνες του φωτογραφικού είδους. Επιμέλεια: Virginie Chardin Με την υποστήριξη και τη συμβολή του Studio Frank Horvat, της Boulogne-Billancourt και της Fiammetta Horvat, κόρης του Frank Horvat. Some works FRANK HORVAT | Paris, the World, Fashion © Studio Frank Horvat, Boulogne-Billancourt Jeu de Paume 1 Place de la Concorde Jardin des Tuileries 75001 Paris From 16 June to 17 September 2023 visit Jeu de Paume

FRANK HORVAT | Paris, the World, Fashion Read More »

DAIDO MORIYAMA | Retrospective

May 13 – Sep 7, 2023 C|O Berlin Berlin, Germany ‘Stray Dog’, Misawa, 1971, from ‘A Hunter’ © Daido Moriyama/ Daido Moriyama Photo Foundation ENG GR A dog drops its head and turns to us, its gaze both challenging and sullen. One can practically hear it snarl and pant. Its scruffy fur is half-lit by the sun, but its snout is in shadow. Could this creature have guessed that its black-and-white portrait would become an iconic photograph? Over the course of his sixty-year career, Daido Moriyama (b. 1938, Osaka) decisively altered how we view photographs. He used his camera to document his immediate surroundings and to visually explore post-war Japanese society. But he also questioned the very nature of photography itself. His unmistakable visual language is as lauded as his countless publications, which are central to his work. Fittingly, the C/O Berlin retrospective will be the first to exhibit dozens of Moriyama’s rare photobooks and magazines alongside some 250 works and large-scale installations. Taken together, this exhibition presents one of the most innovative and influential artists and street photographers of our day. Moriyama’s photographic subjects captivated viewers from the start, whether he was working with mass media and advertisements, societal taboos, or the theatricality of everyday life. He captured the clash of Japanese tradition and accelerated Westernization following the US military occupation of Japan after the end of World War II. Inspired by US artists such as Andy Warhol and William Klein, the photographer vivisected burgeoning consumer society in Japan. He explored the reproducibility of images, their dissemination, and consumption. Over and again, Moriyama placed his archive of images in new contexts, playing with enlargements, crops, and image resolution. Even today, his pioneering artistic spirit and visual intensity remain groundbreaking. The retrospective focuses on two phases of Moriyama’s work. It begins with his early series for Japanese magazines such as Camera Mainichi and Asahi Camera, and presents his engagement with photorealism, his experiments in Provoke magazine, and his years of travel. During this avant-garde period of work, the photographer established his unique aesthetic, typified by unusually cropped, out-of-focus, and grainy black-and-white photographs known by the Japanese catchphrase are, bure, boke (grainy, blurry, out of focus). These images went on to define the style of an entire generation. The second part picks up after the creative crisis Moriyama underwent for almost a decade. Since the 1980s, he has explored the essence of photography and of his own self, developing a visual lyricism with which he reflected on reality, memory, and cities. The conceptual depth of his work contributes to its power. Daido Moriyama | Retrospective is the product of a three-year research period, and is one of the most comprehensive exhibitions ever mounted of this artist’s work. It is organized by Instituto Moreira Salles in cooperation with the Daido Moriyama Photo Foundation. C/O Berlin is the second institution in the world, and the first in Europe, to host this exhibition. Curated by Thyago Nogueira, Instituto Moreira Salles, in collaboration with Sophia Greiff, C/O Berlin Foundation. A monograph accompanying the exhibition is published by Prestel. Artist biography Daido Moriyama was born in Ikeda, Osaka, in 1938. He moved to Tokyo in 1961 where he worked as a freelance photographer for various Japanese magazines such as Asahi Camera, Camera Mainichi, and later Shashin Jidai. Moriyama joined the influential magazine Provoke in 1969. In subsequent decades, he went on to publish over 100 books, including the widely acclaimed A Hunter (1972), the experimental Farewell Photography (1972), the reflective Light and Shadow (1982), as well as monographs dedicated to unique places such as Shinjuku (2002) and Hokkaido (2008). He achieved international acclaim with his retrospective Stray Dog at SFMoMA in 1999. In addition, he has received various awards, including the Hasselblad Award (2018). The Instituto Moreira Salles (IMS) is a Brazilian non-profit art institution with venues in São Paulo, Rio de Janeiro, and Poços de Caldas. IMS was founded in 1992 and holds important collections in visual art, photography, music, literature, and prints and drawings. It is renowned for its exhibitions, highlighting artists and themes from Brazil and abroad. IMS also publishes exhibition catalogues and books on photography, literature, and music, in addition to the print magazines ZUM, dedicated to contemporary photography in Brazil and around the world, and serrote, a quarterly publication of essays and ideas. Ένας σκύλος ρίχνει το κεφάλι του και στρέφεται προς εμας, με το βλέμμα του προκλητικό και σκυθρωπό. Πρακτικά μπορεί κανείς να τον ακούσει να γρυλίζει και να λαχανιάζει. Το ατημέλητο τρίχωμά του είναι μισοφωτισμένο από τον ήλιο, αλλά το ρύγχος του είναι στη σκιά. Θα μπορούσε αυτό το πλάσμα να μαντέψει ότι το ασπρόμαυρο πορτρέτο του θα γινόταν μια εμβληματική φωτογραφία; Κατά τη διάρκεια της εξηντάχρονης καριέρας του, ο Daido Moriyama (γ. 1938, Οσάκα) άλλαξε αποφασιστικά τον τρόπο με τον οποίο βλέπουμε τις φωτογραφίες. Χρησιμοποίησε την κάμερά του για να καταγράψει το άμεσο περιβάλλον του και να εξερευνήσει οπτικά την μεταπολεμική ιαπωνική κοινωνία. Αλλά αμφισβήτησε επίσης την ίδια τη φύση της φωτογραφίας. Ο έπαινος της αδιαμφισβήτητης οπτικής του γλώσσας συμπληρώνεται με τις αμέτρητες δημοσιεύσεις του, οι οποίες έχουν κεντρική θέση στο έργο του. Η αναδρομική έκθεση στο C/O Berlin θα είναι η πρώτη που θα παρουσιάσει δεκάδες σπάνια φωτογραφικά βιβλία και περιοδικά του Moriyama μαζί με περίπου 250 έργα και εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας. Συνολικά, αυτή η έκθεση παρουσιάζει έναν από τους πιο καινοτόμους και επιδραστικούς καλλιτέχνες και φωτογράφους δρόμου της εποχής μας. Τα φωτογραφικά θέματα του Moriyama γοήτευσαν τους θεατές από την αρχή. Συνέλαβε τη σύγκρουση της ιαπωνικής παράδοσης και επιτάχυνε τον δυτικοποίηση μετά την αμερικανική στρατιωτική κατοχή της Ιαπωνίας μετά το τέλος του Β ‘Παγκοσμίου Πολέμου. Εμπνευσμένος από Αμερικανούς καλλιτέχνες όπως ο Andy Warhol και ο William Klein, ο φωτογράφος ζωντάνεψε την αναπτυσσόμενη καταναλωτική κοινωνία στην Ιαπωνία. Διερεύνησε την αναπαραγωγιμότητα των εικόνων, τη διάδοσή τους και την κατανάλωσή τους. Επανειλημμένα, ο Moriyama τοποθέτησε το αρχείο εικόνων του σε νέα πλαίσια, παίζοντας με τις μεγεθύνσεις, το cropping και την ανάλυση εικόνας. Ακόμα και σήμερα, το πρωτοποριακό καλλιτεχνικό του πνεύμα και η οπτική του ένταση παραμένουν πρωτοποριακά. Η αναδρομική έκθεση επικεντρώνεται σε δύο φάσεις του έργου του Moriyama. Ξεκινά με τις πρώτες

DAIDO MORIYAMA | Retrospective Read More »