CORTONA ON THE MOVE 2024 | 14th Edition

Cortona on the move 2024

Festival: 11 Jul – 3 Nov 2024 Via Roma 31 52044 Cortona ENG GR Cortona On The Move comes back with its 14th edition of the international photography festival under the theme Body of Evidence. The international photography festival Cortona On The Move has been held since 2011 in the Tuscan town of Cortona, with the aim of promoting new visions and original forms of visual communication. Now approaching its 14th edition, the festival makes documentary narrative the center of its interest and focuses on themes that are contemporary and socially relevant. The body becomes a Body of Evidence viewed and investigated in its many nuances and declinations, through the interpretive approach of photographers from all over the world, selected for this edition of the festival. 4 group shows, 18 solo exhibitions, 6 locations and 4 months of festival taking place in the Tuscan town of Cortona from July 11 to Nov. 3, 2024. The “highlight” of the event will be, as every year, during the festival’s opening days (July 11-14), when the greatest national and international experts from the world of photography will meet in Cortona, participating in events, presentations, talks and workshops, to promote reflection on current events and the past, through photography – one of the tools that can best investigate reality. Exhibitions Include Works From: Gabriele Basilico » Myriam Boulos » Charles Fréger » Ken Graves » Herbert Hoffmann » Cloé Jaffé » Eva Lipman » Philip Montgomery » Klaus Pichler » Denis Rouvre » Carmen Winant » & others See this year’s program here! Το Cortona On The Move επιστρέφει με τη 14η έκδοση του διεθνούς φεστιβάλ φωτογραφίας με θέμα Body of Evidence. Το διεθνές φεστιβάλ φωτογραφίας Cortona On The Move πραγματοποιείται από το 2011 στην πόλη Cortona της Τοσκάνης, με στόχο την προώθηση νέων οραμάτων και πρωτότυπων μορφών οπτικής επικοινωνίας. Το φεστιβάλ, που διανύει πλέον τη 14η διοργάνωσή του, θέτει στο επίκεντρο του ενδιαφέροντός του την αφήγηση ντοκουμέντου και επικεντρώνεται σε θέματα που είναι σύγχρονα και επίκαιρα από κοινωνικής άποψης. Το σώμα γίνεται ένα “Σώμα Αποδείξεων”, που εξετάζεται και διερευνάται στις πολλές αποχρώσεις και αποκλίσεις του, μέσα από την ερμηνευτική προσέγγιση φωτογράφων από όλο τον κόσμο, που επιλέχθηκαν για αυτή τη φετινή διοργάνωση του φεστιβάλ. 4 ομαδικές εκθέσεις, 18 ατομικές εκθέσεις, 6 τοποθεσίες και 4 μήνες φεστιβάλ που λαμβάνουν χώρα στην πόλη Cortona της Τοσκάνης από τις 11 Ιουλίου έως τις 3 Νοεμβρίου 2024. Το «αποκορύφωμα» της διοργάνωσης θα είναι, όπως κάθε χρόνο, κατά τις ημέρες έναρξης του φεστιβάλ (11-14 Ιουλίου), όταν οι σπουδαιότεροι εγχώριοι και διεθνείς ειδήμονες από τον κόσμο της φωτογραφίας θα συναντηθούν στην Κορτόνα, συμμετέχοντας σε εκδηλώσεις, παρουσιάσεις, ομιλίες και εργαστήρια, για να προωθήσουν τον προβληματισμό σχετικά με τα τρέχοντα γεγονότα και το παρελθόν, μέσω της φωτογραφίας – ένα από τα εργαλεία που μπορούν να διερευνήσουν καλύτερα την πραγματικότητα. Οι εκθέσεις περιλαμβάνουν έργα των: Gabriele Basilico » Myriam Boulos » Charles Fréger » Ken Graves » Herbert Hoffmann » Cloé Jaffé » Eva Lipman » Philip Montgomery » Klaus Pichler » Denis Rouvre » Carmen Winant » μεταξύ άλλων. Δείτε το φετινό πρόγραμμα εδώ! Cortona On The Move 2024 Via Roma 31 52044 Cortona  11 July – 3 Nov. 2024 see Cortona On The Move 2024 programme Share the love

CORTONA ON THE MOVE 2024 | 14th Edition Read More »


Rencontres d'Arles 2024

Festival: 1 July – 29 Sept. 2024 34, rue du Docteur Fanton Arles, France ENG GR ARLES 2024 BENEATH THE SURFACE Tremors and turmoil, spirits, traces, parallel readings and rereadings all constitute new perspectives underlying the 2024 edition of the Rencontres d’Arles. Photographers, artists and curators reveal their visions and stories, not least that of our humanity, by turns thwarted, in endless redefinition, resilient, but also visionary. Whether on the margins or established at the center, the narratives lead to divergent, multiple paths, all emanating from the faults in a porous surface: they intertwine, superimpose and overlap. It’s an exciting time, as this ensemble opens a plurality of itineraries to follow. Exhibitions Include Works From: François Bellabas » Sophie Calle » Debi Cornwall » Cristina De Middel » Stephen Dock » Nicolas Floc’h » Cemil Batur Gökçeer » Miyako Ishiuchi » Coline Jourdan » Rinko Kawauchi » Lahem » Marine Lanier » Mary Ellen Mark » Tshepiso Mazibuko » Michel Medinger » Randa Mirza » Matan Mittwoch » Laurent Montaron » Marilou Poncin » Nanténé Traoré » Kusukazu Uraguchi » Rajesh Vora » Nhu Xuan Hua » MO Yi » Vasantha Yogananthan » See this year’s program here! ARLES 2024 BENEATH THE SURFACE Οι κραδασμοί και οι αναταραχές, τα πνεύματα, τα ίχνη, οι παράλληλες αναγνώσεις και οι επαναλήψεις αποτελούν νέες προοπτικές που διέπουν την έκδοση 2024 των Rencontres d’Arles. Φωτογράφοι, καλλιτέχνες και επιμελητές αποκαλύπτουν τα οράματά τους και τις ιστορίες τους, όχι λιγότερο από εκείνη της ανθρωπιάς μας, που από τη μια ματαιώνεται, βρίσκεται σε ατέρμονο επαναπροσδιορισμό, είναι ανθεκτική, αλλά και οραματική. Είτε στο περιθώριο είτε εδραιωμένες στο κέντρο, οι αφηγήσεις οδηγούν σε αποκλίνουσες, πολλαπλές διαδρομές, όλες εκπορευόμενες από τα ρήγματα μιας πορώδους επιφάνειας: διαπλέκονται, επικάθονται και επικαλύπτονται. Είναι μια συναρπαστική εποχή, καθώς αυτό το σύνολο ανοίγει μια πλειάδα διαδρομών για να ακολουθήσει κανείς. Οι εκθέσεις περιλαμβάνουν έργα των: François Bellabas » Sophie Calle » Debi Cornwall » Cristina De Middel » Stephen Dock » Nicolas Floc’h » Cemil Batur Gökçeer » Miyako Ishiuchi » Coline Jourdan » Rinko Kawauchi » Lahem » Marine Lanier » Mary Ellen Mark » Tshepiso Mazibuko » Michel Medinger » Randa Mirza » Matan Mittwoch » Laurent Montaron » Marilou Poncin » Nanténé Traoré » Kusukazu Uraguchi » Rajesh Vora » Nhu Xuan Hua » MO Yi » Vasantha Yogananthan » Δείτε το φετινό πρόγραμμα εδώ! Les Rencontres de la Photographie 2024 34, rue du Docteur Fanton 13200 Arles, France Festival: 1 Jul – 29 Sep 2024 see Rencontres d’Arles 2024 programme Share the love


STEPHEN SHORE | ‘Vehicular & Vernacular’

1st June – 15 Sept. 2024 Fondation Henri Cartier-Bresson Paris, France Second Street, Ashland, Wisconsin, July 9, 1973, from Uncommon Places, 1973-1986 © Stephen Shore. Courtesy 303 Gallery, New York and Sprüth Magersy ENG GR Since the 1960’s, mobility has been central to Stephen Shore’s practice. In 1969, while on a trip to Los Angeles with his father, he took photographs from the car window. During the 1970s and 1980s, he went on several road trips across the United States, resulting in his two most famous series: American Surfaces and Uncommon Places. As the new millennium began, he resumed photographing from different means of transportation: from car windows, trains and planes. For his most recent project, which began in 2020, he used a camera-equipped drone to photograph changes in the American landscape. For over half a century, he developed a form of “vehicular photography”. The vernacular has been an ever-present interest in North American photography: the culture of the useful, the local and the popular, so typical of the United States. Shore’s work is permeated by multiple aesthetic and cultural issues. The vernacular is one of them. Shore’s mobility allows him to multiply perspectives and encounters with this “Americanness”. In the works selected for this exhibition, the vehicular is, in fact, placed at the service of the vernacular. Exhibition curator Clément Chéroux Director, Fondation Henri Cartier-Bresson Exhibition With over a hundred images shot between 1969 and 2021 across the United States, Vehicular & Vernacular is the first retrospective of Stephen Shore’s work in Paris in nineteen years. On view at the Fondation Henri Cartier-Bresson until September 15, the exhibition shows the photographer’s renowned series — Uncommon Places and American Surfaces — alongside lesser-known projects never shown in France. A fragment of the Signs of Life exhibition in which Shore participated in 1976 is exceptionally recreated for the occasion. Finally, the photographer’s most recent series, shot using drones, is exhibited for the first time in Europe. Biography Born in New York in 1947, Stephen Shore began photographing at the age of nine. At the age of fourteen, Edward Steichen bought him three photographs for the MoMA collections. In 1971, he became the first living photographer to have his work exhibited at the Metropolitan Museum. Shore was one of eight photographers included in the legendary 1975 New Topographics exhibition at Rochester’s George Eastman House, which redefined the American approach to landscape. He is part of the generation that led to the recognition of color photography as an art form. Rich, diverse and complex, his work transforms everyday scenes into opportunities for meditation. Από τη δεκαετία του 1960, η κινητικότητα αποτελεί κεντρικό στοιχείο της πρακτικής του Stephen Shore. Το 1969, σε ένα ταξίδι στο Λος Άντζελες με τον πατέρα του, τράβηξε φωτογραφίες από το παράθυρο του αυτοκινήτου. Κατά τη διάρκεια των δεκαετιών του 1970 και 1980, πραγματοποίησε πολλά οδικά ταξίδια στις Ηνωμένες Πολιτείες, με αποτέλεσμα να δημιουργήσει τις δύο πιο διάσημες σειρές του: American Surfaces και Uncommon Places. Με την έναρξη της νέας χιλιετίας, συνέχισε να φωτογραφίζει από διαφορετικά μέσα μεταφοράς: από τα παράθυρα αυτοκινήτων, τρένων και αεροπλάνων. Για το πιο πρόσφατο πρότζεκτ του, το οποίο ξεκίνησε το 2020, χρησιμοποίησε ένα drone εξοπλισμένο με κάμερα για να φωτογραφίσει τις αλλαγές στο αμερικανικό τοπίο. Για περισσότερο από μισό αιώνα, ανέπτυξε μια μορφή «οχηματικής φωτογραφίας». Η λαϊκή γλώσσα ήταν πάντα παρούσα στο ενδιαφέρον της βορειοαμερικανικής φωτογραφίας: η κουλτούρα του χρήσιμου, του τοπικού και του λαϊκού, που είναι τόσο χαρακτηριστική για τις ΗΠΑ. Το έργο του Shore διαπνέεται από πολλαπλά αισθητικά και πολιτιστικά ζητήματα. Το κοινότυπο είναι ένα από αυτά. Η μετακίνηση του Shore του επιτρέπει να πολλαπλασιάζει τις προοπτικές και τις συναντήσεις με αυτή την «αμερικανικότητα». Στα έργα που επιλέχθηκαν για την παρούσα έκθεση, το όχημα τίθεται, στην πραγματικότητα, στην υπηρεσία της κοινοτοπίας. Επιμέλεια έκθεσης Clément Chéroux Director, Fondation Henri Cartier-Bresson Η έκθεση Με περισσότερες από εκατό εικόνες που τραβήχτηκαν μεταξύ 1969 και 2021 σε όλες τις Ηνωμένες Πολιτείες, το Vehicular & Vernacular είναι η πρώτη αναδρομική έκθεση του έργου του Stephen Shore στο Παρίσι εδώ και δεκαεννέα χρόνια. Η έκθεση θα φιλοξενείται στο Fondation Henri Cartier-Bresson έως τις 15 Σεπτεμβρίου, παρουσιάζει τις διάσημες σειρές του φωτογράφου – Uncommon Places και American Surfaces – μαζί με λιγότερο γνωστά έργα που δεν έχουν παρουσιαστεί ποτέ στη Γαλλία. Ένα απόσπασμα της έκθεσης Signs of Life στην οποία συμμετείχε ο Shore το 1976 αναδημιουργείται κατ’ εξαίρεση για την περίσταση. Τέλος, η πιο πρόσφατη σειρά του φωτογράφου, η οποία τραβήχτηκε με τη χρήση drones, εκτίθεται για πρώτη φορά στην Ευρώπη. Βιογραφικό Γεννημένος στη Νέα Υόρκη το 1947, ο Stephen Shore άρχισε να φωτογραφίζει σε ηλικία εννέα ετών. Σε ηλικία δεκατεσσάρων ετών, ο Edward Steichen του αγόρασε τρεις φωτογραφίες για τις συλλογές του MoMA. Το 1971, έγινε ο πρώτος εν ζωή φωτογράφος που το έργο του εκτέθηκε στο Μητροπολιτικό Μουσείο. Ο Shore ήταν ένας από τους οκτώ φωτογράφους που συμπεριλήφθηκαν στη θρυλική έκθεση New Topographics του 1975 στο George Eastman House στο Rochester, η οποία επαναπροσδιόρισε την αμερικανική προσέγγιση του τοπίου. Είναι μέλος της γενιάς που οδήγησε στην αναγνώριση της έγχρωμης φωτογραφίας ως μορφή τέχνης. Πλούσιο, ποικιλόμορφο και σύνθετο, το έργο του μετατρέπει τις καθημερινές σκηνές σε ευκαιρίες για στοχασμό. Some works Stephen Shore “Vehicular & Vernacular” © Stephen Shore Fondation Henri Cartier-Bresson 79 rue des Archives 75003 Paris 1 June – 15 Sept. 2024 Admission: Full rate: €10 – Concessions: €6 visit Fondation Henri Cartier-Bresson Share the love

STEPHEN SHORE | ‘Vehicular & Vernacular’ Read More »


9-12 NOV 2023 Paris, France GRAND PALAIS ÉPHÉMÈRE ENG GR The next edition of Paris Photo will be held November 9 through 12, 2023 at the Grand Palais Éphémère, designed by the architects Wilmotte & Associés. Situated on the Champ-de-Mars, facing the Eiffel Tour, the temporary space will bring together leading galleries and art book dealers, for it’s long-awaited 24th edition, which will present the best of photographic creation from vintage and modern masters to the latest contemporary trends alongside an ambitious programme of exhibitions, conversations, artist signatures sessions and curated fair paths. The Grand Palais Éphémère, a 10,000m2 temporary building designed by architect Jean-Michel Wilmotte, is located on the Champ-de-Mars since the beginning of 2021 until the end of the Paris 2024 Olympic and Paralympic Games. Intended to host during the renovation of the Grand Palais the art, fashion and sports events usually organised in the Nave, it will also host cultural events initiated by the Réunion des musées nationaux – Grand Palais. Paris Photo will return to the Grand Palais in 2024. See this year’s program here! Η επόμενη διοργάνωση του Paris Photo θα πραγματοποιηθεί από τις 9 έως τις 12 Νοεμβρίου 2023 στο Grand Palais Éphémère, το οποίο σχεδιάστηκε από τους αρχιτέκτονες Wilmotte & Associés. Τοποθετημένο στο Champ-de-Mars, απέναντι από τον Πύργο του Άιφελ, ο προσωρινός χώρος θα συγκεντρώσει κορυφαίες γκαλερί και εμπόρους βιβλίων τέχνης, για την πολυαναμενόμενη 24η έκδοσή του, η οποία θα παρουσιάσει τα καλύτερα της φωτογραφικής δημιουργίας από τους vintage και σύγχρονους δασκάλους μέχρι τις τελευταίες σύγχρονες τάσεις, παράλληλα με ένα φιλόδοξο πρόγραμμα εκθέσεων, συζητήσεων, συνεδριών υπογραφής καλλιτεχνών και επιμελημένων διαδρομών της έκθεσης. Το Grand Palais Éphémère, ένα προσωρινό κτίριο 10.000 τ.μ., σχεδιασμένο από τον αρχιτέκτονα Jean-Michel Wilmotte, βρίσκεται στο Champ-de-Mars από τις αρχές του 2021 έως το τέλος των Ολυμπιακών και Παραολυμπιακών Αγώνων του Παρισιού 2024. Προοριζόμενο να φιλοξενεί κατά τη διάρκεια της ανακαίνισης του Grand Palais τις εκδηλώσεις τέχνης, μόδας και αθλητισμού που διοργανώνονται συνήθως στο Nave, θα φιλοξενεί επίσης πολιτιστικές εκδηλώσεις που διοργανώνονται με πρωτοβουλία του Réunion des musées nationaux – Grand Palais. Το Paris Photo θα επιστρέψει στο Grand Palais το 2024. Δείτε το φετινό πρόγραμμα εδώ! Paris Photo 2023 Grand Palais Ephémère, Paris 9 – 12 November 2023 see paris photo 2023 programme Share the love      


HARRY GRUYAERT | La part des choses

Harry Gruyaert photo

15 Jun – 24 Sep 2023 LE BAL Paris, France Bruxelles, Gare de Bruxelles-Midi, 1981 © Harry Gruyaert / Magnum Photos ENG GR From June 15 to September 24, LE BAL presents the work of the Belgian photographer Harry Gruyaert through a wide selection of vintage cibachrome prints, drawing an unprecedented path in the work of this leading figure of contemporary photography. Born in Antwerp in 1941, the photographer Harry Gruyaert is one of the pioneers of colour photography, like the great Americans he discovered and fell in love with at an early age: Joel Meyerowitz, William Eggleston, and Stephen Shore. Far from the nar­row confines of his native Belgium, New York in the early 1970s exposed him to pop art and taught him ”to cast a different eye on the ordinary, to accept a form of ugli­ness in the world and to do something with that!” His friendships with the avant-garde (Gordon Matta-Clark, Richard Nanas) reinforced what Antonioni’s Red Desert –”seen a thousand times’‘- had already instilled in him: the need to explore the world, to throw himself into it headlong, not in order to describe it or to inform us about it, but rather to shape it, to model it. To render his perception of things instead of the things them­selves. To become a seer, not a witness. Harry Gruyaert describes this physical struggle, this hand-to-hand combat with things and beings: ”I throw myself into things to experience this mystery, this alchemy: things attract me and I attract things”. In the flow of life, when everything escapes our grasp, and for ”everything to fall into place”, one must be bath present and absent, forgetting oneself in order to seize the matter, the texture, everything that makes up the here and now; while cultivating a sense of prescience, surrendering to an instinctive arrange­ment of forms, colours, symbols, light, and motifs. In Correspondance New Yorkaise Alain Bergala distinguishes between two types of photographers: those who believe in reality and make photography an art of presence, and those who experience reality as impossible and only capture absence. According to this reading, Harry Gruyaert would be an anomaly, a photographer whose visceral pres­ence in the world above all aims to capture its fleeting, intangible character. lsolated trajectories, disjointed spaces, bodies in the margins-the patterns in his images contributes to rendering the absurdity of the world, the surreal collage of life and its individual fragments. What if photography could be about communing with a state of solitude and telling a lie that is truer than truth itself. – Diane Dufour The exhibition gathers for the first time 80 vintage prints made between 1974 and 1996 using the cibachrome process characterized by the sharpness of the image, the intensity of colours and the saturation of the surface. lnvented by Bela Gaspar, a Hungarian chemist, in 1933 and first trade­marked in 1963, it is used to obtain a print from a slide (a positive-to-positive process) by destroying the dyes incorporated in the exposed and developed paper1s emulsion. These rare prints have been brought together exceptionally at the BAL thanks to loans from several collectors and from Gallery FIFTY ONE in Antwerp. Από τις 15 Ιουνίου έως τις 24 Σεπτεμβρίου, το LE BAL παρουσιάζει το έργο του Βέλγου φωτογράφου Harry Gruyaert μέσα από μια μεγάλη ποικιλία vintage εκτυπώσεων cibachrome, χαράσσοντας μια πρωτοφανή διαδρομή του έργου αυτής της κορυφαίας φυσιογνωμίας της σύγχρονης φωτογραφίας. Γεννημένος στην Αμβέρσα το 1941, ο Harry Gruyaert είναι ένας από τους πρωτοπόρους της έγχρωμης φωτογραφίας, όπως οι μεγάλοι Αμερικανοί που ανακάλυψε και ερωτεύτηκε σε νεαρή ηλικία: Joel Meyerowitz, William Eggleston και Stephen Shore. Μακριά από τα στενά όρια της πατρίδας του, του Βελγίου, η Νέα Υόρκη στις αρχές της δεκαετίας του 1970 τον εξέθεσε στην ποπ αρτ και του έμαθε «να ρίχνει μια διαφορετική ματιά στο συνηθισμένο, να αποδέχεται μια μορφή ασχήμιας στον κόσμο και να κάνει κάτι με αυτό!» Οι φιλίες του με την πρωτοπορία (Gordon Matta-Clark, Richard Nanas) ενίσχυσαν αυτό που του είχε ήδη ενσταλάξει η Κόκκινη Έρημος του Αντονιόνι – «που είδα χίλιες φορές»: την ανάγκη να εξερευνήσει τον κόσμο, να ριχτεί με τα μούτρα σε αυτόν, όχι για να τον περιγράψει ή να μας ενημερώσει γι’ αυτόν, αλλά για να τον διαμορφώσει. Να αποδώσει την αντίληψή του για τα πράγματα αντί να περιγράφει τα ίδια τα πράγματα. Να γίνει προφήτης, όχι μάρτυρας. Ο Harry Gruyaert περιγράφει αυτόν τον σωματικό αγώνα, αυτή τη μάχη σώμα με σώμα με πράγματα και όντα: «Ορμώ σε πράγματα για να ζήσω αυτό το μυστήριο, αυτή την αλχημεία: τα πράγματα με ελκύουν και τα προσελκύω κι εγώ». Στη ροή της ζωής, όταν όλα ξεφεύγουν από την αντίληψή μας, για να «μπουν όλα στη θέση τους», πρέπει κανείς να είναι παρών και απών, να ξεχνάει τον εαυτό του για να καταλάβει το θέμα, την υφή, όλα όσα συνθέτουν το εδώ και τώρα, ενώ καλλιεργεί παράλληλα μια αίσθηση πρόγνωσης, παραδιδόμενος σε μια ενστικτώδη διάταξη μορφών, χρωμάτων, συμβόλων, φωτός και μοτίβων. Στο Correspondance New Yorkaise, ο Alain Bergala διακρίνει δύο τύπους φωτογράφων: αυτούς που πιστεύουν στην πραγματικότητα και κάνουν τη φωτογραφία τέχνη της παρουσίας και αυτούς που βιώνουν την πραγματικότητα ως αδύνατη και αποτυπώνουν μόνο την απουσία. Σύμφωνα με αυτή την ανάγνωση, ο Harry Gruyaert θα ήταν μια ανωμαλία, ένας φωτογράφος του οποίου η σπλαχνική παρουσία στον κόσμο στοχεύει πάνω από όλα να συλλάβει τον φευγαλέο, άυλο χαρακτήρα του. Οι απομονωμένες τροχιές, οι ασύνδετοι χώροι, τα σώματα στο περιθώριο – τα μοτίβα στις εικόνες του συμβάλλουν στην απόδοση του παραλογισμού του κόσμου, του σουρεαλιστικού κολάζ της ζωής και των επιμέρους θραυσμάτων της. Τι θα γινόταν αν η φωτογραφία θα μπορούσε να έχει να κάνει με την επικοινωνία με μια κατάσταση μοναξιάς και και την αφήγηση ενός ψέματος που είναι πιο αληθινό από την ίδια την αλήθεια. – Diane Dufour Η έκθεση συγκεντρώνει για πρώτη φορά 80 vintage εκτυπώσεις που έγιναν μεταξύ 1974 και 1996 με τη διαδικασία cibachrome που χαρακτηρίζεται από την ευκρίνεια της εικόνας, την ένταση και τον κορεσμό των χρωμάτων. Εφευρέθηκε από τον Bela Gaspar,

HARRY GRUYAERT | La part des choses Read More »

LAURA STEVENS | Tu oublieras aussi

11 May – 30 Jun 2023 Galerie Miranda Paris, France © Laura Stevens, Threshold (2023) – courtesy Galerie Miranda ENG GR Galerie Miranda is delighted to present the second solo exhibition by artist Laura Stevens, entitled Tu oublieras aussi (You will also forget). One of France’s most solicited portrait photographers, in her personal projects Stevens explores a resolutely feminine and contemporary point of view of the private sphere, questioning notions of desire, the passing of time, solitude and loss, the connection between the artist and her subject. For her first exhibition at Galerie Miranda, Corps d’hommes (2020), Stevens presented her perspective on the male nude, photographed in the private space of her Paris apartment bedroom. For this second exhibition, she pursues her questioning of the intimate sphere but this time considers two bodies, lovers, and what binds them, asking herself the question of the memory of desire and how to represent it. Until now, the history of erotic photography has largely been written by and for men (Araki, Newton, Molinier, Mapplethorpe…), for the most part with explicit and performative images within a dominant-dominated framework. Several women photographers have made a mark in this territory but in general with a transgressive or militant posture (Krull, Natalia L, Ionesco, Cahun) that doesn’t fundamentally offer an alternative to the status quo. Fortunately, the list is longer of landmark women artists in other fields of photography – documentary, conceptual and experimental. Confronted by the weight of these historical signatures, Laura Stevens quietly follows her own path, one that is feminine, free and egalitarian. In the tradition of Anglo-Saxon women photographers of the private sphere, such as Jo Ann Callis, Nan Goldin, Lise Sarfati and Mona Kuhn, Laura Stevens proposes a sensual and considered universe in color with compositions whose hushed ambiance betray an emotional and erotic tension. Her cinematographic images express the interstices of desire, unfinished moments. The new exhibition at Galerie Miranda is thus conceived like a series of film stills, fragmented memories of a precise moment, real or dreamed: a place, a gesture, a shaft of light, a movement. Nature is present, reminding us of our infinite smallness. Bodies are shown simply; desire is everywhere yet invisible. As she left Casanova once and for all, Henriette, his great love, scratched on a carriage window with a diamond ring the phrase “Tu oublieras aussi” (You will also forget). Tattooed on the arm of Laura Stevens’ lover, the phrase reminds her of the essential paradox of desire: both written on our skin and destined to be forgotten. Artist biography Laura Stevens (British, b. 1977) is a photographer based in Paris. Stevens’ practice lies at the intersection of the female gaze and the personal. Beginning autobiographically, her reflections are translated through the direct act of looking, using figurative and landscape subjects to create still and moving images imbued with a distinct visual tension. She explores the notion of the private space and the interdependency between emotions and environmental surroundings. The relationship between the artist and subject matter is central to her work, using this connection to create studies on solitude, intimacy, loss and longing. Her work has been shown in museums, galleries and festivals internationally and has received many distinctions including that of finalist of the Prix HSBC pour la Photographie in 2019. Her photographs have been published by the British Journal of Photography, Wired, Variety, The Times Magazine, The Washington Post, Libération and Télérama. She received her BA from the Leeds Metropolitan University and her MA from the University of Brighton. Η Galerie Miranda παρουσιάζει με χαρά τη δεύτερη ατομική έκθεση της καλλιτέχνιδας Laura Stevens, με τίτλο Tu oublieras aussi (Θα ξεχάσεις κι εσύ). Μία από τις πιο περιζήτητες φωτογράφους πορτρέτων της Γαλλίας, στα προσωπικά της έργα, η Stevens διερευνά μια αποφασιστικά θηλυκή και σύγχρονη οπτική της ιδιωτικής σφαίρας, αμφισβητώντας τις έννοιες της επιθυμίας, του περάσματος του χρόνου, της μοναξιάς και της απώλειας, τη σύνδεση της καλλιτέχνιδας με το θέμα της. Στην πρώτη της έκθεση στην Galerie Miranda, Corps d’hommes (2020), η Stevens παρουσίασε την άποψή της για το ανδρικό γυμνό, φωνογραφημένο στον ιδιωτικό χώρο του υπνοδωματίου του διαμερίσματός της στο Παρίσι. Για αυτή τη δεύτερη έκθεση, συνεχίζει την αμφισβήτηση της οικείας σφαίρας, αλλά αυτή τη φορά εξετάζει δύο σώματα, τους εραστές και τι τους δένει, θέτοντας στον εαυτό της το ερώτημα για τη μνήμη της επιθυμίας, και πώς να την αναπαραστήσει. Μέχρι τώρα, η ιστορία της ερωτικής φωτογραφίας γράφτηκε σε μεγάλο βαθμό από και για άνδρες (Araki, Newton, Molinier, Mapplethorpe …), ως επί το πλείστον με σαφείς και παραστατικές εικόνες μέσα σε ένα κυρίαρχο πλαίσιο. Αρκετές γυναίκες φωτογράφοι έχουν αφήσει το στίγμα τους σ’ αυτό το πεδίο, αλλά γενικά με μια παραβατική ή μαχητική στάση (Krull, Natalia L, Ionesco, Cahun), που δεν προσφέρει ουσιαστικά μια εναλλακτική λύση στο status quo. Ευτυχώς, ο κατάλογος είναι μεγαλύτερος με γυναίκες καλλιτέχνες-ορόσημα σε άλλους τομείς της φωτογραφίας – ντοκιμαντέρ, εννοιολογικό και πειραματικό. Αντιμέτωπη με το βάρος αυτών των ιστορικών υπογραφών, η Laura Stevens ακολουθεί αθόρυβα το δικό της μονοπάτι, θηλυκό, ελεύθερο και ισότιμο. Ακολουθώντας την παράδοση των αγγλοσαξόνων γυναικών φωτογράφων της ιδιωτικότητας, όπως η Jo Ann Callis, η Nan Goldin, η Lise Sarfati και η Mona Kuhn, η Laura Stevens προτείνει ένα αισθησιακό και μελετημένο σύμπαν με χρώμα και συνθέσεις των οποίων η σιωπηλή ατμόσφαιρα προδίδει μια συναισθηματική και ερωτική ένταση. Οι κινηματογραφικές εικόνες της εκφράζουν τα διάκενα της επιθυμίας και τις ημιτελείς στιγμές. Η νέα έκθεση της στην Galerie Miranda γίνεται αντιληπτή σαν μια σειρά από κινηματογραφικά στιγμιότυπα, κατακερματισμένες μνήμες μιας συγκεκριμένης στιγμής, πραγματικής ή ονειρικής: ενός τόπου, μιας χειρονομίας, μιας κίνησης. Η φύση είναι παρούσα, υπενθυμίζοντάς μας την άπειρη μικρότητά μας. Τα σώματα εμφανίζονται απλά. Η επιθυμία είναι παντού αλλά αόρατη. Βιογραφικό Η Laura Stevens (Βρετανίδα, γενν. 1977) είναι φωτογράφος με έδρα το Παρίσι. Η πρακτική της Stevens βρίσκεται στη διασταύρωση του γυναικείου βλέμματος και του προσωπικού. Ξεκινώντας αυτοβιογραφικά, οι αντανακλάσεις της μεταφράζονται μέσα από την άμεση πράξη της παρατήρησης, χρησιμοποιώντας θέματα μεταφορικά και θέματα τοπίου για να δημιουργήσουν ακίνητες και κινούμενες εικόνες διαποτισμένες με μια

LAURA STEVENS | Tu oublieras aussi Read More »

BERNARD PLOSSU | The American Years 1966-1985

BERNARD PLOSSU Boxes of photographs

24 March — 28 May 2023 La Fab. Paris, France ENG GR Bernard Plossu : The American Years | Unpublished images 1966-1985 An undisputed figure in contemporary French photography, recently awarded the Florence & Damien Bachelot Collection Print Prize along with printer Guillaume Geneste, Bernard Plossu discovered the United States in 1966, travelling from Mexico where part of his family was based and where he had initiated a few years earlier, in Chiapas, a cinematographic and photographic practice. Bill Coleman, one of his most faithful friends, was to be his guide. 1966 to 1974 were for him years of discovery of American society and of multiple encounters, in particular with the protagonists of the American counter-culture. From 1974 to 1985, he was deeply immersed in the American West. In 1977, he even settled in New Mexico and started a family there, until his irrevocable return to France in 1985. « In photography, you don’t capture time, you evoke it. It flows like fine sand, eternally. And the changing landscapes do not change anything. You don’t take a photograph, you ‘see’ it, and then you share it with others. I practice photography to be on the same level as the world and what is happening. » – Bernard Plossu It is therefore in the face of the immensity and of the diversity of American life, which suddenly offered itself to his European gaze, that his photographic practice was to take on its full scope with its characteristic way of transcribing encounters and feelings. The images of Bernard Plossu’s “American years” are less like the logbook of a stay of almost twenty years in the United States than a true existential experience whose thread stretches like the long roads that cross the various states of the West, playing with borders and on which he plays the tightrope walker between chance and destiny. The different stages were prosperous and the journeys dazzling until an unpredictable and definitive end. “America: Love it or Leaveit”; “So Long”, replied Bernard Plossu, his head full of images and his eyes still sparkling. Since 2007 and the exhibition “So Long, vivre l’Ouest américain 1970/1985” at the Fonds régional d’art contemporain de Haute-Normandie, no other in-depth work had been done on this formative period of his work. Thanks to the miraculous discovery of 6 boxes containing nearly 860 reels and more than 200 prints not yet inventoried, Bernard Plossu has now delved into his entire archive of these “American years”. It is therefore a considerable sum of previously unpublished images that is now available to us. This is a real event both for the knowledge of Bernard Plossu’s photographic work and for our vision of the United States during the decisive decades of its history through the eyes of a “Frenchie”. In an exceptional exhibition, the Galerie du Jour presents some of the unpublished and recently found prints relating to Bernard Plossu’s American sojourns during the years 1974-1985. The images unfold freely on the wall, like road movies without beginning or end, where the American reality merges with its own mythology. This project follows on from the six previous projects on Bernard Plossu’s American period. Curator: Marc Donnadieu Bernard Plossu : The American Years | Unpublished images 1966-1985 Μια αδιαμφισβήτητη φιγούρα της σύγχρονης γαλλικής φωτογραφίας, πρόσφατα βραβευμένος με το βραβείο Florence & Damien Bachelot Collection, ο Bernard Plossu ανακάλυψε τις Ηνωμένες Πολιτείες το 1966, ταξιδεύοντας από το Μεξικό όπου είχε την έδρα του μέρος της οικογένειάς του και όπου είχε ξεκινήσει λίγα χρόνια νωρίτερα, στην Chiapas, μια κινηματογραφική και φωτογραφική πρακτική. Ο Bill Coleman, ένας από τους πιο πιστούς φίλους του, επρόκειτο να είναι ο οδηγός του. Από το 1966 έως το 1974 ήταν γι’ αυτόν περίοδος ανακάλυψης της αμερικανικής κοινωνίας και πολλαπλών συναντήσεων, ιδιαίτερα με τους πρωταγωνιστές της αμερικανικής αντικουλτούρας. Από το 1974 έως το 1985, ήταν βυθισμένος στην αμερικανική Δύση. Μάλιστα, το 1977 εγκαταστάθηκε στο Νέο Μεξικό και δημιούργησε οικογένεια εκεί, μέχρι την οριστική επιστροφή του στη Γαλλία το 1985. «Στη φωτογραφία δεν συλλαμβάνεις τον χρόνο, τον προκαλείς. Ρέει σαν λεπτή άμμος, αιώνια. Και τα μεταβαλλόμενα τοπία δεν αλλάζουν τίποτα. Δεν τραβάς μια φωτογραφία, τη ‘βλέπεις’ και μετά τη μοιράζεσαι με άλλους. Εξασκούμαι στη φωτογραφία για να είμαι στο ίδιο επίπεδο με τον κόσμο και αυτό που συμβαίνει. » – Bernard Plossu Μπροστά λοιπόν στην απεραντοσύνη και την ποικιλομορφία της αμερικανικής ζωής, που ξαφνικά προσφέρθηκε στο ευρωπαϊκό του βλέμμα, η φωτογραφική του πρακτική έμελλε να πάρει όλο της το εύρος με τον χαρακτηριστικό τρόπο μεταγραφής συναντήσεων και συναισθημάτων. Οι εικόνες των «αμερικανικών χρόνων» του Bernard Plossu μοιάζουν λιγότερο με το ημερολόγιο μιας σχεδόν εικοσαετούς παραμονής στις Ηνωμένες Πολιτείες και περισσότερο με μια πραγματική υπαρξιακή εμπειρία της οποίας το νήμα απλώνεται σαν τους μεγάλους δρόμους που διασχίζουν τις διάφορες πολιτείες της Δύσης, παίζοντας με τα σύνορα και στους οποίους παίζει τον σχοινοβάτη μεταξύ τύχης και πεπρωμένου. Τα διάφορα στάδια ήταν αποδοτικά και τα ταξίδια εκθαμβωτικά μέχρι ένα απρόβλεπτο και οριστικό τέλος. “America: Love it or Leave it” , “So Long”, απάντησε ο Bernard Plossu, με το κεφάλι του γεμάτο εικόνες και τα μάτια του ακόμα να λάμπουν. Από το 2007 και την έκθεση “So Long, vivre l’Ouest américain 1970/1985” στο Fonds régional d’art contemporain de Haute-Normandie, καμία άλλη εις βάθος εργασία δεν είχε γίνει σε αυτή τη διαμορφωτική περίοδο για το έργο του. Χάρη στη θαυματουργή ανακάλυψη 6 κουτιών που περιείχαν σχεδόν 860 φιλμ και περισσότερες από 200 εκτυπώσεις που δεν έχουν ακόμη απογραφεί, ο Bernard Plossu έχει πλέον εντρυφήσει σε ολόκληρο το αρχείο του αυτών των «αμερικανικών χρόνων». Πρόκειται, συνεπώς, για ένα σημαντικό σύνολο, προηγουμένως αδημοσίευτων εικόνων, που έχουμε τώρα στη διάθεσή μας. Πρόκειται για ένα πραγματικό γεγονός τόσο για τη γνώση του φωτογραφικού έργου του Bernard Plossu, όσο και για το όραμά μας για τις Ηνωμένες Πολιτείες κατά τη διάρκεια των καθοριστικών δεκαετιών της ιστορίας τους μέσα από τα μάτια ενός Γάλλου. Σε μια εξαιρετική έκθεση, η Galerie du Jour παρουσιάζει μερικές από τις αδημοσίευτες και πρόσφατα ευρεθείσες εκτυπώσεις που σχετίζονται με την παραμονή του

BERNARD PLOSSU | The American Years 1966-1985 Read More »


10– 13 November 2022 Paris, FranceGRAND PALAIS ÉPHÉMÈRE eng Paris Photo, the leading international fair dedicated to the photographic medium, returns to the Grand Palais Éphémère in the heart of Paris from November 10 to 13th, 2022. Since 1997, the fair has worked to develop and support photographic creation by promoting the work of gallery owners, publishers and artists. The 25th edition of Paris Photo is organized around 3 sectors bringing together 183 exhibitors from 31 countries. In the main sector gathers 134 galleries from 29 countries, including 18 new galleries compared to 2021. The Curiosa sector, dedicated to emerging art, brings together 16 galleries (including 11 new) from 9 countries under the direction of guest curator Holly Roussell. The book sector gathers 34 publishers (including 4 new) from 9 countries, offering unique editions and avant-premiere book releases with a signature program bringing together the greatest names in photography from all over the world. The Elles x Paris Photo fair path, orchestrated this year by Federica Chiocchetti promotes the visitbility of women artists and their contribution to the history of photography.A program of conversations, exhibitions and prizes is offered to visitors allowing them to develop their knowledge of the medium. gr Το Paris Photo, η κορυφαία διεθνής έκθεση αφιερωμένη στο φωτογραφικό μέσο, ​​επιστρέφει στο Grand Palais Éphémère στην καρδιά του Παρισιού από τις 10 έως τις 13 Νοεμβρίου 2022. Από το 1997, η έκθεση εργάζεται για την ανάπτυξη και υποστήριξη της φωτογραφικής δημιουργίας προωθώντας το έργο του ιδιοκτήτες γκαλερί, εκδότες και καλλιτέχνες. Η 25η έκδοση του Paris Photo οργανώνεται γύρω από 3 τομείς και συγκεντρώνει 183 εκθέτες από 31 χώρες. Στον κύριο τομέα συγκεντρώνονται 134 γκαλερί από 29 χώρες, συμπεριλαμβανομένων 18 νέων γκαλερί σε σύγκριση με το 2021. Ο τομέας Curiosa, αφιερωμένος στην αναδυόμενη τέχνη, συγκεντρώνει 16 γκαλερί (συμπεριλαμβανομένων 11 νέων) από 9 χώρες υπό τη διεύθυνση της προσκεκλημένης επιμελήτριας Holly Roussell. Ο τομέας του βιβλίου συγκεντρώνει 34 εκδότες (συμπεριλαμβανομένων 4 νέων) από 9 χώρες, προσφέροντας μοναδικές εκδόσεις και πρωτοποριακές εκδόσεις βιβλίων με ένα πρόγραμμα υπογραφής που συγκεντρώνει τα μεγαλύτερα ονόματα της φωτογραφίας από όλο τον κόσμο. Ο διάδρομος Elles x Paris Photo fair, που οργανώθηκε φέτος από τη Federica Chiocchetti, προωθεί την επισκεψιμότητα των γυναικών καλλιτεχνών και τη συμβολή τους στην ιστορία της φωτογραφίας.Ένα πρόγραμμα συνομιλιών, εκθέσεων και βραβείων προσφέρεται στους επισκέπτες που τους επιτρέπουν να αναπτύξουν τις γνώσεις τους για το μέσο. Paris Photo 2022 Grand Palais Ephémère, Paris10 – 13 November 2022 see paris photo 2022 programme

PARIS PHOTO 2022 | 25TH EDITION Read More »