LIGHTREADINGS MAG LOGO

Photographer

STEPHEN SHORE | ‘Vehicular & Vernacular’

1st June – 15 Sept. 2024 Fondation Henri Cartier-Bresson Paris, France Second Street, Ashland, Wisconsin, July 9, 1973, from Uncommon Places, 1973-1986 © Stephen Shore. Courtesy 303 Gallery, New York and Sprüth Magersy ENG GR Since the 1960’s, mobility has been central to Stephen Shore’s practice. In 1969, while on a trip to Los Angeles with his father, he took photographs from the car window. During the 1970s and 1980s, he went on several road trips across the United States, resulting in his two most famous series: American Surfaces and Uncommon Places. As the new millennium began, he resumed photographing from different means of transportation: from car windows, trains and planes. For his most recent project, which began in 2020, he used a camera-equipped drone to photograph changes in the American landscape. For over half a century, he developed a form of “vehicular photography”. The vernacular has been an ever-present interest in North American photography: the culture of the useful, the local and the popular, so typical of the United States. Shore’s work is permeated by multiple aesthetic and cultural issues. The vernacular is one of them. Shore’s mobility allows him to multiply perspectives and encounters with this “Americanness”. In the works selected for this exhibition, the vehicular is, in fact, placed at the service of the vernacular. Exhibition curator Clément Chéroux Director, Fondation Henri Cartier-Bresson Exhibition With over a hundred images shot between 1969 and 2021 across the United States, Vehicular & Vernacular is the first retrospective of Stephen Shore’s work in Paris in nineteen years. On view at the Fondation Henri Cartier-Bresson until September 15, the exhibition shows the photographer’s renowned series — Uncommon Places and American Surfaces — alongside lesser-known projects never shown in France. A fragment of the Signs of Life exhibition in which Shore participated in 1976 is exceptionally recreated for the occasion. Finally, the photographer’s most recent series, shot using drones, is exhibited for the first time in Europe. Biography Born in New York in 1947, Stephen Shore began photographing at the age of nine. At the age of fourteen, Edward Steichen bought him three photographs for the MoMA collections. In 1971, he became the first living photographer to have his work exhibited at the Metropolitan Museum. Shore was one of eight photographers included in the legendary 1975 New Topographics exhibition at Rochester’s George Eastman House, which redefined the American approach to landscape. He is part of the generation that led to the recognition of color photography as an art form. Rich, diverse and complex, his work transforms everyday scenes into opportunities for meditation. Από τη δεκαετία του 1960, η κινητικότητα αποτελεί κεντρικό στοιχείο της πρακτικής του Stephen Shore. Το 1969, σε ένα ταξίδι στο Λος Άντζελες με τον πατέρα του, τράβηξε φωτογραφίες από το παράθυρο του αυτοκινήτου. Κατά τη διάρκεια των δεκαετιών του 1970 και 1980, πραγματοποίησε πολλά οδικά ταξίδια στις Ηνωμένες Πολιτείες, με αποτέλεσμα να δημιουργήσει τις δύο πιο διάσημες σειρές του: American Surfaces και Uncommon Places. Με την έναρξη της νέας χιλιετίας, συνέχισε να φωτογραφίζει από διαφορετικά μέσα μεταφοράς: από τα παράθυρα αυτοκινήτων, τρένων και αεροπλάνων. Για το πιο πρόσφατο πρότζεκτ του, το οποίο ξεκίνησε το 2020, χρησιμοποίησε ένα drone εξοπλισμένο με κάμερα για να φωτογραφίσει τις αλλαγές στο αμερικανικό τοπίο. Για περισσότερο από μισό αιώνα, ανέπτυξε μια μορφή «οχηματικής φωτογραφίας». Η λαϊκή γλώσσα ήταν πάντα παρούσα στο ενδιαφέρον της βορειοαμερικανικής φωτογραφίας: η κουλτούρα του χρήσιμου, του τοπικού και του λαϊκού, που είναι τόσο χαρακτηριστική για τις ΗΠΑ. Το έργο του Shore διαπνέεται από πολλαπλά αισθητικά και πολιτιστικά ζητήματα. Το κοινότυπο είναι ένα από αυτά. Η μετακίνηση του Shore του επιτρέπει να πολλαπλασιάζει τις προοπτικές και τις συναντήσεις με αυτή την «αμερικανικότητα». Στα έργα που επιλέχθηκαν για την παρούσα έκθεση, το όχημα τίθεται, στην πραγματικότητα, στην υπηρεσία της κοινοτοπίας. Επιμέλεια έκθεσης Clément Chéroux Director, Fondation Henri Cartier-Bresson Η έκθεση Με περισσότερες από εκατό εικόνες που τραβήχτηκαν μεταξύ 1969 και 2021 σε όλες τις Ηνωμένες Πολιτείες, το Vehicular & Vernacular είναι η πρώτη αναδρομική έκθεση του έργου του Stephen Shore στο Παρίσι εδώ και δεκαεννέα χρόνια. Η έκθεση θα φιλοξενείται στο Fondation Henri Cartier-Bresson έως τις 15 Σεπτεμβρίου, παρουσιάζει τις διάσημες σειρές του φωτογράφου – Uncommon Places και American Surfaces – μαζί με λιγότερο γνωστά έργα που δεν έχουν παρουσιαστεί ποτέ στη Γαλλία. Ένα απόσπασμα της έκθεσης Signs of Life στην οποία συμμετείχε ο Shore το 1976 αναδημιουργείται κατ’ εξαίρεση για την περίσταση. Τέλος, η πιο πρόσφατη σειρά του φωτογράφου, η οποία τραβήχτηκε με τη χρήση drones, εκτίθεται για πρώτη φορά στην Ευρώπη. Βιογραφικό Γεννημένος στη Νέα Υόρκη το 1947, ο Stephen Shore άρχισε να φωτογραφίζει σε ηλικία εννέα ετών. Σε ηλικία δεκατεσσάρων ετών, ο Edward Steichen του αγόρασε τρεις φωτογραφίες για τις συλλογές του MoMA. Το 1971, έγινε ο πρώτος εν ζωή φωτογράφος που το έργο του εκτέθηκε στο Μητροπολιτικό Μουσείο. Ο Shore ήταν ένας από τους οκτώ φωτογράφους που συμπεριλήφθηκαν στη θρυλική έκθεση New Topographics του 1975 στο George Eastman House στο Rochester, η οποία επαναπροσδιόρισε την αμερικανική προσέγγιση του τοπίου. Είναι μέλος της γενιάς που οδήγησε στην αναγνώριση της έγχρωμης φωτογραφίας ως μορφή τέχνης. Πλούσιο, ποικιλόμορφο και σύνθετο, το έργο του μετατρέπει τις καθημερινές σκηνές σε ευκαιρίες για στοχασμό. Some works Stephen Shore “Vehicular & Vernacular” © Stephen Shore Fondation Henri Cartier-Bresson 79 rue des Archives 75003 Paris 1 June – 15 Sept. 2024 Admission: Full rate: €10 – Concessions: €6 visit Fondation Henri Cartier-Bresson Share the love

STEPHEN SHORE | ‘Vehicular & Vernacular’ Read More »

José Medeiros • Crônicas Brasileiras

Lightreadings featured photographer Jose Medeiros

José Medeiros Crônicas Brasileiras ENG GR José Medeiros was a Brazilian reporter-photographer and director of photography, born in 1921 in Teresina, in the Sertão of Northeastern Brazil. His father taught him photography techniques when he was only 12. At the age of 18, he moved to Rio to study architecture but followed his passion and began working with reviews, taking photos of celebrities. After the war, the French photographer Jean Manzon invited him to join the new review O Cruzeiro. It is the beginning of a new adventure full of liberty and boldness, in his own words. O Cruzeiro helped Brazil to understand its diversity, even if it also served the interests of Getulio Vargas, his authoritarian regime and the construction of national identity. Throughout his career, and especially after the Second World War, José Medeiros (1921-1990), documented the lives of the lowest rungs of Brazilian society. His photographs depict places and groups of people that were largely inaccessible at the time, such as the Indians photographed during an expedition to villages in the north and northeast of the country. It was during this controversial period that Medeiros filed his legendary report on the initiation ceremony of the Afro-Brazilian religion Candomblé, published in the magazine O Cruzeiro. At the same time and for the same magazine, Medeiros photographed the glamorous side of Rio in the 1940s and 50s. His cityscapes, beaches, palaces, parties, celebrities and bossa nova capture the city’s golden age of parties. Other photographs, more nostalgic, are echoes of an older iconography related to the discovery and construction of the country. Through José Medeiros’ lens, Rio de Janeiro becomes a historical and geographic doorway between two worlds: the landscape seems to turn its back on the country as it reaches for modernity, but it cannot escape its colonial roots. Medeiros’ photographs celebrate a country in the throes of transformation. Medeiros passed away in 1990. In 2005, the 20,000 negatives and prints of José Medeiros were added to the iconographical resources of the Instituto Moreira Salles (IMS). Ο José Medeiros γεννήθηκε το 1921 στην Teresina, στο Sertão της βορειοανατολικής Βραζιλίας. Διδάχτηκε την τεχνική της φωτογραφίας από τον πατέρα του όταν ήταν μόλις 12ετών. Στην ηλικία των 18 ετών μετακόμισε στο Ρίο για να σπουδάσει αρχιτεκτονική, αλλά ακολούθησε το πάθος του και άρχισε να δουλεύει με περιοδικά, φωτογραφίζοντας διασημότητες. Μετά τον πόλεμο, ο γάλλος φωτογράφος Jean Manzon τον κάλεσε να συμμετάσχει στο νέο περιοδικό O Cruzeiro. Είναι η αρχή μιας νέας περιπέτειας γεμάτης ελευθερία και τόλμη, σύμφωνα με δικά του λόγια. Το O Cruzeiro βοήθησε τη Βραζιλία να κατανοήσει την ποικιλομορφία της, ακόμα και αν εξυπηρετούσε και τα συμφέροντα του Getulio Vargas, το αυταρχικό του καθεστώς και την οικοδόμηση εθνικής ταυτότητας. Καθ ‘όλη τη διάρκεια της καριέρας του και ιδιαίτερα μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο José Medeiros κατέγραψε τη ζωή των κατώτερων στρωμάτων της βραζιλιάνικης κοινωνίας. Οι φωτογραφίες του αυτής της εποχής, απεικονίζουν τόπους και ομάδες ανθρώπων που ήταν κατά το παρελθόν δυσπρόσιτες, όπως οι Ινδιανοί που φωτογραφήθηκαν κατά τη διάρκεια μιας αποστολής σε χωριά της βόρειας και βορειοανατολικής χώρας. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της αμφιλεγόμενης περιόδου που ο Medeiros κατέθεσε τη θρυλική του έκθεση για την τελετή έναρξης της Αφρο-Βραζιλιανής θρησκείας Candomblé, που δημοσιεύθηκε στο περιοδικό O Cruzeiro. Την ίδια περίοδο, και για το ίδιο περιοδικό, ο Μedeiros φωτογραφίζει την λαμπερή πλευρά του Ρίο των δεκαετίών του ’40 και του ’50. Τα αστικά τοπία, οι παραλίες, τα παλάτια, τα πάρτι, οι διασημότητες και η bossa nova σκιαγραφούν τη χρυσή εποχή των πάρτι. Ενώ, άλλες φωτογραφίες, πιο νοσταλγικές, είναι η ηχώ μιας παλαιότερης εικονογραφίας που σχετίζεται με την ανακάλυψη και την κατασκευή της χώρας. Μέσα από τον φακό του José Medeiros, το Ρίο ντε Τζανέιρο γίνεται ένα ιστορικό και γεωγραφικό πέρασμα ανάμεσα σε δύο κόσμους: το τοπίο φαίνεται να στρέφει την πλάτη του στη χώρα καθώς αυτή εκμοντερνίζεται, αλλά δεν μπορεί να ξεφύγει από τις αποικιακές ρίζες της. Οι φωτογραφίες του Medeiros εξυμνούν μια χώρα στα πρόθυρα της μεταμόρφωσης. Ο José Medeiros πέθανε το 1990. Το 2005, 20.000 αρνητικά και εκτυπώσεις του προστέθηκαν στο αρχείο του Instituto Moreira Salles (IMS). Crônicas Brasileiras (Brazilian Chronicles)

José Medeiros • Crônicas Brasileiras Read More »

CLOSE ENOUGH | New Perspectives from 13 Women Photographers of Magnum.

24 Apr – 21 Jul 2024 KunstfoyerMünchen, Germany Mara, Almeria, Spain, 2022 – from the series “Agony in the Garden” © Lua Ribeira/Magnum Photos ENG GR “If your pictures aren’t good enough, you’re not close enough.” Robert Capa Close Enough explores the practices of thirteen emerging and established women photographers and the relationality they create within global situations, local communities, and interactions with individual subjects. Each contributing photographer openly narrates their creative journey, ranging from reflections upon long-term personal projects to work in progress and new pivots in their image-making practices. They give highly personal accounts of their visual vantage points and create a constellation of photographic relativity in this exhibition. Set in the context of the seventy-fifth anniversary of the founding of the Magnum agency (1947), Close Enough focuses on women photographers whose distinct visions are currently shaping photographic perspectives within Magnum. Together, they move and challenge the photography collective’s boundaries, deepening Magnum’s anchoring of the photographic quest to take account of human experience and survival. In uniquely personal ways, the contributing photographers negotiate gaining access, holding their bearings, and moving deeper in relation to human subjects and experiences—the challenge to photographers to get “close enough” called forth by the cofounder of Magnum, Robert Capa. With determination, urgency, and resourcefulness, each photographer takes account of their practice, inviting us to get close enough. Charlotte Cotton, Curator of the inaugural Close Enough exhibition, International Center of Photography, New York, 2022 The Photographers Alessandra SanguinettiMyriam BoulosSabiha ÇimenOlivia ArthurNanna HeitmannLúa RibeiraCarolyn DrakeBieke DepoorterHannah PriceCristina García RoderoCristina de MiddelNewsha TavakolianSusan Meiselas «Αν οι φωτογραφίες σας δεν είναι καλές, δεν είστε αρκετά κοντά». Robert Capa Το Close Enough διερευνά τις πρακτικές δεκατριών ανερχόμενων και καταξιωμένων γυναικών φωτογράφων και τη συνάφεια που δημιουργούν στα πλαίσια παγκόσμιων καταστάσεων, τοπικών κοινοτήτων και αλληλεπιδράσεων με μεμονωμένα θέματα. Κάθε συμμετέχουσα φωτογράφος αφηγείται ανοιχτά το δημιουργικό της ταξίδι, που κυμαίνεται από προβληματισμούς σχετικά με μακροπρόθεσμα προσωπικά έργα μέχρι έργα σε εξέλιξη και νέες στροφές στις πρακτικές τους για τη δημιουργία εικόνων. Παρουσιάζουν άκρως προσωπικές αφηγήσεις για τα οπτικά τους σημεία και δημιουργούν έναν αστερισμό φωτογραφικής σχετικότητας σε αυτή την έκθεση. Στο πλαίσιο της εβδομηκοστής πέμπτης επετείου από την ίδρυση του πρακτορείου Magnum (1947), η έκθεση Close Enough εστιάζει σε γυναίκες φωτογράφους των οποίων τα ξεχωριστά οράματα διαμορφώνουν σήμερα τις φωτογραφικές προοπτικές εντός του Magnum. Μαζί, μετακινούν και προκαλούν τα όρια της φωτογραφικής συλλογικότητας, εμβαθύνοντας στην εδραίωση της φωτογραφικής αναζήτησης του Magnum σχετικά με την ανθρώπινη εμπειρία και επιβίωση. Με μοναδικά προσωπικούς τρόπους, οι συμμετέχουσες φωτογράφοι διαπραγματεύονται την απόκτηση πρόσβασης, τη διατήρηση του προσανατολισμού τους και την εμβάθυνση σε σχέση με τα ανθρώπινα θέματα και τις εμπειρίες – την πρόκληση προς τους φωτογράφους να πλησιάσουν «αρκετά», την οποία ζήτησε ο συνιδρυτής του Magnum, Robert Capa. Με αποφασιστικότητα, επιτακτικότητα και επινοητικότητα, κάθε φωτογράφος κάνει απολογισμό της πρακτικής της, καλώντας μας να πλησιάσουμε αρκετά. Charlotte Cotton, επιμελήτρια της εναρκτήριας έκθεσης Close Enough, Διεθνές Κέντρο Φωτογραφίας, Νέα Υόρκη, 2022 Οι Φωτογράφοι Alessandra SanguinettiMyriam BoulosSabiha ÇimenOlivia ArthurNanna HeitmannLúa RibeiraCarolyn DrakeBieke DepoorterHannah PriceCristina García RoderoCristina de MiddelNewsha TavakolianSusan Meiselas Some works KunstfoyerMaximilianstr. 5380530 München, Germany24 Apr – 21 Jul 2024 visit Kunstfoyer Share the love

CLOSE ENOUGH | New Perspectives from 13 Women Photographers of Magnum. Read More »

ANNA GUSEVA | “Let The Wolf Howl In The Night”

Lightreadings mag Anna Guseva photo

ENG GR I moved from Russia to a French village founded more than 1600 years ago. Its inhabitants form a tight-knit, close community. They call themselves “wolves” — this is how the name of the river on which the village stands, is translated from French. Wolves live in packs. A pack is a solid social unit. It features internal cohesion, social order, and hierarchy. A wolf protects the area from uninvited guests. This uninvited guest is me. What should I do to integrate into local culture? My project reflects my attempts to become a genuine part of the new place. Μετακόμισα από τη Ρωσία σε ένα γαλλικό χωριό που δημιουργήθηκε πριν από 1600 χρόνια. Οι κάτοικοί του αποτελούν μια στενή, δεμένη κοινότητα. Αυτοαποκαλούνται «λύκοι» – έτσι μεταφράζεται από τα γαλλικά το όνομα του ποταμού στον οποίο βρίσκεται το χωριό. Οι λύκοι ζουν σε αγέλες. Η αγέλη είναι μια σταθερή κοινωνική μονάδα. Διαθέτει εσωτερική συνοχή, κοινωνική τάξη και ιεραρχία. Ένας λύκος προστατεύει την περιοχή από απρόσκλητους επισκέπτες. Αυτός ο απρόσκλητος επισκέπτης είμαι εγώ. Τι πρέπει να κάνω για να ενσωματωθώ στην τοπική κουλτούρα; Το έργο μου αντανακλά τις προσπάθειές μου να γίνω γνήσιο μέρος του νέου τόπου. Anna Guseva Anna Guseva (b. 1994) is a visual artist from St. Petersburg, living in France since 2018. Currently she is studying at the Academy of Documentary and Art Photography “Fotografika”. In her artistic practice, Anna uses such mediums as photography, video and performance. Her area of interest revolves around the topics of spiritual search, existential self-determination, perception and comprehension of death, sacred thinking. Η Anna Guseva (1994) είναι καλλιτέχνις, γεννημένη στην Αγία Πετρούπολη και ζει στη Γαλλία από το 2018. Σπουδάζει στην Ακαδημία Φωτογραφίας Ντοκουμέντου και Τέχνης «Fotografika». Στην καλλιτεχνική της πρακτική, η Άννα χρησιμοποιεί μέσα όπως η φωτογραφία, το βίντεο και η περφόρμανς. Το πεδίο ενδιαφέροντός της περιστρέφεται γύρω από τα θέματα της πνευματικής αναζήτησης, του υπαρξιακού αυτοπροσδιορισμού, της αντίληψης και κατανόησης του θανάτου, της σκέψης περί ιερού. www.anna-guseva.com 

ANNA GUSEVA | “Let The Wolf Howl In The Night” Read More »

MARY ELLEN MARK | ‘Encounters’

16 Sept. 2023 – 18 Jan. 2024 C|O Berlin Berlin, Germany Kissing in a bar, New York, 1977 © Mary Ellen Mark, Courtesy of The Mary Ellen Mark Foundation and Howard Greenberg Gallery ENG GR Mary Ellen Mark (1940-2015) explored social belonging, otherness, and diverse lives in her photography. Whether in portraits or reportages, in the USA, in Mexico or in India. The everyday lives of people on the margins of society, remarkable personalities, social challenges and moments of hope make her work sensitive and insightful. Highs and lows, directness and masquerade, vibrant life and death are defining elements in her work. In her commissions and personal projects, she dealt intensely with themes both current and timeless. Her gaze was humanistic, intimate, and thematic. The exhibition Mary Ellen Mark “Encounters” features five iconic projects created by the photographer in the 1970s and 1980s, later publishing them in a series of photobooks that played a crucial role in cementing her reputation. Ward 81 collects her documentation of women in a state mental institution in Oregon over a period of weeks, Falkland Road is a reportage on sex workers in Mumbai, Mother Teresa’s Missions of Charity is an eponymous exploration both of the woman and her mission, Indian Circus reproduces a series depicting traveling circus families, while Mark’s award-winning Streetwise project and subsequent, Tiny: Streetwise Revisited show her ongoing commitment to telling the story of Erin Charles, who was thirteen when they first met, and known as Tiny. Mark began the project when Tiny was living on the streets and continued photographing her (and eventually her ten children) over the next thirty years. The retrospective includes her portraits of actors and notable people. It also shows her series Twins (2001–02) and Prom (2006–09) in order to reveal the full spectrum of her photographic oeuvre as a documentary and portrait photographer whose one-of-a-kind images gravitated from magazine pages into photobooks and finally onto exhibition walls. Mary Ellen Mark “Encounters” is the first major retrospective of this renowned photographer’s work worldwide. Melissa Harris and Sophia Greiff (C/O Berlin Foundation) have curated the exhibition, conceived in cooperation with The Mary Ellen Mark Foundation—the New York-based archive of the photographer’s work. The show brings together well-known and obscure prints and also presents rare archival materials including contact sheets, letters, and notebooks. An exhibition catalogue is published by Steidl. Η Mary Ellen Mark (1940-2015) διερεύνησε το κοινωνικό ανήκειν, την ετερότητα και τις διαφορετικές ζωές στη φωτογραφία της. Είτε πρόκειται για πορτραίτα είτε για ρεπορτάζ, στις ΗΠΑ, στο Μεξικό ή στην Ινδία. Η καθημερινή ζωή των ανθρώπων στο περιθώριο της κοινωνίας, οι αξιοσημείωτες προσωπικότητες, οι κοινωνικές προκλήσεις και οι στιγμές ελπίδας καθιστούν το έργο της ευαίσθητο και διορατικό. Τα υψηλά και τα χαμηλά, η αμεσότητα και η μεταμφίεση, η έντονη ζωή και ο θάνατος είναι καθοριστικά στοιχεία της δουλειάς της. Στις αναθέσεις και τα προσωπικά της έργα, ασχολήθηκε έντονα με θέματα τόσο επίκαιρα όσο και διαχρονικά. Η ματιά της ήταν ανθρωπιστική, οικεία και θεματική. Η έκθεση Mary Ellen Mark “Encounters” περιλαμβάνει πέντε εμβληματικά projects που δημιούργησε η φωτογράφος τις δεκαετίες του 1970 και 1980, τα οποία αργότερα δημοσίευσε σε μια σειρά από φωτογραφικά βιβλία που έπαιξαν καθοριστικό ρόλο στην εδραίωση της φήμης της. Το Ward 81 συγκεντρώνει την καταγραφή των γυναικών σε ένα κρατικό ψυχιατρικό ίδρυμα στο Όρεγκον για μια περίοδο εβδομάδων, το Falkland Road είναι ιμα ιστορία για τις εργάτριες του σεξ στη Βομβάη, το Mother Teresa’s Missions of Charity είναι μια ομώνυμη εξερεύνηση τόσο της γυναίκας όσο και της αποστολής της, το Indian Circus αναπαράγει μια σειρά που απεικονίζει οικογένειες περιοδεύοντος τσίρκου, ενώ το βραβευμένο πρότζεκτ της Mark Streetwise και το μετέπειτα, Tiny: Streetwise Revisited δείχνουν τη συνεχή δέσμευσή της να αφηγείται την ιστορία της Erin Charles, η οποία ήταν δεκατριών ετών όταν συναντήθηκαν για πρώτη φορά και ήταν γνωστή ως Tiny. Η Mark ξεκίνησε το πρότζεκτ όταν η Tiny ζούσε στους δρόμους και συνέχισε να τη φωτογραφίζει (και τελικά τα δέκα παιδιά της) τα επόμενα τριάντα χρόνια. Η αναδρομική έκθεση περιλαμβάνει επίσης πορτρέτα ηθοποιών και σημαντικών ανθρώπων. Παρουσιάζει επίσης τις σειρές Twins (2001-02) και Prom (2006-09), προκειμένου να αποκαλύψει το πλήρες φάσμα του φωτογραφικού της έργου ως φωτογράφου ντοκουμέντου και πορτρέτου, της οποίας οι μοναδικές εικόνες πέρασαν από τις σελίδες των περιοδικών σε φωτογραφικά βιβλία και, τέλος, σε τοίχους εκθέσεων. Η έκθεση Mary Ellen Mark “Encounters” είναι η πρώτη μεγάλη αναδρομική έκθεση του έργου αυτής της διάσημης φωτογράφου παγκοσμίως. Η Melissa Harris και η Sophia Greiff (C/O Berlin Foundation) επιμελήθηκαν την έκθεση, η οποία σχεδιάστηκε σε συνεργασία με το The Mary Ellen Mark Foundation – το αρχείο του έργου της φωτογράφου που εδρεύει στη Νέα Υόρκη. Η έκθεση συγκεντρώνει γνωστές και άγνωστες φωτογραφίες και παρουσιάζει επίσης σπάνιο αρχειακό υλικό, όπως contacts, επιστολές και σημειωματάρια. Ο κατάλογος της έκθεσης εκδίδεται από την Steidl. Some works Mary Ellen Mark “Encounters” © Mary Ellen Mark, Courtesy of The Mary Ellen Mark Foundation and Howard Greenberg C/O Berlin Foundation Hardenbergstraße 22–24 10623 Berlin 16 Sept. 2023 – 18 Jan. 2024 visit C|O Berlin Share the love      

MARY ELLEN MARK | ‘Encounters’ Read More »

GABRIELE BASILICO | Le mie città

Gabriele Basilico milan

13 Oct. 2023 – 11 Feb. 2024 Palazzo Reale and Triennale MilanoMilano, Italy ENG GR Ten years after his death, Milan is devoting a major exhibition to Gabriele Basilico (1944-2013), divided between two exhibition venues: Palazzo Reale and Triennale Milano. This is the first great tribute that the city in which Basilico was born and lived has paid to the photographer and his cosmopolitan gaze, capable of capturing the essence of all cities. The exhibition will present some 500 works, starting from his survey of Milan at the Triennale and then looking and arriving at the World at Palazzo Reale. The exhibition “Gabriele Basilico. Le mie città”, which opens to the public on 13 October 2023, is promoted and produced by the Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale and Triennale Milano, together with Electa, and created with the scientific collaboration of the Archivio Gabriele Basilico. At Palazzo Reale the exhibition is curated by Giovanna Calvenzi and Filippo Maggia and presents a selection of works on Basilico’s major international commissions; at the Triennale, where the curatorship is entrusted to Giovanna Calvenzi and Matteo Balduzzi, a broad selection of images of Milan and its outer suburbs is exhibited. Δέκα χρόνια μετά το θάνατό του, το Μιλάνο αφιερώνει μια μεγάλη έκθεση στον Gabriele Basilico (1944-2013), η οποία θα μοιραστεί σε δύο εκθεσιακούς χώρους: Palazzo Reale και Triennale Milano. Πρόκειται για τον πρώτο μεγάλο φόρο τιμής που αποτίει η πόλη στην οποία γεννήθηκε και έζησε ο Basilico στον φωτογράφο και στην κοσμοπολίτικη ματιά του, ικανή να αποτυπώσει την ουσία όλων των πόλεων. Στην έκθεση θα παρουσιαστούν περίπου 500 έργα, ξεκινώντας από την φωτογραφική του έρευνα στο Μιλάνου, στην Triennale και στη συνέχεια η πορεία του και το βλέμμα του στον Κόσμο, στο Palazzo Reale. Η έκθεση “Gabriele Basilico. Le mie città”, η οποία ανοίγει για το κοινό στις 13 Οκτωβρίου 2023, προωθείται και παράγεται από την Comune di Milano-Cultura, το Palazzo Reale και την Triennale Milano, μαζί με την Electa, και δημιουργήθηκε με την επιστημονική συνεργασία του Archivio Gabriele Basilico. Στο Palazzo Reale την έκθεση επιμελούνται οι Giovanna Calvenzi και Filippo Maggia και παρουσιάζει μια επιλογή έργων σχετικά με τις μεγάλες διεθνείς παραγγελίες του Basilico – στην Triennale, όπου η επιμέλεια έχει ανατεθεί στους Giovanna Calvenzi και Matteo Balduzzi, εκτίθεται μια ευρεία επιλογή εικόνων του Μιλάνου και των εξωτερικών προαστίων του. Some works Gabriele Basilico. Le mie città © Gabriele Basilico Palazzo RealePiazza del Duomo, 12 Milan13 Oct. 2023 – 11 Feb. 2024 Closed on MondayTuesday – Sunday 10.00 – 19.30Thursday 10.00 – 22.30 visit Palazzo Reale Triennale MilanoViale Alemagna, 6 20121, Milan13 Oct. 2023 – 07 Jan. 2024  visit triennale milano Share the love

GABRIELE BASILICO | Le mie città Read More »

RALPH GIBSON | Secret of Light

Lightreadings mag RalphGibson_The_Somnambulist_1970_1968

13 Sep – 26 Nov 2023 Kunstfoyer München, Germany Ralph Gibson, from the series The Somnambulist, 1970 © Ralph Gibson ENG GR Ralph Gibson is one of the most interesting American photographers of our time. His great international reputation is based on his exceptional work, which is shown and collected by leading museums around the world: He is represented with works in the collections of the Museum of Modern Art in New York and the J.P. Getty Museum in Los Angeles as well as in the John Simon Guggenheim Memorial Foundation, the Creative Center for Photography in Tucson, the Museum of Fine Arts in Houston, the Maison Européenne de la Photographie and the Bibliothèque Nationale de France in Paris or the Fotomuseum Winterthur in Switzerland. Gibson’s works, dating back to the early 1960s, completely defy the conventional purpose of the medium of photography – the meticulous recording of so-called reality: Gibson is not interested in the photographic documentation of reality; he perceives photography itself as an aesthetic reality. A central motif in his works arises from the original meaning of the term “photography” – drawing with light. Gibson regards light not only as a material requirement for the creation of each of his photographs but also as the subject of examination and a tool for composition. Equally significant is his play with its counterpart, shadow. Thus, Gibson elevates light itself to the theme of his oeuvre. The comprehensive retrospective of the photographer Ralph Gibson (* 1939) presents the development of his work from the 1960s to the immediate present through selected series. The exhibition and the accompanying book were developed in direct cooperation with the artist and draw from approximately 300 black and white and color, analog and digital works from the artist’s private collection, as well as works acquired by collector F.C. Gundlach during his collaboration with Ralph Gibson in the early 1980s for his private photographic collection, which is now housed as a permanent loan at the House of Photography in the Deichtorhallen in Hamburg. The exhibition “RALPH GIBSON – SECRET OF LIGHT” was curated by Sabine Schnakenberg in collaboration with Ralph Gibson. The exhibition will be on view at the Deichtorhallen Hamburg, Halle für aktuelle Kunst, until August 20, 2023. From September 13, it will be hosted at the Kunstfoyer of the Versicherungskammer Kulturstiftung in Munich. Ο Ralph Gibson είναι ένας από τους πιο ενδιαφέροντες Αμερικανούς φωτογράφους της εποχής μας. Η διεθνής φήμη του βασίζεται στο εξαιρετικό έργο του, το οποίο παρουσιάζεται και βρίσκεται στις συλλογές κορυφαίων μουσείων όπως του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη και του Μουσείου J.P. Getty στο Λος Άντζελες, καθώς και στο Ίδρυμα John Simon Guggenheim Memorial Foundation, στο Creative Center for Photography στο Tucson, στο Μουσείο Καλών Τεχνών στο Χιούστον, στο Maison Européenne de la Photographie και στη Bibliothèque Nationale de France στο Παρίσι ή στο Fotomuseum Winterthur στην Ελβετία. Τα έργα του Gibson, που χρονολογούνται από τις αρχές της δεκαετίας του 1960, αψηφούν πλήρως τον συμβατικό σκοπό του μέσου της φωτογραφίας – τη σχολαστική καταγραφή της λεγόμενης πραγματικότητας: Ο Gibson δεν ενδιαφέρεται για τη φωτογραφική τεκμηρίωση της πραγματικότητας- αντιλαμβάνεται την ίδια τη φωτογραφία ως αισθητική πραγματικότητα. Ένα κεντρικό μοτίβο στα έργα του προκύπτει από την αρχική έννοια του όρου “φωτογραφία” – σχεδίαση με φως. Ο Gibson θεωρεί το φως όχι μόνο ως υλική προϋπόθεση για τη δημιουργία κάθε φωτογραφίας του, αλλά και ως αντικείμενο εξέτασης και εργαλείο σύνθεσης. Εξίσου σημαντικό είναι το παιχνίδι του με το αντίστοιχό του, τη σκιά. Έτσι, ο Gibson αναγάγει το ίδιο το φως σε θέμα του έργου του. Η αναδρομική έκθεση του Ralph Gibson παρουσιάζει την εξέλιξη της δουλειάς του από τη δεκαετία του 1960 έως σήμρε μέσα από επιλεγμένες σειρές. Η έκθεση και το συνοδευτικό βιβλίο εκπονήθηκαν σε άμεση συνεργασία με τον καλλιτέχνη και παρουσιάζουν περίπου 300 ασπρόμαυρα και έγχρωμα, αναλογικά και ψηφιακά έργα από την ιδιωτική συλλογή του καλλιτέχνη, καθώς και από έργα που απέκτησε ο συλλέκτης F.C. Gundlach κατά τη διάρκεια της συνεργασίας του με τον Ralph Gibson στις αρχές της δεκαετίας του 1980 για την ιδιωτική του συλλογή, η οποία σήμερα στεγάζεται ως μόνιμα στο House of Photography in the Deichtorhallen του Αμβούργου. Την έκθεση “RALPH GIBSON – SECRET OF LIGHT” επιμελήθηκε η Sabine Schnakenberg σε συνεργασία με τον Ralph Gibson. Η έκθεση θα φιλοξενηθεί στο Kunstfoyer του Versicherungskammer Kulturstiftung στο Μόναχο. Some works Ralph Gibson “Secret of Light” © Ralph Gibson Kunstfoyer Maximilianstr. 53 80530 München 13 Sep – 26 Nov 2023  visit Kunstfoyer

RALPH GIBSON | Secret of Light Read More »

YAN MING | “Country of Ambition”

ENG GR Yan Ming’s photographs from “Country Of Ambition” offer the viewer an ironic and, sometimes, cynical view of China. His pictures hint at both the industrialisation of the country, the increasing urban-rural divide, as well as the ability of the Chinese people to cope with this unprecedented change in their lives, with stoicism and a sense of humour writ large on their faces. While many Chinese photographers are concerned with the social, economic and political situation of modern China, Ming created his own path. He focuses on ordinary, everyday people going about their day-to-day lives and creates multiple layered pictures, rich in narrative, and going beyond the obvious, to tell us something profound about his homeland’s culture, its history and traditions. There is a tranquillity in Ming’s photographs that slow us down to view his world in a serene light. His clarity of vision and open mind is willing to recognise that Chinese aesthetics are unique. Deeply rooted in the past and indifferent to Western trends and fashions. Οι φωτογραφίες του Yan Ming από το ” Country Of Ambition” προσφέρουν στον θεατή μια ειρωνική και, μερικές φορές, κυνική άποψη της Κίνας. Οι εικόνες του υπαινίσσονται τόσο την βιομηχανοποίηση της χώρας, όσο και τον αυξανόμενο αστικό-αγροτικό διαχωρισμό, καθώς και την ικανότητα του κινέζικου λαού να αντιμετωπίζει αυτή την άνευ προηγουμένου αλλαγή στη ζωή του, στωικά και μια αίσθηση του χιούμορ αποτυπωμένη στα πρόσωπά τους. Ενώ πολλοί σύγχρονοι Κινέζοι φωτογράφοι ασχολούνται με την κοινωνική, οικονομική και πολιτική κατάσταση της σύγχρονης Κίνας, ο Ming χάραξε τη δική του πορεία. Επικεντρώνεται στους απλούς, καθημερινούς ανθρώπους που ασχολούνται με την καθημερινή τους ζωή, και δημιουργεί πολυεπίπεδες εικόνες, πλούσιου αφηγηματικού χαρακτήρα, που υπερβαίνουν το προφανές, για να μας πουν κάτι βαθύτερο για τον πολιτισμό, την ιστορία και τις παραδόσεις της πατρίδας του. Υπάρχει μια ηρεμία στις φωτογραφίες του Ming που μας επιβραδύνει, κάνοντάς μας να δούμε τον κόσμο του λουσμένο σ’ ένα γαλήνιο φως. Η σαφήνεια του οράματος και το ανοιχτό μυαλό του είναι πρόθυμα να αναγνωρίσουν ότι η κινεζική αισθητική είναι μοναδική. Βαθιά ριζωμένη στο παρελθόν και αδιάφορη για τις δυτικές τάσεις και μόδες. Yan Ming Yan Ming was born in Dingyuan, Anhui Province in the 1970s. He majored in Chinese language and literature in the university. After graduation, Yan used to work as a high school teacher, rock musician, magazine editor, promoter at a record company, and news photojournalist. He resigned from office in 2010 and devoted himself entirely being a freelance photographer. Yan Ming lives in Guangzhou, China. Ο Yan Ming γεννήθηκε στο Dingyuan της επαρχίας Anhui τη δεκαετία του 1970. Σπούδασε κινεζική γλώσσα και λογοτεχνία στο πανεπιστήμιο. Μετά την αποφοίτησή του, ο Γιαν εργάστηκε ως καθηγητής λυκείου, ροκ μουσικός, συντάκτης περιοδικού, διαφημιστής σε δισκογραφική εταιρεία και φωτορεπόρτερ ειδήσεων. Παραιτήθηκε από τα καθήκοντά του το 2010 και αφιερώθηκε εξ ολοκλήρου ως ανεξάρτητος φωτογράφος. Σήμερα ζει στην Γκουανγκζού της Κίνας www.yanming.im

YAN MING | “Country of Ambition” Read More »

JAKUB PASIERKIEWICZ: “Natural Resemblance”

ENG GR Often, we come across images which have very little in common regarding their subject, yet which seem to be closely resembled. It is a sort of unintentional recollection, where retained images in our memory appear in newly encountered situations, phenomena, or objects. Some might call it Déjà vu – as an anomaly of memory, which creates a distinct impression that experience is “being recalled”. Subconsciously similar motifs draw one’s attention. Individual elements of compositions, or colour combinations, all bring deeply embedded memories of past experiences. Συχνά, συναντάμε εικόνες που έχουν ελάχιστα κοινά όσον αφορά στο θέμα τους, αλλά που μοιάζουν πολύ. Είναι ένα είδος ακούσιας ανάμνησης, όπου οι εικόνες που διατηρούμε στη μνήμη μας εμφανίζονται σε νέες καταστάσεις, φαινόμενα ή αντικείμενα. Κάποιοι θα μπορούσαν να το ονομάσουν Déjà vu – μια ανωμαλία της μνήμης, η οποία δημιουργεί την ξεχωριστή εντύπωση ότι η εμπειρία «ανακαλείται». Υποσυνείδητα παρόμοια μοτίβα τραβούν την προσοχή κάποιου. Μεμονωμένα στοιχεία συνθέσεων, ή χρωματικοί συνδυασμοί, όλα φέρνουν βαθιά ριζωμένες μνήμες προηγούμενων εμπειριών. Jakub Pasierkiewicz Jakub Pasierkiewicz was born in 1980 in Poland and graduated from the University of Silesia with a Master in Fine Arts in 2005. Since he moved to England in 2006, he has exhibited mainly in Europe, India, US and Canada including: Foto Festival Schiedam (Netherlands), The Lenzburg Photo Festival (Swiss), Head On Photo Festival (Australia), Kolga Tbilisi Photo (Georgia), The ING Discerning Eye (UK), PABA International Photo Competition (Pakistan), NOA17 (UK), Hiii Photography (China), The Indian Photography Festival IPF (India), Berlin Foto Biennale (Germany), MIFA Photography Awards (Russia). Ο Jakub Pasierkiewicz γεννήθηκε το 1980 στην Πολωνία και αποφοίτησε από το Πανεπιστήμιο της Σιλεσίας με μεταπτυχιακό στις Καλές Τέχνες το 2005. Από τότε που μετακόμισε στην Αγγλία το 2006, έχει εκθέσει κυρίως στην Ευρώπη, την Ινδία, τις ΗΠΑ και τον Καναδά μεταξύ των οποίων: Foto Festival Schiedam (Ολλανδία), The Lenzburg Photo Festival (Ελβετία), Head On Photo Festival (Αυστραλία), Kolga Tbilisi Photo (Γεωργία ), The ING Discerning Eye (Ηνωμένο Βασίλειο), PABA International Photo Competition (Πακιστάν), NOA17 (Ηνωμένο Βασίλειο), Hiii Photography (Κίνα), The Indian Photography Festival IPF (Ινδία), Μπιενάλε Φωτογραφίας Βερολίνου (Γερμανία), MIFA Photography Awards (Ρωσία ). www.kubap.com

JAKUB PASIERKIEWICZ: “Natural Resemblance” Read More »

HARRY GRUYAERT | La part des choses

Harry Gruyaert photo

15 Jun – 24 Sep 2023 LE BAL Paris, France Bruxelles, Gare de Bruxelles-Midi, 1981 © Harry Gruyaert / Magnum Photos ENG GR From June 15 to September 24, LE BAL presents the work of the Belgian photographer Harry Gruyaert through a wide selection of vintage cibachrome prints, drawing an unprecedented path in the work of this leading figure of contemporary photography. Born in Antwerp in 1941, the photographer Harry Gruyaert is one of the pioneers of colour photography, like the great Americans he discovered and fell in love with at an early age: Joel Meyerowitz, William Eggleston, and Stephen Shore. Far from the nar­row confines of his native Belgium, New York in the early 1970s exposed him to pop art and taught him ”to cast a different eye on the ordinary, to accept a form of ugli­ness in the world and to do something with that!” His friendships with the avant-garde (Gordon Matta-Clark, Richard Nanas) reinforced what Antonioni’s Red Desert –”seen a thousand times’‘- had already instilled in him: the need to explore the world, to throw himself into it headlong, not in order to describe it or to inform us about it, but rather to shape it, to model it. To render his perception of things instead of the things them­selves. To become a seer, not a witness. Harry Gruyaert describes this physical struggle, this hand-to-hand combat with things and beings: ”I throw myself into things to experience this mystery, this alchemy: things attract me and I attract things”. In the flow of life, when everything escapes our grasp, and for ”everything to fall into place”, one must be bath present and absent, forgetting oneself in order to seize the matter, the texture, everything that makes up the here and now; while cultivating a sense of prescience, surrendering to an instinctive arrange­ment of forms, colours, symbols, light, and motifs. In Correspondance New Yorkaise Alain Bergala distinguishes between two types of photographers: those who believe in reality and make photography an art of presence, and those who experience reality as impossible and only capture absence. According to this reading, Harry Gruyaert would be an anomaly, a photographer whose visceral pres­ence in the world above all aims to capture its fleeting, intangible character. lsolated trajectories, disjointed spaces, bodies in the margins-the patterns in his images contributes to rendering the absurdity of the world, the surreal collage of life and its individual fragments. What if photography could be about communing with a state of solitude and telling a lie that is truer than truth itself. – Diane Dufour The exhibition gathers for the first time 80 vintage prints made between 1974 and 1996 using the cibachrome process characterized by the sharpness of the image, the intensity of colours and the saturation of the surface. lnvented by Bela Gaspar, a Hungarian chemist, in 1933 and first trade­marked in 1963, it is used to obtain a print from a slide (a positive-to-positive process) by destroying the dyes incorporated in the exposed and developed paper1s emulsion. These rare prints have been brought together exceptionally at the BAL thanks to loans from several collectors and from Gallery FIFTY ONE in Antwerp. Από τις 15 Ιουνίου έως τις 24 Σεπτεμβρίου, το LE BAL παρουσιάζει το έργο του Βέλγου φωτογράφου Harry Gruyaert μέσα από μια μεγάλη ποικιλία vintage εκτυπώσεων cibachrome, χαράσσοντας μια πρωτοφανή διαδρομή του έργου αυτής της κορυφαίας φυσιογνωμίας της σύγχρονης φωτογραφίας. Γεννημένος στην Αμβέρσα το 1941, ο Harry Gruyaert είναι ένας από τους πρωτοπόρους της έγχρωμης φωτογραφίας, όπως οι μεγάλοι Αμερικανοί που ανακάλυψε και ερωτεύτηκε σε νεαρή ηλικία: Joel Meyerowitz, William Eggleston και Stephen Shore. Μακριά από τα στενά όρια της πατρίδας του, του Βελγίου, η Νέα Υόρκη στις αρχές της δεκαετίας του 1970 τον εξέθεσε στην ποπ αρτ και του έμαθε «να ρίχνει μια διαφορετική ματιά στο συνηθισμένο, να αποδέχεται μια μορφή ασχήμιας στον κόσμο και να κάνει κάτι με αυτό!» Οι φιλίες του με την πρωτοπορία (Gordon Matta-Clark, Richard Nanas) ενίσχυσαν αυτό που του είχε ήδη ενσταλάξει η Κόκκινη Έρημος του Αντονιόνι – «που είδα χίλιες φορές»: την ανάγκη να εξερευνήσει τον κόσμο, να ριχτεί με τα μούτρα σε αυτόν, όχι για να τον περιγράψει ή να μας ενημερώσει γι’ αυτόν, αλλά για να τον διαμορφώσει. Να αποδώσει την αντίληψή του για τα πράγματα αντί να περιγράφει τα ίδια τα πράγματα. Να γίνει προφήτης, όχι μάρτυρας. Ο Harry Gruyaert περιγράφει αυτόν τον σωματικό αγώνα, αυτή τη μάχη σώμα με σώμα με πράγματα και όντα: «Ορμώ σε πράγματα για να ζήσω αυτό το μυστήριο, αυτή την αλχημεία: τα πράγματα με ελκύουν και τα προσελκύω κι εγώ». Στη ροή της ζωής, όταν όλα ξεφεύγουν από την αντίληψή μας, για να «μπουν όλα στη θέση τους», πρέπει κανείς να είναι παρών και απών, να ξεχνάει τον εαυτό του για να καταλάβει το θέμα, την υφή, όλα όσα συνθέτουν το εδώ και τώρα, ενώ καλλιεργεί παράλληλα μια αίσθηση πρόγνωσης, παραδιδόμενος σε μια ενστικτώδη διάταξη μορφών, χρωμάτων, συμβόλων, φωτός και μοτίβων. Στο Correspondance New Yorkaise, ο Alain Bergala διακρίνει δύο τύπους φωτογράφων: αυτούς που πιστεύουν στην πραγματικότητα και κάνουν τη φωτογραφία τέχνη της παρουσίας και αυτούς που βιώνουν την πραγματικότητα ως αδύνατη και αποτυπώνουν μόνο την απουσία. Σύμφωνα με αυτή την ανάγνωση, ο Harry Gruyaert θα ήταν μια ανωμαλία, ένας φωτογράφος του οποίου η σπλαχνική παρουσία στον κόσμο στοχεύει πάνω από όλα να συλλάβει τον φευγαλέο, άυλο χαρακτήρα του. Οι απομονωμένες τροχιές, οι ασύνδετοι χώροι, τα σώματα στο περιθώριο – τα μοτίβα στις εικόνες του συμβάλλουν στην απόδοση του παραλογισμού του κόσμου, του σουρεαλιστικού κολάζ της ζωής και των επιμέρους θραυσμάτων της. Τι θα γινόταν αν η φωτογραφία θα μπορούσε να έχει να κάνει με την επικοινωνία με μια κατάσταση μοναξιάς και και την αφήγηση ενός ψέματος που είναι πιο αληθινό από την ίδια την αλήθεια. – Diane Dufour Η έκθεση συγκεντρώνει για πρώτη φορά 80 vintage εκτυπώσεις που έγιναν μεταξύ 1974 και 1996 με τη διαδικασία cibachrome που χαρακτηρίζεται από την ευκρίνεια της εικόνας, την ένταση και τον κορεσμό των χρωμάτων. Εφευρέθηκε από τον Bela Gaspar,

HARRY GRUYAERT | La part des choses Read More »